música de los ochenta

France Gall

2008-05-01T08:22:00.001-07:00

France Gall ,es una cantante francesa que en los 60 jugaba a ser una niña en cuerpo de mujer ,cantando canciones yeyé.Sin embargo en los 80's ya con una carrera mas madura ,produjo éxitos como éste,dedicado a la cantante de jazz afroamericana Elle Fitzgerald.

France Gall - Ella, Elle L'a (1987 -album Babacar)

Rock Latino-Os Paralamas Do Sucesso

2007-11-15T20:08:00.000-08:00

Os Paralamas do Sucesso (literalmente en español, Los guardabarros del éxito) es un famoso grupo musical brasileño, compuesto por Herbert Vianna (guitarrista y vocalista), Bi Ribeiro (bajo) y João Barone (batería). La banda tuvo éxito en la década de 1980, en sus comienzos mezclaba ska con rock, como The Police, pero con el pasar de los años comenzaron a experimentar y agregar instrumentos y ritmos latinoamericanos. La banda formó parte del "Cuarteto Sagrado del rock brasileño", juntamente con Barão Vermelho, Titãs y Legião Urbana.

Historia

1977-1983: Los Comienzos

A pesar de que los Paralamas eran considerados parte de la "generación de Brasilia", por tener cierta amistad con las bandas locales, fue formada en Rio de Janeiro. Herbert se mudó a Río en 1977, para entrar en la universidad, y Bi al año siguiente, para terminar la enseñanza media. Los dos decidieron formar una banda, Herbert con su guitarra Fender, y Bi (que nunca había tocado nada) con un bajo traído desde Inglaterra. A ellos dos se uniría después el baterista Vital.

El grupo ensayaba en la casa de la abuela de Bi (lo que inspiró la creación del tema "Vovó Ondina é Gente Fina") y era tocada en pequeños locales. En 1982, Vital faltó a una presentación en la Universidad Rural de Río y fue sustituido por João Barone, que asumió ese lugar en la banda. Escribieron, teniendo en cuenta a su ex-baterista la canción "Vital e sua Moto", y mandaron una cinta con esa canción a la Rádio Fluminense. El tema fue muy escuchado durante el verano del 83, y los Paralamas tuvieron su primera gran presentación, al abrir el programa para Lulu Santos en Circo Voador. Firmaron entonces contrato con EMI, grabando el álbum "Cinema Mudo" (definido por Herbert como una "manipulación por el personal de la grabadora"), que tuvo un éxito moderado.

1984-1990: Llegada a la Fama

En 1984, lanzaron el disco "O Passo do Lui", que tuvo enormes éxitos como "Óculos", "Meu Erro", "Mensagem de Amor", "Romance Ideal" y la aclamación de la critica, llevando al grupo inclusive a tocar en la primera edición del festival Rock in Rio.

En 1986 lanzan Selvagem?, el disco se oponía a la "manipulación" desde su cubierta (donde aparecía el hermano de Bi en el bosque, vestido sólo con una camiseta en torno a la cintura), y mezclaba nuevas influencias, principalmente de la Música Popular del Brasil. Con hits como "Alagados", "A Novidade"(la primera con participación de Gilberto Gil, y la segunda coescrita por él), "Melô do Marinheiro" y "Você" (de Tim Maia), Selvagem? vendió 700.000 copias y llevó a los Paralamas a tocar en el Festival de Montreux (lo que se convertiría en el disco en vivo "D").

Los Paralamas también reunían multitudes por América del Sur, ganando gran popularidad en Argentina, Uruguay, Chile y Venezuela.

El disco que siguió a "Selvagem?" fue "Bora-Bora" (1988) añadió un saxofón a sus canciones y un "cuarto paralama", el tecladista João Fera. El disco mezclaba temas alegres como "O Beco" con otros depresivos como "Quase Um Segundo" y "Uns Días" (reflejo tal vez de la separación de Herbert y Paula Toller, vocalista del grupo Kid Abelha).

"Big Bang" (1989) seguía siendo del mismo estilo, teniendo hit como "Perplexo" y "Lanterna dos Afogados".

1991-1994: Éxito, sólo en Argentina

El comienzo de la década de 1990 fue dedicado a experimentaciones. "Os Grãos"(1991), disco con enfoque en los teclados y de menor atracción popular, no fue bueno en ventas, a pesar de tener dos éxitos en él ("Trac-Trac"-versión del argentino Fito Paez- y "Tendo a Lua"). "Severino", de 1994 fue todavía más experimental y fue ignorado por las radio y el gran público.

Si en Brasil los Paralamas estaban siendo olvidados, en el resto de América ellos eran ídolos. "Paralamas"(1992), fue grabado en español. "Dos Margaritas" (la versión hispánica de "Severino") sonó en las radios de Argentina.

1995-2000: La vuelta a los escenarios

La gira de su disco "Severino" fue exitosa, y en uno de los conciertos realizados en el año 1995 se grabó su nuevo disco en vivo "Vamo Batê Lata", el cual era acompañado con cuatro canciones inéditas. El éxito de "Uma Brasileira" (creación de Herbert com Carlinhos Brown y la participación de Djavan), y la controversia de "Luís Inácio (300 Picaretas)'' (que criticaba la política brasileña y de los llamados "duendes del presupuesto") atrajo nuevamente la atención del público y de la prensa.

Se comenzó, además, con la producción de vídeo clips, que se llevarían 11 premios de los Video Music Brasil.

En 1999, MTV Brasil llamó a los Paralamas para grabar un MTV Unplugged, con canciones menos conocidas y la participación de Dado Villa-Lobos, ex-Legião Urbana. El disco, llamado Acústico MTV:Paralamas do Sucesso, vendió 500.000 copias, ganando el Grammy Latino.

En 2000, lanzaron una nueva recopilación llamada Arquivo II, que contenía canciones de todos los álbumes entre 1991 y 1998 (excepto "Severino"), con una regrabación de "Uma Mensagem de Amor y "Aonde Quer Que Eu Vá", colaboración de Herbert con Paulo Sérgio Valle.

2001 - Presente: Un accidente, pero no el fin

El 4 de febrero de 2001, un avión piloteado por Herbert Vianna tuvo un accidente en Angra dos Reis. La mujer de Herbert, Lucy, que estaba a bordo, murió. Herbert fue rescatado y llevado para Rio de Janeiro. La consecuencias fueron duras (Herbert quedó postrado en silla de ruedas, y perdió parte de sus facultades mentales, las cuales ha ido recuperando paulatinamente); pero esto no le impidió seguir tocando. Bi y João decidieron grabar un nuevo disco preparado antes del accidente: "Longo Caminho" que fue lanzado en 2002. Herbert Vianna retornó a los escenarios en cuanto tuvo posibilidad de hacerlo, acompañando al grupo con su guitarra y sus vocales.

En el 2005, los Paralamas lanzaron un nuevo disco, "Hoje".

Grammy Latino

* 2000: Primer puesto en el Annual Latin GRAMMY Award, en la categoría Rock Brasileño, con el disco MTV Unplugged
* 2003: Cuarto puesto en el Annual Latin GRAMMY Award, en la categoría Rock Brasileño, con el disco Longo Caminho

Discografía

* Cinema Mudo (1983)
* O Passo do Lui (1984)
* Selvagem? (1986)
* D (1987)
* Bora Bora (1988)
* Big Bang (1989)
* Arquivo (1990)
* Os Grãos (1991)
* Severino (1994)
* Vamo Batê Lata (1995)
* 9 Luas (1996)
* Hey Na Na (1998)
* Acústico MTV (1999)
* Arquivo II (2000)
* Longo Caminho (2002)
* Uns Días Ao Vivo (2004)
* Hoje (2005)

Video Music Brasil

Hasta 2004, antes de ser superados por O Rappa, los Paralamas eran el mayor grupo premiado en los premios Video Music Brasil de la MTV Brasil, con 12 premios.

* 1995 - "Uma Brasileira" - Elección de la Audiencia, Clip Pop
* 1996 - "Loirinha Bombril" - Clip del Año, Dirección y Edición
* 1997 - "Busca Vida" - Clip del Año
* 1998 - "Ela Disse Adeus" - Clip del Año, Clip Pop, Dirección de Arte y Fotografía.
* 1999 - "Depois da Queda o Coice" - Edición

Os Paralamas do Sucesso "Alagados"

Os Paralamas do Sucesso "Veraneio Viscaina" Vivo (1983)

Os Paralamas do Sucesso "Me Liga" vivo (1989)

Rock Latino-Emociones Clandestinas

2007-11-14T19:44:00.000-08:00

Integrantes:
Jorge “Yogui” Alvarado (Voz y Guitarra)
Mauricio Melo (Bajo)
Francisco Muñoz (Guitarra)
Iván Molina (Batería)

Año de formación: 1985

Estilo:
Pop Rock

Influencias:

Emociones Clandestinas tuvo gran éxito radial en los 80. Caracterizada por la sincera y desgarradora voz de su vocalista, temas enérgicos y directos, un compromiso con su arte que no era común en esos años, y “Abajo en la costanera”, un álbum imprescindible para la historia del rock chileno, la banda penquista logró el anhelo de perpetuarse en el tiempo, convirtiéndose en un grupo de culto para las generaciones actuales.
Emociones Clandestinas se disolvió de manera natural a fines de 1989 con la misma formación actual: Jorge “Yogui” Alvarado en voz y guitarra, Mauricio Melo (Santos Dumont) en bajo, Francisco Muñoz (Machuca) en guitarra e Iván Molina (Santos Dumont, Matorral) en batería. Participan además José Burdiles (Machuca) en percusiones y Felipe Donoso (Dos Cabaret) en teclados.
Su show actual reboza energía y vitalidad, ya que el tiempo no ha pasado en vano y todos sus integrantes continuaron el legado de Emociones Clandestinas en proyectos de similar éxito y reconocimiento tanto por la crítica como por el público en el medio rockero actual.

Toda esta experiencia hace que el regreso de Emociones Clandestinas sea todo un acontecimiento. En sus numerosas presentaciones en Concepción y Santiago la banda incluye temas inéditos y ya planea componer nuevas canciones, aprovechando la excelente comunión personal y musical que han conjugado, logrando un sonido plenamente vigente y afiatado.
Nadie en Chile puede decir que no ha escuchado alguna vez “Un nuevo baile”, el clásico tema de los 80. Ahora sus creadores están de vuelta con bombos y platillos (literalmente).

Emociones Clandestinas :"Un Nuevo Baile"

Rock Latino-GRUPO UPA!

2007-11-14T19:16:00.001-08:00

Formación: Santiago, 1985.
Disolución: 1991 (reunidos en 1998)
Género: Pop / Rock
Integrantes: Pablo Ugarte, bajo y voz (1985 - 1991 / 1998 - 2000).
Mario Planet, guitarra y teclado (1985 - 1991 / 1998).
Sebastián Piga, saxofón (1985 - 1991 / 1998 - 2000).
Octavio Bascuñán, batería (1985 - 1991 / 1998 - 2000).
María José Levine, teclado y voces (1987 - 1991).
Cristián Freund, guitarra (1999 - 2000).

Sitio: www.grupoupa.blogspot.com/

Valioso emblema del pop trabajado en Chile durante los años '80, Upa! logró no sólo demostrar mayor valor artístico que la serie de bandas que compitieron con ellos durante el llamado boom de la época, sino también establecerse como referente de un modo de composición de inequívoco espíritu urbano. A diferencia de Los Prisioneros, el grupo optó por una reflexión social más sutil y metafórica, anclada de modo importante en la new-wave inglesa y con timbres novedosos, como el saxo de Sebastián Piga.

Con canciones como "Ella llora", "Cuando vuelvas" y "La bamba", Upa! se convirtió en uno de los grupos más populares de esa década. Su planteamiento intentó mantenerse fiel a tres principios autoestablecidos: "tocar bien, cantar inteligente y tener un estilo personal". Tras un largo receso, la banda volvió a los escenarios y la publicación discográfica a fines de los años '90 y casi con su misma formación original.

Composiciones sobre Santiago
De modo conjunto, Pablo Ugarte (bajo y voz), Mario Planet (guitarra, teclado), Sebastián Piga (saxo) y Octavio Tavo Bascuñán (batería) reformularon hacia 1985 al grupo Generaciones (parcialmente experimental) para formar un proyecto más ajustado al pop. UPA! fue un nombre elegido, según ellos, por ser "el más ridículo" que pudo ocurrírseles, aunque con el tiempo tomó una lectura optimista: "Cuando no había nada, tirar para arriba de todos modos. Upa, chalupa", explicaría Ugarte.

Debutaron en el céntrico teatro Cámara Negra. Dispuestos a profesionalizar su trabajo, el grupo logró grabar al poco tiempo su primer disco. De UPA! (1986) destacaron singles como "Sueldos" y "Fotonovelas", más algunas reflexiones de amarga reflexión urbana ("Las masas son gente", "La nada"), casi siempre en torno a la soledad inherente a la vida en Santiago. En ese álbum podía encontrarse además "África", uno de los primeros temas de influencia reggae grabados por un grupo local. El trabajo se publicó también en Uruguay, Perú y Argentina.

Con un sonido sofisticado pero amable, Upa! logró equilibrar las dos dicotómicas tendencias pop de la época, a medias entre la feroz crítica contingente de Los Prisioneros y el ansia comercial de, por ejemplo, Cinema. Con estos últimos coincidieron en el Festival de Viña del Mar 1987, aunque la experiencia fue contraproducente: el debut a gran escala de Upa! fue recibido con sonoras pifias de un público que aún no conocía sus canciones. El grupo tuvo una merecida revancha unas semanas más tarde, cuando se unió en la misma Quinta Vergara al cartel que tuvo por primera vez a los argentinos Sumo en Chile (también con GIT y Aparato Raro), menos de un año antes del suicidio de Luca Prodán.

Para su segundo lanzamiento, Que nos devuelvan la emoción (1988), el grupo ya había incorporado a María José Levine (ex Primeros Auxilios) como vocalista y tecladista. Su novedoso cover para el tradicional "Río, río" —también incluido en la banda sonora del filme Sussi, de Gonzalo Justiniano— y temas como "Ella llora" fueron lo más destacado de un álbum en el que el grupo confirmó su identidad y logró legitimar una lectura más trabajada del pop en español, a través de un cancionero de marcado carácter sentimental, con letras de excepcional sensibilidad para el medio y no pocos versos de amor.

El ritmo de presentaciones y generosa difusión radial se mantuvo hasta 1990, cuando con la producción del músico argentino Andrés Calamaro la banda grabó Un día muy especial, su tercer álbum. El medio acusaba recibo de la decaída general del pop "ochentero", y el sonido más rockero de este trabajo apenas pudo contra la corriente. De modo casi simultáneo a Los Prisioneros, UPA! se despedía en 1991.

Reunión
Mario Planet viajó a Francia y fundó el grupo Santiago, con quienes publicó un disco homónimo que Alerce editó localmente en 1996. Sebastián Piga trabajó como músico de sesión y bandas televisivas, María José Levine formó junto a su hermano Sebastián (entonces en Electrodomésticos) el combo de pop tropical María Sonora, y Ugarte rotó por un sinfín de bandas, de entre las cuales destacaron La Dolce Vita, Barracos y Ex, esta última también con Octavio Bascuñán en batería.

Pero una invitación a reunirse formulada por radio Zero en agosto de 1996 tentó a los UPA! con una reagrupación. Planet viajó especialmente desde Francia para preparar ese concierto, que luego se tradujo en un disco de regreso, en el que el grupo esquivó intencionalmente una mera revisión de sus grandes éxitos. "No haremos arqueología de nosotros mismos", advirtió Piga. Así, Punto infinito (1999) —para cuya carátula, la banda sacó de su nombre el signo final de exclamación y bajó las letras mayúsculas, quedando simplemente como Upa— mostró un sonido inédito y más rockero, ya sin teclados y una presencia casi ínfima del saxo, y el cual fue destacado en radios por el single "Punto infinito".

"Quisimos entregar nuevas cosas al cancionero popular chileno y consolidarnos más allá de los años ochenta", explicó entonces Pablo Ugarte. El registro del lanzamiento de ese disco, en junio de 1999 en el Teatro Providencia, se editó bajo el título En vivo

Desde hacía unos meses, el grupo venía trabajando con Cristián Freund (ex Santa Locura) como guitarrista estable. La promoción de ese disco sería uno de los últimos pasos profesionales de Upa, de cuya formación original en adelante el más activo musicalmente resultó ser Sebastián Piga, con un disco junto al proyecto electrónico Andxpress (La Miss Chile, 2004) y otro con los populosos The Gutiérrez Experience.

A partir del año 2004 el grupo realizó esporádicas reuniones para presentaciones en clubes nocturnos, principalmente. De todas ellas, la más importante fue la que organizó en diciembre del 2005 en el teatro Providencia, con la presencia especial de Sebastián Piga, y el registro del show completo para una posible edición posterior en CD y DVD.

Upa! :Ella Llora

Upa!:La bamba

DISCOS oRIGINALES
Upa! (1986 - EMI Odeon)
Que nos devuelvan la emoción (1988 - EMI Odeon)
Un día muy especial (1991 - EMI Odeon)
Punto infinito (1999 - BMG)

OTRAS EDICIONES
(EPs, antologías de éxitos, grabaciones en vivo, DVDs, reediciones)
Lo mejor de Upa! (1993 - EMI Odeon)
Antología Upa! (1995 - EMI Odeon)
En vivo (2000 - BMG)

PARTICIPACIONES
(Compilados de varios artistas)
Rock chileno. Lo mejor de los '80 (1994 - EMI Odeon)
Rock delfin del mundo (1999 - Fusión)
Cerro Alegre. Banda sonora (1999 - Warner Music)
Antología Rock chileno de los 80's (2002 - EMI Odeon)
50 hits del rock latino de los 80's (2005 - EMI Odeon)
Fuente :www.musicapopular.cl

Rock Latino-G.I.T

2007-11-12T20:43:00.000-08:00

GIT era un grupo de soft rocky new wave, originario de Argentina, surgido en la década de los ochenta y parte de los noventa. El nombre del grupo proviene de las iniciales de los apellidos de sus integrantes: Guyot, Iturri y Toth (ex bajista de Los Gatos y de Sacramento, entre otros).

El grupo se formó al separarse de la banda de Charly García, que fue el productor de su primer disco. Los temas Acaba de nacer y La calle es su lugar (Ana), de la primera placa, los llevó al reconocimiento del público. Es por amor, tema destacado de su tercer álbum, los llevó al éxito.

Integrantes

* Pablo Guyot: guitarras, voces.
* Willy Iturri: batería, percusión, voces.
* Alfredo Toth: bajo, voz líder.

Discografía

* GIT (1984)
* GIT (El álbum negro), 1985
* GIT 3 (1986)
* Primera sangre (1988)
* Distorsión (1992)

G.I.T "Es por Amor"

G.I.T "Mas bien ,Menos Mal"

G.I.T "No hieras mi corazón"

G.I.T "La Calle es su Lugar(ANA)"

G.I.T "Siempre fuiste Mi Amor"

G.I.T "Tarado de Cumpleaños"

G.I.T "Aire de Todos"

G.I.T "Acaba de Nacer"

Rock latino -Aparato Raro

2007-11-12T20:30:00.000-08:00

Integrantes:
Igor Rodríguez (Teclados)
Coty Aboitiz (Teclados)
Manuel Guerrero (Batería)
Emilio García (Bajo)

Año de formación: 1984

Estilo:
Tecno-Pop

Influencias:
Depeche Mode, Thomas Dolby.

“Aparato Raro surgió en un momento que se veían estilos nuevos de música. Estaba un poco pegando el rock latino, el rock argentino, y varios de nosotros escuchábamos esas cosas y nos dimos cuenta que tocar jazz- rock era muy entretenido, pero había que hacer otras cosas también. Empezamos a escuchar harta música. Nos juntamos en alguna oportunidad con Carlos Fonseca en el segundo piso de la disquería Fusión, a escuchar tecno, a Depeche Mode , Thomas Dolby, cosas como ésas. Ahí surgió la idea de armar Aparato Raro y con el Igor y el Boris le dijimos a Carlos que nos diera un mes para hacer algunos temas. Le pusimos Aparato Raro al grupo por la sencilla razón de que la música que salió era media rara y estaba hecha con aparatos. En esa época los sintetizadores eran una cosa novedosa. No había muchos en Chile. El papá del Igor tenía un sintetizador Yamaha, así que aprovechábamos los fines de semana que el papá se iba a la playa y se lo sacábamos para ensayar.
Armamos este grupo con los músicos que tocábamos en un grupo de jazz rock llamado Ojo de Horus. Formamos este cuarteto “tecno” para la época, con música muy pop, letras trascendentes, muy actuales, sociales, políticas y fue una experiencia bastante interesante. Eso fue en el año ´84.
En el ´85, salió el primer disco de Aparato Raro, que tuvo mucho éxito. Por lo menos el primer tema que sacamos a la radio que fue “Calibraciones”.Es un tema que hasta el día de hoy, año 2002, es un tema que todavía suena en las radios, es un tema que suena muy actual. Se han hecho versiones nuevas, unas sinfónicas, otras con instrumentos más actuales, pero sigue siendo el mismo tema en esencia: con la misma letra, la misma melodía y armonía.
Yo me alejé de Aparato Raro a mediados de la grabación del primer disco. Después ellos hicieron un segundo disco: “Blanco y Negro” en el que ya estaba Emilio García en guitarra, Mauricio Guerrero en batería, Rodrigo Aboitiz e Igor Rodríguez. El disco también tuvo un gran éxito. Luego de eso fue la disolución del grupo. Pasó Andrés Bobe, un tiempo, al final por la banda. No alcanzó a grabar, pero sí tuvo varias actuaciones en vivo.
Para mí personalmente Aparato Raro es muy intenso. Fue una época en que uno está en los primeros años de universidad, conociendo la música, con los primeros conciertos en vivo, con mucho éxito, mucha gente que te aplaude y te felicita, te pide autógrafos. Son los momentos más especiales en que uno empieza a ser músico. Después todo eso se hace rutinario pero uno tiene muchos recuerdos de ese momento porque era algo muy especial, muy nuevo y que uno echa absolutamente mucho de menos.
Aparato Raro fue un grupo que en el momento fue bastante conflictivo para mucha gente, muy agradable para otros. Muchos se sintieron identificados, otros no tanto. Recuerdo algunos recitales en que fuimos amenazados en los camarines y en otras partes muy felicitados. Las letras en realidad eran algunas bastantes fuertes. Al tema “Calibraciones” tuvimos que cambiarle la letra en el estudio por sugerencia del sello, de un ejecutivo del sello en esa oportunidad. Cambiamos como tres o cuatro palabras, que después por las cosas que van sucediendo, la gente las va conociendo y al final las cantaban en vivo como eran, como sucedió también con uno de los temas de Los Prisioneros.
Igor era el que hacía casi todas las letras. Algunas también las hizo Boris.
Me acuerdo que salíamos en las noches buscando temáticas, nos íbamos a meter a algunos tugurios bastante interesantes. Incluso encontrábamos pololas por una noche. Y ahí fueron naciendo letras, de la noche de Santiago, de ir a Providencia y entender que habían dos cosas muy distintas: de la gente muy taquilla y de la gente que no era tan taquilla como nosotros, que éramos más metidos como músicos, que no nos preocupábamos de andar comprando las últimas cosas de la moda, y nos preocupábamos más que nada de la música.
Era una del gobierno militar, en que había mucha represión. Por ejemplo, yo no podía andar con el pelo largo, me traía muchos problemas en esa época, tocar música en algunos lugares también estaba prohibido. Los primeros conciertos fueron en algunas universidades y se producían bastantes problemas, o sea, desórdenes, gente que no le gustaba la propuesta de nosotros. Recuerdo una noche en que un tipo quería hacer pedazos los instrumentos y subió como tres veces al escenario, le pegaron y terminó por ahí en alguna sala con un par de heridas de poco calibre. Pero siempre trataban de parar estos conciertos, de alguna manera censurarnos, pero creo que al final era nada más que música y un par de propuestas tal vez simples, no andábamos tirando piedras ni bombas sino que solamente hacíamos música y al final el tiempo dio la razón, hasta el día de hoy son súper reconocidas las canciones, son parte de una generación, parte del sentimiento de todos los chilenos de aquella época.
Puntualmente refiriéndome a la parte de las letras en el tema Calibraciones, recuerdo, había una parte que decía: “esos tontos almidonados”, que en realidad era eso, “esos tontos uniformados”, después se cambió la letra por algo de si eres ciclista irás derecho al infierno, y si eres marxista, y si eres fascista, o sea, en el fondo tirábamos mierda para los dos lados. Y la otra parte: “Si estás cansado de gritar y nunca ver”, era “si estás cansado de gritar y va a caer”, que era como el grito político de aquella época en contra del gobierno militar. Esas fueron las tres o cuatro cosas que nos hicieron cambiar en esa oportunidad en letra, en la grabación del disco precisamente.
En esa época veníamos de todo lo que era un poco el Canto Nuevo. El Canto Nuevo estaba muy ligado a lo que era la cosa política, ligado a las Peñas. En esa época las Peñas eran cosa principal. Ahí funcionaban todos los grupos de Canto Nuevo. Pero había una necesidad de algo más popular, de música más bailable, que tuviera más ritmo, siguiendo el rock. Existía una represión en el país muy fuerte con respecto al arte , con respecto a la música también, y esta apertura musical se produjo básicamente gracias a los músicos y a algunos que se la jugaron en ese momento, a algunos estudios de grabación como el del Caco Lyon que fue uno de los pilares de la música del pop latino en esa época. Fue el primero que puso el estudio de grabación a disposición de todos nosotros.
Carlos Fonseca, que fue productor de Aparato Raro y de Los Prisioneros, nos vió al principio y creyó en nosotros y financió y puso de su bolsillo toda la plata para poder financiar todas estas grabaciones. En esa época el sello EMI fue parte importante de los que se atrevieron a jugársela y sacar estos discos a pesar de que sabían que podía existir algún problema o algo. Por ahí partió la cosa y la gente necesitaba una música distinta. A lo mejor no les gustaba ir mucho a las Peñas y el bolso de lana; querían alguien más loco, los pelos más raros cortados, una onda más new wave, sonidos más modernos, más rock, más tecno, más cosas para bailar que entretenerse y no tanto ir a tomarse un vinito caliente a estas cuestiones.
Por lo tanto, creo que fuimos muchos los que estuvimos involucrados en que esta cosa funcionara, Después , por supuesto, cuando ya la tomó el público, no nos dimos ni cuenta cuando existían grupos ya muy famosos. Tocábamos en todos lados en estadios llenos, en las radios programaban nuestra música todo el día. Entraron también muy fuerte los argentinos Soda Stéreo y GIT y se armó toda una onda en conjunto que era la cosa del rock latino en esos momentos. Creo que nosotros fuimos mucho más fuertes que los argentinos en el sentido de hablar cosas del país, de lo que estaba sucediendo. Tal vez Charly en Argentina fue el único que se lanzó con tutti también contra muchas cosas establecidas. Pero Aparato Raro, Emociones Clandestinas, La Banda 69 y Los Prisioneros pa´ qué hablar, fueron grupos que realmente se la jugaron con una propuesta distinta musical y temáticamente, por lo tanto creo que fuimos importantes también en una generación de gente que después se abrió y se dio cuenta que también podía gritar y hablar sobre las cosas sin necesidad de tirar piedras ni pegar palos, sino que solamente con el arte”.

Juan Ricardo Weiler.

Aparato Raro "Calibraciones"

Aparato Raro "Emociones sin Restricciones"

Aparato Raro "Juanito P"

Aparato Raro "Conexiones Televisivas"

Rock Latino-Grupo Nadie

2007-11-12T19:34:00.000-08:00

Formación: Santiago, 1986

Disolución: 1988

Integrantes:
Soledad Soli Arbulú(española), voz (1986 - 1988).
Lucía Shia Arbulú(española) , voz y teclado (1986 - 1988).
Francisco Chachi Arbulú(español), guitarra y voz(1986 - 1988).
Armando Figueroa(chileno), bajo (1986 - 1988).
José Domingo Cañas(chileno), batería (1986 - 1988).

La voz de dos hermanas fue el eje de Nadie, una de las bandas del "boom pop" de los años '80 en Chile, de trascendencia escasa, apenas un disco, pero singles representativos de cierta liviandad de la época. La llegada a Chile de la familia Arbulú desde España determinó el trabajo local del grupo. Shia Arbulú, además, destacó más tarde por ser la primera vocalista de La Ley, antes de la llegada de Beto Cuevas.

Entre festivales escolares

Poco después de su llegada a Santiago desde Madrid, los hermanos Soledad, Lucía y Francisco Arbulú comenzaron a usar una de las piezas de su amplia casa de Las Condes para ensayar canciones inspiradas en los grupos de "la movida" española que aún no se difundían en Chile (Radio Futura, La Unión, Alaska). Aunque eran aún escolares, se contactaron con un par de músicos locales (el bajista Armando Figueroa y el baterista José Domingo Cañas), con quienes decidieron intentar suerte profesional. Su primera participación pública fue en un concurso del programa "Éxito", de UCTV, en el que no lograron ningún premio, pero consiguieron una invitación para tocar en un festival de colegio.

Fue entonces que compartieron escenario con Aparato Raro, una de las bandas más importantes de ese momento en Santiago, quienes a su vez les presentaron a Carlos Fonseca, manager de esa banda y de Los Prisioneros. Fonseca decidió también hacerse cargo de la representación de Nadie. Su gestión les permitió tener contratos sucesivos para presentaciones en colegios. La disquera EMI abrazaba por entonces la licencia de las principales bandas nuevas, y quiso también incorporar al quinteto a su catálogo.

Así, y en menos de seis meses, Nadie preparó, grabó y editó Ausencia, su primer y único álbum. Su pop sencillo, animado por los juegos vocales entre Soli y Chachi, sostenía canciones ideales para la difusión radial, como "Miénteme" y "Ausencia". Fue tanta la difusión de ese álbum, que el grupo consiguió una invitación para presentarse en el Festival de Viña del Mar de 1988, el principal escenario del país durante la época.

En paralelo al ascenso de Nadie, Shía había comenzado a trabajar con Andrés Bobe y Rodrigo Aboitiz en un proyecto de tecno-pop llamado La Ley, y con el cual alcanzó a grabar un primer cassette independiente (La Ley, 1988). Sin embargo, la posibilidad de nuevas grabaciones quedó truncada por la decisión de la familia Arbulú de regresar a España. El grupo se disolvió así a mediados de 1988. El único de sus integrantes que siguió vinculado a la música fue Armando Figueroa, quien al poco tiempo se integró a Los Morton.

Nadie :"Creo que te quiero"

Nadie :"Ausencia"

Rock Latino-La Ley

2007-11-12T19:20:00.001-08:00

Integrantes:
Beto Cuevas (Voz)
Mauricio Clavería (Batería)
Pedro Frugone (Guitarra)

Año de formación: 1987

Estilo:
Pop

Influencias:

El grupo LA LEY nace en el año de 1987, en ese tiempo la alineacion de LA LEY la comprendian Shia Arbulú, Rodrigo Aboitiz y Andrés Bobe, quienes juntos le dieron origen a este en aquel entonces un sueño, hoy una realidad, LA LEY.
Ellos grabaron un sencillo en forma independiente nombrado "La Ley" ( single Sólo un juego), pero por azares del destino esta formación cambió, Shia dejó el país y tuvo que dejar también a la agrupación , Andrés le decía a Shia que ella debería dedicarse únicamente a cantar pero ella tuvo que partir.
Así comenzó la busqueda por los próximos miembros del grupo, quienes resultaron ser los mas aptos para esto fueron Mauricio Claveria, Luciano Rojas e Ivan Delgado quien seria el vocalista de la banda sin embargo, en ese año tambien Beto aparece en la historia de LA LEY, quien por su capacidad y talento se quedo como el vocalista del grupo una ves que ya se tuvo esta alineacion mas firme, en 1989 sale el disco "Desiertos" , del cual solo se editaron 500 copias por diversos problemas con su manager Carlos Fonseca.
Despues vino la salida de Rodrigo Aboitiz quien por motivos personales salio de labanda. En ese mismo año, la ley va aun programa " A proposito" donde se invitaban a grupos Chilenos a interpretar covers, LA LEY interpreta un cover de los Rolling Stones, a estecover el grupo le dio un toco y estilo muy especial, muy al estilo de LA LEY.
En 1991, y con su nuevo manager Alejandro San Fuentes, LA LEY lanza su primer disco "oficial" llamado Doble Opuesto, fue entonces cuando también el sello de Polygram decide grabarlos, mientras tanto tocaban en lugares pequeños de Chile, fue hasta el siguiente año cuando tocarían por primera vez en el festival Viña del Mar donde tocaron temas como Angie. En 1993 comienzan a componer lo que será su próximo álbum, el cual sería grabado en Chile y en Argentina (estudios Horizonte), este disco de nombre "LA LEY" que fue producido por ANDRES BOBE y Mario Breuer, gracias a este disco fue que se difundieron más en el extranjero y que se les reconoció aun más su trabajo con premios como "APES" por el grupo más destacado del año, "ACE" mejor grupo de rock latinoamericano, "LAUREL DE ORO" por el mejor artista.
Es también en este año donde surge el primer contacto con México, es en el mes de Octubre cuando la ley realiza su primera visita a nuestro país, tocando en el teatro Angela Peralta, un mes después el grupo regresa a tocar en programas como "Siempre en Domingo" y "En vivo", posteriormente tocan en el hard Rock de la Ciudad de México y en la plaza de toros de Guadalajara, así es como inicia la relación de LA LEY y México. En 1994, surge el single "Cara de Dios", el cual contiene cuatro temas: En la ciudad, Desiertos (mix), Aveces y Rhitmyn Valentine. En ese mismo año tocan de nuevo en Viña, ese año también se realiza el disco donde se compilan los temas más "importantes" de la banda este disco es llamado "LA LEY DE LA LEY", ese mismo año LA LEY y Polygram se despiden.
Lamentablemente mientras el grupo preparaba lo que seria su próximo disco, sucede la tragedia, el mes de abril uno de los miembros fundadores pierde la vida... ANDRES, quien después de realizar un concierto a beneficio de un futbolista tiene un accidente. La prensa con su afán de vender comenzó a sacar notas amarillistas y se corre el rumor de que el grupo no continuaría con palabras como "se murió el cerebrito del grupo", afortunadamente LA LEY es fuerte y continuo con sus presentaciones, es entonces donde es invitado a pertenecer a la banda y realizan presentaciones en el Festival Acapulco 94´demostrando su profesionalismo y cariño tanto por su amigo como por la música.
En 1995, ya con su nuevo sello Warner y el regreso de Coti. Es lanzado internacionalmente el disco "INVISIBLE", con la colaboración deHumberto Gatica en producción. Y su primer sencillo "El Duelo" se lanza en el mes de junio, este es sin duda el material más exitoso de la banda, con promoción de cinco sencillos, cosa nada fácil de lograr en el mercado, nuestra banda LA LEY lo logra. Estos sencillos con sus respectivos videos en su gran mayoría fueron dirigidos por Juan Carlos Martin, y en uno de ellos también Beto, "Cielo Market", vídeo que fue nominado en MTV, por Mejor montaje,Mejor vídeo de Grupo y Mejor Dirección Artistica. Durante la gira homónima a su disco "INVISIBLE" realizan un concierto en los Angeles, y en diversas partes de los Estados Unidos. También la banda participa en un disco para encontrar la cura contra el SIDA, "Red Hot & Latin" con el tema "you come and go" producido por K.C. Porter.
Tiempo después van al programa "La Tocada", y a finales de año esta exitosa gira termina después de casi dos años, la gira se cierra en Chile. Este año su manager de tantos años se va y llega Galman como su manager actual. El grupo continua con su más reciente material, mientras trabajaban en la pre- producción, uno de los tres fundadores del grupo que quedaba decide dejar el grupo, pero colaboro en parte de él. El grupo viaja a N.Y. a grabar su material, donde ellos se encargan de la producción del disco (por primera vez) y en colaboración con ellos trabaja Joey M., debido a los deseos de escuchar de nuevo al grupo, como "probadita" en noviembre sale a la venta el single "FotoFobia" que cuenta con 4 versiones de esta canción, una de ellas de Jorge González. Pero esta canción empezó a sonar en las radios desde un mes antes, y en Morelia es programada por primera ves en las radios el día 19 de octubre. Este single traía un símbolo que decía " este tema viene incluido en ( y venia el símbolo) que sale en 1998. Y así fue en 1998 es lanzado en el mes de febrero " Vértigo", el día 17 fue el lanzamiento oficial del disco, pero la noche del 16 se hizo una preventa en la tienda "mixup" donde el grupo dio autógrafos a su gran cantidad de fans que asistió a la venta y autógrafos para saludar a su grupo. El primer sencillo "oficial" es "Vi" vídeo que fue realizado por Stanley así como también realizo Fotofobia, el vídeo de "Vi" es vetado en la cadena MTV. Debido a que en el vídeo se incluía una pistola que apuntaba directamente hacia alguien. La presentación del disco fue el 5 de Marzo en el Teatro Metropolitan, este concierto también fue transmitido vía Internet, y por segunda ves se presentan en el "Auditorio Nacional" un 6 de noviembre. A finales de este año Luciano deja la banda, y para concluir la gira es invitado J.C. para tocar el bajo, una de las presentaciones con esta alineación se realizo con "El Teleton" de México un 5 de Diciembre. También ese año el grupo recibe varios premios como el de "La Banda Elástica" y "Eres".
En 1999 la banda estuvo realizando conciertos en lugares como Rep. Dominicana.
En este año el grupo lanza a la venta su reciente material llamado "UNO". Este disco se realizo en Montreal Canadá y Los Angeles, el material cuenta con 10 temas y es un reencuentro con la melodía y con CHILE, uno de los temas se llama "Al Final" y habla sobre la droga, también hay otro tema el cual es un tema que ANDRES Y BETO escribieron hace tiempo, así como el tema de "Aquí" el cual suena en las radios desde el pasado mes de enero, y el más reciente sencillo "Fuera de mi", otros de los temas son "tierrra", "Paraiso" y "Eternidad", (con una parte en francés, como ya es característico de LA LEY), nuevamente cuenta este disco con la producciónde Humberto Gatica.

Discografía:
[1989] - Desiertos
[1991] - Doble Opuesto
[1993] - La Ley
[1995] - Invisible
[1998] - Vertigo
[1999] - Uno
[2001] - MTV Unplugged
Fuente :"Enciplopedia del Rcok Chileno"

La Lay "Desiertos":Primer y único video de la banda durante los 80's

Rock Español-La Unión

2007-11-12T12:33:00.000-08:00

La Unión es un grupo musical español creado a finales de 1982 por tres estudiantes de Publicidad: Íñigo Zabala, Mario Martínez y Luis Bolín.

Al principio empezaron haciendo música instrumental: Mario con el bajo, Luis con la caja de ritmos e Íñigo con los teclados. A mediados de 1983, con un buen número de bases instrumentales preparadas, Rafa Sánchez se une al grupo como vocalista.

Grabaron una maqueta que presentaron a varias discográficas sin éxito, hasta que Rafa Abitbol y Nacho Cano (de Mecano), se fijaron en ellos y les grabaron tres canciones "Lobo Hombre En París", "Voracidad" y "La Niebla", basadas en los cuentos de Boris Vian.

En Enero de 1984, firman contrato con Warner, que acababa de instalarse en España, y dos meses después sacan al mercado en single su gran éxito y su himno: "Lobo Hombre En París" del que se vendieron 200.000 copias y que permaneció once semanas en el #1 de las listas de los más vendidos.

En Junio de 1984, comienzan a grabar en Madrid los temas que más tarde compondrían su segundo álbum "Mil Siluetas", en el que encontramos joyas como "Sildavia", "Mil Siluetas" o "Eclipse Total", las más recordadas de aquel disco, que se publicó el 9 de Octubre de 1984 en la Sala "El Sol". Cómo anécdota, cuando terminaron seis canciones, la gente se empezó a marchar de la sala, pero a posteriori "Mil Siluetas" se convertiría en un gran éxito de ventas. Ese mismo año grabaron el videoclip de "Lobo Hombre...".

Luego llegarían otros discos tales como "El Maldito Viento", del que muy poco se recuerda hoy en día, o "Vivir El Este Del Edén", con canciones como "Más Y Más", "Maracaibo" y la que da título al álbum. Como dato curioso, en el repertorio de éste disco se incluye una canción con el mismo nombre del grupo, "La Unión". Luego, en el álbum " Tentación" las canciones más notables fueron "Ella Es Un Volcán", "Fueron Los Celos", "Dámelo Ya", "Si Tú Quisieras", "Santa María" y "Tentación". Más tarde vendría el álbum en Directo titulado "Tren De Largo Recorrido".

Luego ya pasarían más desapercibidos con álbumes de "Psycofunkster Au Lait" o "Hiperespacio", discos que no tuvieron tanta repercusión como los anteriores.

Tras los recopilatorios "Grandes Éxitos" y el disco "El Mar De La Fertilidad" recuperan el éxito.

Después de publicar en el 2006 el álbum "Love Sessions" que contiene sus canciones de siempre transformadas en éxitos actuales con música electrónica, se toman un descanso, aunque hay rumores de que pueden estar preparando un nuevo trabajo musical.

En el año 2007 el grupo presenta su gira MagicØ7 en la discoteca Joy Eslava (Madrid), gira exitosa que durante este año lleva al grupo por toda la geografia Española. También es en este año cuando crean LaUnion TV y La Unión Radio. A través de su pagina web http://www.launion.net La Unión lanza su canal de televisión apostando por los nuevos tiempos, siendo pioneros en todo el mundo pues ningún grupo conocido hasta la fecha había ofrecido algo similar. En el canal de televisión actualmente se puede disfrutar de casi todos los vídeos grabados por el grupo, así como entrevistas y actuaciones en directo.

Discografía Básica Oficial De La Unión: [editar]"Mil Siluetas" (© y ℗ 1984).
"El Maldito Viento" (© y ℗ 1985).
"4×4" (© y ℗ 1986).
"Vivir Al Este Del Edén" (© y ℗ 1988).
"Tentación" (© y ℗ 1990).
"Tren De Largo Recorrido" (© y ℗ 1992).
"Psychofunkster Au Lait" (© y ℗ 1993).
"Los Maxis" (© y ℗ 1993).
"Conmemorativo" (Recopilatorio - © y ℗ 1994).
"Hiperespacio" (© y ℗ 1996).
"Fluye" (© y ℗ 1997).
"La Unión" (© y ℗ 1999).
"Grandes Éxitos" (Recopilatorio - (© y ℗ 2000).
"El Mar De La Fertilidad" (© y ℗ 2002).
"Colección Audiovisual" (Recopilatorio - © y ℗ 2004).
"Love Sessions" (Recopilatorio electrónico - © y ℗ 2006).
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/La_Uni%C3%B3n_%28grupo%29"

La Unión "Hombre Lobo en París"

La Unión "Falso Amor"

la Unión "Sildavia"

Rock Latino-Valija Diplomática

2007-11-12T12:24:00.000-08:00

Valija Diplomática
Mi vida vale mas que todo eso.

Con Alejandro Capeletti en la voz, el sonido propiamente ochentero Police latino, simple, directo y alegre, era encabezado por esta banda. ¨Mi vida vale mas´un tema que hasta el día de hoy suena, con la misma frescura en un pub, o en una fiesta.

Lo último informado por la banda es lo siguiente en el Mercurio el Jueves 30 de Mayo de 2002:
¨ Valija Diplomática prepara el retorno.
En 1989, tras lanzar su tercer disco "Sexto sentido", Valija Diplomática bajó sus cortinas. Tres años después, el vocalista Alejandro Capeletti editó una cuarta producción con la misma rúbrica de la banda, pero no encontró los ecos del pasado. Ahora volverán a intentarlo.
Antes de la primavera lanzarán su disco "Grandes éxitos y más", donde reúnen viejos y nuevos temas. Según Capeletti, ya tienen grabadas las maquetas de su nuevo CD, que será licenciado a una multinacional.
El regreso venía gestándose desde el año pasado, cuando el bajista Javier Henríquez visitó a Capeletti para proponerle la resurrección de Valija Diplomática. "Mucho antes incluso de que se juntaran Los Prisioneros", dice el vocalista de la banda, responsable de temas como "Mi vida vale más", "Tú lo sabes bien" y "Qué pasará hoy". "Esto es cíclico y es natural que regresemos", comenta Capeletti. En su retorno intentarán retomar el sello que tuvo la banda en los 80: "Siempre hicimos canciones positivas, para divertirse, y eso es lo que queremos volver a hacer", explica el guitarrista Memo Sanfurgo.
Con la incorporación del baterista Carlos Molina, el cuarteto recuperó la formación de su segundo álbum "Nuevos tiempos, nuevas valijas" (1987). Esa fue, según dicen, la época más célebre del grupo¨.

Valija Diplomática "Mi vida Vale más"

Rock Latino-Grupo Viena

2007-11-12T11:55:00.000-08:00

Integrantes:Claudio Millán (Voz y Teclados)Archie Frugone (Bajo)Pedro Frugone (Guitarra)Francisco Coch (Batería)

Año de formación: 1986

Estilo:Pop

Influencias:The Cure, Depeche Mode.

"En el año 1979 armé una banda que se llamaba "T.E.C" donde hacíamos covers de muchas bandas inglesas y con el tiempo esta banda se pasaría a llamar "Brain Damage" donde cantaba un gringo chico llamado Andrew Thaer que apenas hablaba en español. El baterista era otro gringo llamado Rusty Stock, el bajista era Daniel Santos y yo era el guitarrista para lo que agregamos a nuestro repertorio canciones hechas por mí y las letras las trabajabamos en inglés con el Andrew.
Con Brain Damage tocamos durante 4 años aproximadamente y pasamos por todos los festivales de colegio y cafés concerts que se hacían en Santiago.
En esa época no había televisión para los grupos chilenos ni espacio en radios u otro medio de comunicación, así que tocar no era fácil.
Sin embargo nos convertimos en una banda famosa en la época con nuestras canciones y por los covers, tocando en lugares como "El Jardin", en el Pub de Ivan Ariste y algunos otros .
Esta agrupación cambió de baterista en el año 1983 aproximadamente, hasta que supimos de un batero excelente que tocaba en un subterráneo del Pollo Dorado en el centro. Ese era Mauricio Clavería y prácticamente les robamos a esa banda al Mauricio ya que no tenía ni un futuro si se quedaba allí. Al irse de Chile el Andrew comence a cantar.
Luego a finales del año 1984 me fui a vivir a Buenos Aires buscando un lugar donde expandir mi necesidad musical y formé dos bandas allá, en una de las cuales llegó a tocar en algunas ocaciones el famoso Willy Quiroga del grupo VOX DEI que en Argentina es tremendamente respetado.
Volví a Chile a finales del año 1985 y comencé la tarea de armar una banda nueva y esta se llamó "Los Rockmanticos" con la cual hicimos un disco, participamos en algunos programas de TV y estuvimos en la OTI chilena. Aquí también tocaba el Mauricio Clavería.
Mis vecinos, los Frugone, que en ese momento vivían en Estados Unidos, habían sido en un tiempo pasado mis alumnos y a cada uno lo metí en el mundo de la música inclusive consiguiéndoles a Pedro y Archie su primera guitarra y su primer bajo. A ambos los inicié en el dominio de la música ya que cuando ellos tenían como 14 y 15 años se pasaban por la pandereta que nos separaba de casas y entraban a nuestra sala de ensayo para alucinar con la música y los instrumentos que usábamos.
Finalmente hice una maniobra que traería de vuelta a Chile a los hermanos Frugone (pedido por la mamá de ellos, ya que tenía un problema para volver a entrar y ellos se habían quedado allá viviendo solos). Yo les llamé desde su casa en Santiago y les prometí que tocarían conmigo y que en Chile estaba todo pasando con la música pero al llegar no les gustó la música cantada en español y me mandaron a freir monos al Africa.
Tuve que esperar un corto tiempo hasta que se dieron cuenta que con el grupo que ellos habían armado ("Codigo") no lograban nada y me pidieron que los ayudara. Así fue como en 1986 nació el grupo Viena .
Nuestros ensayos duraban todo el día y no lograbamos llegar a ningún resultado debido al desorden que tenían y a lo complicado que era trabajar con Pedro (no le gustaba que hubieran dos guitarristas) pero a su vez él no aportaba resultados concretos. Para no causar mas peleas opté por buscar otro instrumento que fue el teclado: (yo no era tecladista) pero tuve que aprender a dominarlo en un plazo extremadamente corto (un mes ) y finalmente les sugerí armar canciones que yo tenía compuestas anteriormente con una banda que se llamaba "Los Rockmanticos". Este fue el caso de "Niña Engreída" que fue el primer tema que armamos completo y que me dio la confianza para seguir haciendo canciones.
Con Viena firmamos con la EMI en el año 1986 con la ayuda de Hernán Rojas, ingeniero en sonido que nos grabó nuestro primer disco que se llamó "Viena I" y que era un estilo Rock Pop británico en español.
Con EMI llegamos a hacer dos discos (en esa época sólo se hacían cassettes).
Nuestras canciones entraron muy fuerte en las radios (la primera fue la radio Galaxia con el Pirincho y con la cancion Niña Engreida) y nosotros pedimos que no se diera ni el nombre del grupo ni su procedencia. Entonces el público pensaba que no éramos un grupo chileno pero se hicieron fanáticos. Luego vino el canal 11 con Video Top y algunos otros programas. Y lo que nos catapultó finalmente sería la polémica aparición en canal 13 -en el programa Martes 13- donde se nos trató de imponer muchas órdenes sobre las canciones, letras y la vestimenta que íbamos a mostrar. Mos dijerom que tendríamos que sacarnos el vestuario y que nuestra actuación sería vigilada en los ensayos por Gonzalo Beltran y la Rubian Gumper (no se si está bien escrito) que era la mujer que controlaba todo lo que salía al aire para garantía del gobierno militar.
Nosotros nos rebelamos y llegamos tan solo unos minutos antes de nuestra actuación, con nuestro vestuario y maquillaje. Así no pudieron cortar nuestra aparición pero fuimos censurados del canal y de Radio Concierto que en aquellos días trabajaban en conjunto.
Al día siguiente nada fue lo mismo. Ya éramos famosos en todo Chile y de allí no pararíamos hasta casi 4 años después.
La muerte de Viena se debio a la suma de varios factores: por un lado la falta de una oficina con buen manager que nos mantuviera mejor posesionados en el mercado, más el rechazo por parte de ellos a reconocer que yo era el líder de la banda y que una banda tiene que tener un líder. Además, la falta de respeto de los sellos discograficos, como el caso de la EMI que dejó botados nuestros discos de promoción y ni siquiera nos los entregó para repartirlos por nuestra cuenta. Súmale el constante cambio de label managers que efectuaba el sello y cada idiota llegaba con distintas intenciones. Encima la EMI Internacional les pegó un tiron de orejas para que dejaran de preocuparse tanto de lo nacional y le diera prioridad al material venido de afuera, dejando botados a todos los grupos que tenía el sello. También imfluyó el litigio que comenzó entre la SCD con las radios Chilenas por pagos de derechos autorales, que es el que nos tiene hasta el día de hoy escuchando a cientos de idiotas hablando y hablando por espacios de tiempo específico para evitar poner música. Agrégale el cambio de gobierno, que le trato de dar la mano a los grupos y cantautores comunistas o exiliados y a las radios les dio con la música francesa, después brasilera etc. En el fondo, el mismo grave problema de siempre que tiene esta sociedad, "la continuidad" que no existe ya que éste es el único país del mundo donde a los artistas los matan los medios y no el público y donde todo el mundo de los medios y la television tiene siempre un letrero luminoso en la frente que dice: "¿Y COMO VOY YO AHI?".
Todo esto bajó demasiado nuestra motivación e hizo pensar a mis compañeros que yo era la causa de que Viena no fuese más famoso aún, por lo que planificaron de manera oculta un nuevo grupo (ANACHENA) en el que les fue muy mal ya que no lograron nada ni siquiera en comparacion a Viena pero que fueron capaces de decir en entrevistas de revistas y medio que ahora que yo no estaba en su banda ellos lograrían una fama internacional .
La falta de creer en lo que habíamos logrado y el peso que teníamos en Chile como banda, el cariño que nos tenía y que nos tiene hasta el día de hoy el público tambien la pagaron caro mis compañeros porque yo jamás motivé la ruptura de la banda.
Esta ruptura comenzó a dejarse ver por parte de mis compañeros en las giras donde se encargaban de dejarme los boletos de asiento solo y lo mas lejos posible de ellos, lo mismo en los hoteles y no aceptaron ni una canción más que yo compusiera, lo que nos dejó sin material para seguir grabando.
Hoy, ya les quedo claro que no era yo el culpable".

Claudio Millán

Discografía:
[1986] - Viena I
[1987] - Viena II

Viena "Salón de Emociones"

Viena "Niña Engreida"

Rock Latino-Los Prisioneros

2007-11-12T11:29:00.000-08:00

Los Prisioneros es una banda de rock chilena, de la década de los 80, cuya principal característica son sus letras cargadas de críticas sociales.

Durante su primera fase (1983 - 1992) publicaron cuatro discos que se convirtieron para algunos en puntos de referencia de la música chilena y latinoamericana de los años 1980. La banda se separó en 1991, tras la salida de Claudio Narea, y en ese intertanto Jorge González y Miguel Tapia junto a Cecilia Aguayo y Robert Rodríguez lanzaron el exitoso disco Corazones.

La banda (con su formación original) se volvió a juntar en 2001, dando dos conciertos a tablero vuelto en el Estadio Nacional y editando un nuevo álbum, pero tras problemas entre González y Narea la banda se volvió a separar en 2003. Una formación diferente, con dos de los integrantes originales, editó un disco en 2004, aunque no logró el mismo éxito que la banda acuñó en la década de 1980. Finalmente, Los Prisioneros dieron su último concierto en el año 2006.

Historia

Inicios y primer disco (1979-1985) La historia de Los Prisioneros comienza en 1979 cuando su líder, compositor y vocalista Jorge González (bajo), Claudio Narea (guitarra eléctrica) y Miguel Tapia (batería), se conocen en el Liceo 6 de San Miguel (actual Liceo Andrés Bello), en Santiago de Chile. En sus inicios se hicieron llamar "Los Pseudopillos" y posteriormente "Los Vinchukas", hasta que en 1983 adoptaron definitivamente el nombre de "Los Prisioneros".

En 1984, bajo el alero del mítico sello Fusión (del productor Carlos Fonseca, quien también apoyó en sus inicios a Aparato Raro y más tarde a La Ley) lanzaron a la venta su primer casette titulado La Voz de los '80, con sólo mil copias. En 1985 el álbum es editado en todo Chile y América Latina bajo el sello EMI. De este disco debut destacaron las emblemáticas canciones La Voz de los '80, No necesitamos banderas, Sexo y Latino América es un pueblo al sur de EEUU, todas ellas con un fuerte contenido de denuncia y críticas sociales. Asimismo, inolvidables son Paramar, ¿Quíen mató a Marilyn? y Mentalidad Televisiva. En este trabajo, todas las canciones fueron compuestas por Jorge González, excepto ¿Quién Mató a Marilyn?, escrita conjuntamente por Jorge González y Miguel Tapia.

Consolidación (1986-1989)

En 1986 los "tres de San Miguel" lanzan, bajo el sello EMI, su segundo disco titulado Pateando Piedras, con el cual se consagraron definitivamente dentro de la música popular chilena. De este trabajo, destacan los temas ¿Por qué no se van?, Muevan las Industrias y El Baile de los que sobran, considerado, este último, un clásico del género. A raíz de la fuerte crítica social de sus canciones, las autoridades del gobierno militar de la época, los consideraron "influencia nociva para la juventud"[sin referencias] debiendo sufrir la censura en los medios de comunicación controlados por el Régimen Militar de Augusto Pinochet. Incluso, en 1987 la realización de uno de sus conciertos fue impedida por las autoridades.

En 1987 editaron, bajo el sello EMI su tercer álbum titulado La Cultura de la Basura. Este trabajo, conservó la línea argumental de sus predecesores en cuanto a lírica; denuncia social y críticas al modelo socioecónomico imperante. De él se desprenden como singles las canciones Que no destrocen tu vida, Maldito Sudaca, Pa pa pa y Lo estamos pasando muy bien, siendo esta última una crítica indirecta al modo de vida de la sociedad norteamericana.

Quiebre, Corazones y receso (1990-2000)

En 1990, Claudio Narea abandona la banda. Los restantes miembros, entonces reclutan a Cecilia Aguayo y Robert Rodríguez. Paralelamente editan el disco Corazones, con un estilo más pop y techno que los anteriores. El disco es el más exitoso, hasta hoy, de la banda chilena.

Entre 1991 y 2001, los miembros del grupo se dedicaron a sus propios proyectos artísticos. Jorge González lanza tres discos solistas, Jorge González, El futuro se fue y Mi destino: Confesiones de una estrella de Rock. Además lanzó un disco de cumbias bajo el nombre Gonzalo Martínez y sus Congas Pensantes. Cecilia Aguayo y Miguel Tapia formaron un grupo techno, "Jardín Secreto", con el cual lanzaron dos discos. Narea formaría Profetas y Frenéticos, además de editar un disco como solista. En el internanto, la casa discográfica que los cobijó desde un principio, EMI, editó varios trabajos recopilatorios, Grandes Éxitos en 1991, Ni por la Razón, Ni por la Fuerza en 1996 (que además incluye rarezas y versiones inéditas de canciones) y El Caset Pirata en 2000, con versiones en vivo de sus temas más conocidos. Por otra parte, varios artistas chilenos realizarían un disco Tributo a Los Prisioneros, con cóvers de los grandes éxitos de la banda.

Reencuentro y salida de Narea (2001-2003)

En 2001 el sello EMI edita el álbum doble Antología, su historia y sus éxitos. A finales de ese mismo año, los integrantes originales de la banda, González, Tapia y Narea, se reúnen nuevamente y realizan dos conciertos en el Estadio Nacional de Santiago, con notable asistencia de público. En 2002 se registró esta memorable actuación en un álbum en vivo y en formato DVD. En junio de 2003 Los Prisioneros lanzan al mercado un nuevo álbum (el quinto de su carrera) titulado simplemente Los Prisioneros. Aunque éste se aleja mucho del sonido original que hizo famosa a la banda, la crítica social y al modelo neoliberal, como antaño, no estuvieron ausentes. Ultraderecha y San Miguel son los temas que se desprendieron como singles. Meses después, Narea vuelve a abandonar la banda.

Manzana y disolución (2003-2006)

González y Tapia siguen tocando juntos, con músicos invitados como Álvaro Henríquez (Los Tres y ex Los Pettinellis), con el que grabaron el disco de cóvers Los Prisioneros en las Raras Tocatas Nuevas de la Rock & Pop, y en 2004 se integran a la banda como integrantes fijos Sergio Coty Badilla y Gonzalo Yáñez (ex No me Acuerdo). Esta nueva formación sacó un disco el año 2004, con el nombre de Manzana. A partir de entonces, la banda decide radicarse en México y por estos motivos Yáñez deja el grupo.

A fines del año 2005, Jorge González conversa extensamente sobre su historia y obra con el periodista y escritor chileno Emiliano Aguayo, lo que se convierte en el libro "Maldito Sudaca: Conversaciones con Jorge González" (Ril Editores, Chile).

El 18 de febrero de 2006, realizan, luego de haberse presentado exitosamente en Canadá, Estados Unidos, México, Ecuador, Perú, Bolivia, Colombia y Chile, durante los dos años anteriores, su último concierto en Caracas, Venezuela. La disolución estaba pactada desde mucho antes, incluso sus fans más cercanos ya estaban avisados, pero no la prensa, por diferencias de ciudades en que vivían cada uno, entre otras razones. Mientras Jorge González había fijado residencia en México, Miguel Tapia y Sergio Badilla, seguían en Santiago de Chile.

En enero de 2007, en Chile, se realizó La Cumbre del Rock Chileno, donde desfilaron infinidad de músicos de ayer y hoy, siendo Jorge González la gran atracción, luego que viajar desde México, su actual residencia, especialmente para este evento, después de haber sido pedido por miles de mails por sus incondicionales a la organización del evento.

Miembros
Formación original, 1979-1991 Jorge González: Voz, Bajo.
Claudio Narea: Guitarra, Teclados.
Miguel Tapia: Batería, Percusión, Coros

Formación para Corazones, 1991-1992 Jorge González: Voz, Guitarras
Miguel Tapia: Batería, Percusión, coros
Músicos de apoyo en recitales

Cecilia Aguayo: (Teclado, secuencias, coros´)
Robert Rodríguez: Bajo, teclado, ocasionalmente guitarra

Reencuentro, 2001-2003 Jorge González: Voz, Bajo, Teclados, Programación
Miguel Tapia: Batería, Percusión
Claudio Narea: Guitarras, Teclados, Programación

Formación 2003-2004 Jorge González: Voz, Bajo, Teclados, Programación
Miguel Tapia: Batería, Percusión
Músicos Invitados

Álvaro Henríquez: Guitarras
Sergio Badilla: Teclados

Formación para Manzana, 2004-2005 Jorge González: Voz, Bajo
Miguel Tapia: Batería, Percusión
Músicos Invitados

Sergio Badilla: Guitarra
Gonzalo Yáñez: Guitarra

Formación 2005-2006 Jorge González: Voz, Bajo
Miguel Tapia: Batería, Percusión
Sergio Badilla: Teclados, Guitarra
Músicos Invitados

Álvaro Henríquez: Voz, guitarra
Gonzalo Yáñez: Voz, teclado, Guitarra

Los Prisioneros "¿Quien mató a Marilyn"

Los Prisioneros "¿Porqué no se van?"

Los Prisioneros "Muevan las industrias"

Los Prisioneros "Sexo"

Los Prisioneros "Maldito Sudaca"

Los Prisioneros "Por Favor"

Los Prisioneros "EL Baile de los que sobran"

Rock Latino-Soda Stereo

2007-11-12T09:19:00.000-08:00

Soda Stereo

Información general

Origen :Buenos Aires, Argentina

Estilo(s): New Wave,Rock Alternativo

Tiempo :1982 - 1997, 2007 (tour)

Discográfica(s) :Sony Music / BMG Sitio

Miembros: Gustavo Cerati,Zeta Bosio,Charly Alberti

Banda de rock argentina formada en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cerati (guitarra y canto), Zeta Bosio ,Luis Alberto Limon (bajo) y Charly Alberti (batería). En 1997, se disolvió por problemas personales y por diferencias de criterios artísticos entre sus integrantes.
El 6 de junio de 2007 se conoció la noticia del regreso de la banda a los escenarios, mediante una única gira latinoamericana que comenzó el 19 de octubre en el estadio Monumental de River Plate de la ciudad de Buenos Aires, donde realizarán 6 recitales (19, 20 y 21 de octubre, 2 y 3 de noviembre, y el cierre del tour el 21 de diciembre), y que abarca también dos recitales en Santiago de Chile, uno en Guayaquil (Ecuador), cuatro en México (uno en Monterrey, uno en Guadalajara y dos en el D.F.), tres en Estados Unidos (dos en Los Ángeles y uno en Miami), en Bogotá (Colombia), en Ciudad de Panamá, en Caracas (Venezuela), dos en Lima (Perú) y uno en Córdoba (Argentina) (Ver detalle).
Cuatro de sus álbumes han sido incluidos en listas de mejores de todos los tiempos: Canción animal (1990), Signos (1986), Ruido Blanco (1987) y Sueño Stereo (1995)
Su canción De música ligera ha sido considerada la cuarta mejor de todos los tiempos, tanto del rock latino (SAT), en general, como del rock argentino (Rock.ar), en particular. Las canciones Te hacen falta vitaminas y Nada personal, han sido consideradas la Nº73 y Nº74, respectivamente, entre los mejores temas de rock argentino (Rock.ar).
Los videos de En la ciudad de la furia y Ella usó mi cabeza como un revólver fueron finalista y ganador, respectivamente, del entonces único premio MTV a la música latina. El video Cuando pase el temblor fue nominado finalista del 12° "World Festival of Video and TV" en Acapulco.
En 2002 recibieron el Premio MTV Legend de MTV Latinoamérica por su trayectoria musical.

Historia El comienzo: de Los Estereotipos a Soda Stereo Soda Stereo en sus inicios. Durante unos meses de 1982 se llamaron Los Estereotipos. Luego dio paso a su nombre definitivo.A comienzos de los años 80 Gustavo Cerati de 22 años y Héctor "Zeta" Bosio de 23 años, estaban a punto de encontrarse. Ambos estudiaban la carrera de Publicidad en la Universidad del Salvador de Buenos Aires y se conocían, pero no eran amigos. Cerati venía cantando, haciendo rock, tocando la guitarra eléctrica y formando bandas desde la escuela primaria ("Koala", "Sauvage", "Vozarrón", "Triciclo"). Bosio venía tocando el bajo desde niño y también formando bandas ("Agua", "La Banda de San Francisco", "The Morgan").
En el verano de 1982 ambos coincidieron en Punta del Este (Uruguay): Cerati con su grupo Sauvage y Bosio con The Morgan, una buena banda integrada también por Sandra Baylac, Hugo Dop, Christian Hansen, Pablo Rodriguez, Charly Amato, Osvaldo Kaplan y Andrés Calamaro. Debido a una serie de peripecias, Cerati y Bosio establecieron un estrecho vínculo musical y de amistad, que los llevó a comenzar a tocar juntos.
Gustavo y Zeta compartían los mismos gustos y sueños musicales y comenzaron una búsqueda para integrar un grupo punk rock inspirado en The Police (que fue a la Argentina ese año), con temas propios en español. Primero Cerati se integró a The Morgan y luego formaron sucesivamente el grupo Stress (junto a Charly Amato y el baterista Pablo Guadalupe) y Proyecto Erekto (junto a Andrés Calamaro), que no cubrieron sus expectativas.
Cerati cuenta de este modo esos primeros instantes:
La fecha es el año 82, Guerra de las Malvinas. Yo trabajaba en una agencia como junior. Había estudiado Publicidad en la Facultad y con Zeta teníamos asignaturas en común, pero no nos conocíamos mucho. Yo estaba tocando con una banda de blues y rock de la zona de Flores, al oeste de Buenos Aires y él con un grupo que hacía covers. En el verano me fui a Punta del Este con un grupo de música disco, un grupo para ganar dinero. Hacía cosas de The Commodors, de guitarrista rítmico y cantaba con un par de inglesas que hacían las voces. El lugar donde tocábamos quebró y nos quedamos sin un peso en Punta del Este. Intentamos vender todo lo que estaba en la discoteca, porque la dueña se fugó. Nos mandó unos cheques sin fondos, así que empezamos a vender todo. Alquilamos el piano para poder quedarnos, porque estaba bueno ese verano. Uno de los pocos buenos, porque había gente sin plata, como nosotros. En otro lugar de Punta del Este estaba Zeta tocando con un grupo que se llamaba Morgan. Como no tenía dónde quedarme, me fui con ellos, y ahí empezó mi relación con Zeta. Planeamos la idea de tener un grupo, y luego en las clases nos dedicábamos a buscar nombres de grupos, a escuchar música y cualquier cosa menos a lo que teníamos que hacer.Pasamos largo tiempo buscando otras personas para hacer algo, y finalmente nos quedamos Zeta y yo con los teclados de Andrés Calamaro, con quien formamos una banda que se llamó Proyecto Erekto, que era un grupo de tecno. Pero nuestra idea era armar un grupo de rock. Había llegado The Police a Argentina y teníamos que ir todos a verlos.

Por entonces Carlos Ficcichia, nombre legal de Charly Alberti, llamaba insistentemente por teléfono a María Laura Cerati, hermana de Gustavo, para invitarla a salir, pero ésta pensaba que era un “pesado” y no lo quería atender. En una oportunidad, fue Gustavo quien atendió una llamada de Charly para su hermana, y entablaron una conversación de compromiso, en la que Carlos contó que tocaba la batería y que era hijo de un famoso baterista de jazz: Tito Alberti (autor además de El elefante trompita). A la semana, Gustavo y Zeta decidieron visitar a Charly Alberti (cinco años más joven que Cerati), para escucharlo tocar en la batería de su padre. Allí se formó Soda Stereo.

Después de examinar algunas ocurrencias (Aerosol, Side Car) adoptaron el nombre de «Los Estereotipos», debido a una canción de The Specials , que les apasionaba a los tres y que utilizaron unos meses. De esa primerísima época data un demo con tres temas: "¿Por qué no puedo ser del jet set?", "Dime Sebastián y "Debo soñar" (de Ulises Butrón), acompañados por Daniel Melero en teclados y Ulises Butrón en guitarra.

Luego surgieron los nombres "Soda" y "Estéreo", dando como resultado «Soda Stereo», y manteniendo así parcialmente el nombre inicial. Tocaron por primera vez con ese nombre el 19 de diciembre de 1982, en el cumpleaños de Alfredo Lois, compañero de universidad y quien sería futuro director de la mayoría de sus videos y creador de toda los aspectos relacionados con la presentación visual de la banda (peinados, vestimenta, tapas, escenarios, etc.) . Lois sería reconocido por el propio Cerati como «el cuarto Soda» .

Con el objetivo de darle más fuerza a la banda, llamaron a Richard Coleman para que ocupara el rol de segundo guitarrista pero al poco tiempo, el mismo Richard reconoció que sonaban mejor antes de su incorporación y renunció a su puesto en buenos términos, confirmándose definitivamente como trío: Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti.

En julio de 1983 debutaron en público, en la discoteque Airport, en el barrio de Belgrano:
Nuestro debut fue un desfile de modelos en la discoteque Airport, que quedaba cerca de donde ensayábamos en Buenos Aires. Nadie nos dio bolilla. Tocamos nosotros tres, con un sistema de amplificación muy deficiente. Pero nos dio gusto, aunque nadie nos escuchara. Parecíamos realmente un grupo punk, no sabíamos tocar y sonaba muy fuerte, aunque sólo fuera eso.

A partir de ese momento Soda Stereo comenzó a recorrer el circuito underground de Buenos Aires haciéndose conocer, junto a otras bandas emergentes como Sumo, Los Twist, Los Encargados de Daniel Melero, etc. En esas primeras actuaciones interpretaban temas como Héroes de la Serie, La vi parada allí y Vamos a la playa, nunca grabadas, además de algunas otras que luego aparecerían en el segundo demo . En una ocasión, en el Zero Pub, Luca Prodan se sumó a Soda Stereo para cantar a dúo con Cerati un tema de The Police.

En 1983 Lalo Mir comenzó a difundir un segundo demo de la banda en su programa 9PM de Radio Del Plata, donde estaban "¿Por qué no puedo ser del jet set?", "Dietético" y "Te hacen falta vitaminas". Así comenzaron a tener un poco de notoriedad. Una noche, fueron llamados de un pub para suplir a la banda Nylon, que no iba a poder tocar. Así comenzó un período de constantes presentaciones que los condujeron al Bar Zero, lugar excluyente del under porteño, junto al Café Einstein. En el tercer show, un productor discográfico los escuchó y los llevó a grabar profesionalmente para CBS, hecho que finalmente no se concretó hasta mediados de 1984.

Para ese entonces, Soda Stereo ya se caracterizaba por ser la banda que más trabajaba sobre su imagen. Alfredo Lois (también compañero de universidad) se convirtió en el encargado de las producciones visuales y del diseño gráfico de los volantes y afiches de sus presentaciones en vivo. Fue él quien sugirió la idea de editar un video-clip antes del lanzamiento del disco, algo corriente hoy en día, pero totalmente atípico por aquella época. El tema elegido para ello fue "Dietético", que realizaron con equipos "prestados" de Cablevisión, donde Zeta Bosio trabajaba como asistente de producción, y fue transmitido por el programa Música Total de Canal 9.

Primer álbum y el Festival Chateau Rock '85

Soda StereoSoda Stereo, el primer disco, contó con la producción de Federico Moura, vocalista de Virus (banda argentina), quien se limitó a dar algunos consejos, ya que "todos los temas tenían los arreglos resueltos y pensados". Si bien el resultado obtenido fue un sonido más frío que el de las presentaciones en vivo, los músicos quedaron muy conformes y consiguieron una gran recepción por parte de la prensa.

La creciente adhesión del público se fue manifestando en su actuación en escenarios cada vez más amplios: primero La Esquina del Sol en Palermo; el Recital de Los Lagos (1 y 2 de diciembre), su primer escenario multitudinario, junto a otras bandas; y finalmente su primera actuación en el teatro Astros, del 14 de diciembre de 1984 donde el disco fue presentado oficialmente. Para la ocasión, y eligiendo como leit-motiv el tema "Sobredosis de TV", se colocaron 26 televisores prendidos y fuera de sintonía. Esto, sumado a una gran cantidad de humo, dio un inusual y atrapante efecto visual, aunque, lamentablemente, los televisores nunca volvieron a funcionar.

A comienzos de 1985 la banda cambió de agencia, dejando la de Rodríguez Ares por Ohanián Producciones, dirigida por Alberto Ohanián. El 26 de enero tocaron en el Festival Rock In Bali de Mar del Plata y el 17 de marzo en el Festival Chateau Rock '85 realizado en el Estadio Chateau Carreras de la provincia de Córdoba, ante 15 mil personas, donde fueron la revelación.

El éxito del grupo estallaba en un momento muy particular relacionado, por una parte con el retorno a la democracia en Argentina (10 de diciembre de 1983) y por el otro, con las nociones de posmodernidad y el modo en que los jóvenes de la década del 80 intentaban pensar su papel en una sociedad democrática, que salía de una cruenta dictadura y de una guerra. Años más tarde, Zeta Bosio reflexionaba de este modo sobre ese momento:

La democracia producía la adrenalina de algo nuevo, algo que estaba ocurriendo, que sabía que nos iba a modificar sin saber bien cómo. Había más aire para hacer cosas y divagar, y nosotros éramos una banda de pibes que teníamos ganas de hacer lío. Nuestra atención estaba en el punk y en tratar de mostrar que había otra cosa que era más directa.

Los días 21, 22 y 23 de junio de ese año volvieron a presentarse en el Teatro Astros de Buenos Aires, adelantando algunos temas de lo que meses más tarde sería su segundo disco de estudio, titulado "Nada personal".

El 13 de octubre de ese año se presentaron ante el gran público de Buenos Aires, en el marco de la tercera noche del Festival Rock & Pop realizado en el Estadio José Amalfitani del club Vélez Sarsfield de Capital Federal, compartiendo cartel con INXS, Nina Hagen, Charly García, Virus y Sumo, entre otros. Para ese entonces se incorporaron como invitados estables Fabián Von Quintiero en teclados y Gonzalo Palacios, alias "El Gonzo", en saxo.

Nada Personal y el primer Obras

Su segundo álbum, Nada Personal (1985), fue editado en octubre de 1985, y presentado oficialmente en el Estadio Obras Sanitarias de Buenos Aires con cuatro funciones a lleno total sumando 20.000 espectadores, realizadas el 11, 12 y 13 de abril de 1986. Durante la primer función del ciclo se filmó un video en vivo de larga duración editado pocos meses después. Bobby Flores, el conocido crítico de la Rock & Pop de Buenos Aires, terminaba de esta manera su crónica del recital:

Nos hallamos frente a la más poderosa agrupación del país... El mejor parámetro para medir esta presentación es que se me hizo corto, parecía haber durado diez minutos; y la gente se quedó con ganas de más. La salida del estadio fue un murmullo general de las canciones de Soda Stereo. La lluvia, el tráfico cortado en la Avenida Libertador por los que salían y por los que entraban, el último pancho de la noche y una saludable sensación de bienestar, no dejan lugar para las dudas existenciales. Volví a colocar mi mandíbula en su lugar, y me fui cantando bajito Estoy Azulado, entre la lluvia por Libertador.

Previo a estos conciertos el grupo realizó una gira de conciertos veraniegos por la costa de Buenos Aires, tocando en Mar del Plata, Villa Gesell y Pinamar, sumando además un concierto consagratorio en el Festival de La Falda, en Córdoba, en el que contaron con la participación de Andrés Calamaro y Charly García como invitados en teclados en el tema Jet-set.

A partir de esos conciertos, las ventas del disco comenzaron a crecer aceleradamente, pasando del disco de oro, que habían conseguido durante el verano, hasta el platino, y llegando a doblar esa cifra en los meses siguientes. Sin abandonar los ritmos "bailables", este segundo LP logró más profundidad en las letras y madurez en las melodías. El disco significó la consagración definitiva de Soda Stereo ante el público argentino.

En junio de 1986, luego de una gira nacional, el trío grabó el video del tema Cuando pase el temblor, bajo la dirección de Alfredo Lois en las ruinas del Pucará de Tilcara, en la provincia de Jujuy. El video que completó la filmación de la presentación en el Estadio Obras, fue nominado como Video finalista del 12° World Festival of Video and TV en Acapulco unos años después.

La conquista de América

En abril de 1986 el grupo salió por primera vez de Argentina para realizar un mini recital con público en la televisión chilena, en el programa Martes 13. La canción que expresó ese primer contacto fue Nada personal, que se convirtió en un exito radial, también interpretaron la bellísima Corazón delator.

A fines de 1986, realizaron la primera gira latinoamericana, por Colombia (6-7-9-18 de noviembre en Bogotá y 8 de noviembre en Medellín), Peru (14-15-16 de noviembre en Lima y 12 de noviembre en Arequipa ) y Chile, con los temas de Nada Personal, con un éxito considerable. Por entonces el rock latino tenía escasa adhesión entre los jóvenes de América Latina (con la única excepción quizás de Argentina) y las bandas de cada país no acostumbraban realizar giras internacionales. Pero fue particularmente en Chile donde fueron recibidos como ídolos populares, antes incluso que en Argentina. Realizaron cuatro recitales en Santiago (21-23-24-25 de noviembre) y uno en Valparaíso (22 de noviembre), durante la dictadura de Pinochet. Los conciertos de Santiago se realizaron en el Estadio Chile (actual Estadio Víctor Jara). La banda declaró entonces que Chile era su segundo hogar. Aquí puede verse el video de la interpretación de "Nada personal" en Santiago de Chile, en esos recitales históricos. Un testigo los recuerda así:

"Recuerdo casi como si hubiera sido ayer ese día, Noviembre 25 de 1986. En esa época los conciertos se hacían los día Viernes o Sábados. Viernes era ese día. Hacía un calor de mierda, y la fila para entrar el Estadio iba ya en cuatro cuadras. Con mi mejor pantalón Smile amasado y mis Plumas de el color de moda, me fumaba un Advance corto que compartíamos con mi primo y un compañero de curso, con pará de cancheros buscando alguna mina pa' engrupir. A las 19:00 se abrío el Estadio y empezamos a entrar. Una mina nos pidió que la dejaramos colarse que andaba con dos amigas, !!! listo tres pa' tres ¡¡¡, y nos cambiabamos cigarros. Todos teníamos galería y quedamos inmediatamente arriba del escenario. Adentro los vendedores trataban de pasar con la bandeja llena de vasos de Free, tarea casi imposible. Era el segundo de los Free Concert, el primero había sido G.I.T, pero nada se comparaba con la efervescencia que llenaba el entonces Estadio Chile. Se apagaron las luces y a las 20:30, Gustavo, Zeta y Charly, comenzaban a tocar. Creanme que fue increíble."

Cerati cuenta la historia desde su propio punto de vista:

El caso de Chile fue muy sorpresivo, porque vinimos dos o tres meses antes de tocar por primera vez, y lo que ocurrió en ese tiempo fue tremendo. Incluso antes de Viña del Mar (en febrero el 87), que fue como la explosión final. Para nosotros era muy interesante porque era la primera vez que salíamos del país. En Argentina la cosa fue mucho más progresiva, tocamos en muchos lugares y vivimos la escena under. Luego de Chile estábamos muy felices, porque queríamos la fama, vender muchos discos y creíamos que éramos el mejor grupo del mundo. En el fondo es muy raro no poder salir del hotel y toda esa locura, uno pensaba que estaba viviendo como una película de Los Beatles, y nos divertíamos.
En Perú el grupo también obtuvo un éxito sorprendente para una banda de rock:
En noviembre de 1986 Soda Stereo llegó a Perú por primera vez y revolucionó el mercado. Sus ventas fueron enormes y sus (tres) presentaciones en el Auditorio Amauta, inolvidables. Aquella vez escuché gritos, chillidos, berridos y hasta gemidos. Vi llantos, desmayos e innumerables besos volados. Histeria colectiva creo que le llaman. Fue, verdaderamente, una locura solo comparada a la de los Beatles en el Shea Stadium.
El tercer álbum, Signos (1986), fue un paso clave para la banda: de la mano con el creciente éxito obtenido, también aumentaba el riesgo de fracaso. Para la grabación del disco, al trío se le sumó el tecladista Fabián Von Quintiero, el guitarrista Richard Coleman y Celsa Mel Gowland en coros. «Signos», además fue el primer disco del rock argentino en editarse en compact disc. Fue fabricado en Holanda y distribuido en toda Latinoamérica.
Para el momento de lanzar el álbum, el público que seguía a la banda había aumentado considerablemente. Al finalizar el año '86, la banda ya había logrado una cierta presencia entre el público latinoamericano. La presentación oficial del disco se realizó en Argentina en el Estadio Obras, y fue seguida por una larga gira realizada por el interior del país y Latinoamérica con la que cosechó un éxito inesperado.
Ya dentro de la gira presentación de Signos, el 3 de diciembre se presentaron por primera vez en Ecuador (Guayaquil) y el 9 y 10 de enero de 1987 en Uruguay (Punta del Este y Montevideo).
Los días 11 y 12 de febrero de 1987, Soda Stereo volvió a presentarse en Chile, esta vez en el exigente Festival de Viña del Mar, donde ganaron el premio Antorcha de Plata y sorprendieron a los medios de comunicación por la cantidad y pasión de sus fans entre quienes se registraron 120 casos de ataques de histeria colectiva . El Festival de Viña, transmitido por televisión a muchos países latinoamericanos, expandió la fama de la banda por todo el continente que no tardó en transformarse en una masiva adhesión incondicional que dio en llamarse «sodamanía». La presentación en el Festival de Viña fue seguida por una extensa gira por Chile: Puerto Montt (17/2), Valdivia (19/2), Talcahuano (21/2), Chillán (22/2), Temuco (23/2), nuevamente en Viña del Mar (28/2) y cuatro funciones más en Santiago, en dos días (1 y 2 de marzo). En total asistieron 150.000 espectadores.
Dos meses después, el 23 de abril batió récords de público en un recital de rock en Paraguay, con su presentación en el Yacht Club. "Signos" fue disco de platino en Argentina y doble platino en Chile.
El 2 de mayo se presentaban en la discoteca Higland Road de San Nicolás, Buenos Aires, cuando sucedió un derrumbe en el que murieron cinco jóvenes mientras estaban tocando "Persiana Americana". Con una carga emocional muy fuerte tocaron en Obras el 8 y 9 de mayo, para presentar Signos. Como expresión de duelo, el grupo no utilizó la escenografía ni los juegos de iluminación que tenían preparados.
Ese mismo año, en una segunda gira por el continente, la repercusión resultó aún mayor. El grupo se presento por Perú, Bolivia, Ecuador, Chile, Colombia, Venezuela, Costa Rica y México. Realizaron 22 conciertos en 17 ciudades frente a casi 150.000 personas, abriendo así nuevos mercados hasta entonces inexplorados para el rock latino. Con el material grabado en los distintos puntos del viaje se realizó el disco en vivo Ruido Blanco (1987), que fue mezclado en la isla de Barbados.
A partir de 1988, los músicos comenzaron a trabajar en el nuevo disco, cuya producción artística estuvo a cargo de Carlos Alomar, quien acredita trabajos con David Bowie, Mick Jagger, Iggy Pop y Paul McCartney entre otros. Doble Vida (1988), grabado enteramente en Nueva York, se convirtió en el primer disco grabado íntegramente fuera del país. El corte de difusión del disco, En la ciudad de la furia, fue finalista del MTV Music Awards en la categoría de Mejor video extranjero, en una época donde MTV Latinoamérica no había nacido aún.
A más de doce meses del último recital en la Capital, Soda presentó el álbum Doble Vida en la cancha de hockey de Obras Sanitarias, ante 25.000 personas. Para coronar un gran año, cerraron el Festival Tres Días por la Democracia que se realizó en Buenos Aires, el cruce de la Avenida del Libertador y la 9 de Julio, ante 150.000 personas y junto a Spinetta, Fito Páez, Los Ratones, Man Ray y otros.
Con la cifra de un millón de discos vendidos, Soda Stereo inició una gira de presentación del disco que comprendió 30 shows en casi toda Argentina ante 270.000 espectadores durante los primeros días de 1989, que fue seguida por una nueva gira latinoamericana (la tercera) que, entre otras cosas terminó de consagrar masivamente a la banda en México. A fines de 1989 grabaron una nueva versión de "Languis" (canción incluida en Doble vida) y un tema nuevo llamado Mundo de quimeras, los que fueron editados en el maxi-simple Languis (1989) junto a versiones remixadas de En el borde y Lo que sangra (la cúpula). Luego de editado el disco, Soda realizó dos presentaciones, con entradas agotadas, en The Palace de Los Ángeles, convirtiéndose en la primer banda de rock en español en presentar un espectáculo en Estados Unidos.

La consagración: Canción animal

A principios de 1990, la banda se presentó por primera vez en Argentina en un estadio de fútbol (Estadio José Amalfitani), compartiendo cartel en igualdad de condiciones junto al dúo inglés Tears For Fears, en un show ante 32.000 personas. En dicho concierto contaron con la presencia de David Lebón, ex guitarrista de Pescado Rabioso y Serú Girán, que los acompañó en guitarra en el tema "Terapia de amor intensiva".

El éxito continental llevó a la cadena MTV News europea, a prestar atención a lo que estaba sucediendo en América Latina con el rock en español, dedicándole un programa especial al grupo.

En junio Soda Stereo viajó a Estados Unidos, para registar una nueva placa en los Estudios Criteria de Miami. Para ello contaron con el aporte conceptual de Daniel Melero, y la participación de Andrea Álvarez y Tweety González (todos importantes músicos de la escena rockera argentina del momento) en calidad de invitados.
El resultado fue el álbum Canción Animal (1990), considerado generalizadamente como uno de los mejores de la historia del rock latino . Allí se encuentra también su canción más conocida: De música ligera, además de otros clásicos de la banda como Canción animal, Un millón de años luz, Entre caníbales y Té para tres.
El nuevo álbum significó para la banda el acceso al público español, que se plasmaría en mayo del año siguiente con presentaciones en las ciudades de Sevilla, Madrid, Barcelona y Valencia.
El resultado de la gira española, comparado con el fervor que acostumbraban en Latinoamérica, les dejó un cierto sabor amargo, aunque sirvió como una sólida experiencia válida para equilibrar los elevadísimos puntos latinoamericanos que implicaban el peligro de dejarlos colgados en las alturas, lejos del contacto con lo terrestre. Dicho en pocas palabras: España no fue para nada un fracaso, pero estuvo lejos a los éxitos a los que los Soda estaban tan acostumbrados en Latinoamérica, y eso les vino bien.
La Gira Animal (1990-1991) fue una gira maratónica y nunca repetida por ningún artista. En Argentina abarcó treinta ciudades, incluyendo lugares donde nunca se había presentado una banda de la envergadura de Soda Stereo (San Juan, Santa Fe, Junín, Clorinda, Puerto Iguazú, Formosa, Corrientes, Posadas, Chascomús, Mar del Plata, Comodoro Rivadavia, Trelew, Neuquén, Santa Rosa, Trenque Lauquén, Mendoza, Córdoba, Río Cuarto, Santiago del Estero, Tucumán, Salta, Rosario, Buenos Aires, Olavarría, Pergamino). Internacionalmente: Santiago de Chile, Asunción, Punta del Este, Barquisimeto, Caracas, Valencia, Mérida, San Cristóbal, D.F., Monterrey, Guadalajara, Mexicali, Tijuana, y D.F. La Gira Animal cerró con 14 funciones en el teatro Gran Rex de Buenos Aires (con capacidad para 3.300 personas). En cada lugar, se respetó la misma infraestructura de show, que para ese momento era inédita para un artista local.
De los shows en el Gran Rex surgió el EP Rex Mix (1991) que incluía versiones en vivo grabadas en el último de esos recitales, en la noche del 9 de julio de 1991, y también versiones remixadas junto al tema nuevo "No necesito verte (para saberlo)".

El 14 de diciembre de 1991 se produjo el histórico recital de la Avenida 9 de Julio, en Buenos Aires. Soda Stereo «sorprendió y se vió sorprendido» reuniendo a doscientas cincuenta mil personas (hay quienes dicen quinientas mil) para escuchar a la banda en el marco del ciclo de recitales gratuitos realizados por la Municipalidad de Buenos Aires llamados "Mi Buenos Aires Querido II", aún cuando fue televisado en directo. Se trata de la mayor reunión de personas de la historia argentina para escuchar música, relegando al segundo lugar a Luciano Pavarotti que reunió a doscientas mil personas ese año en ese mismo lugar.
La gente bailó enloquecida cada tema y los músicos fueron captados por una sensación de haber llegado a lo máximo, de que ya no quedaba nada por conquistar. «Aquello de la 9 de Julio fue una energía muy fuerte», suele recordar Bosio, «y gracias a Dios nos pasó en nuestra ciudad. Creo que fue una suma de factores lo que nos llevó a sentir que ya no quedaba nada por conquistar...»
Tras ese furor sobrevino un período de dispersión. Cerati explicaba por entonces:
Es muy difícil encontrar objetivos claros después de semejante recepción. Estar parado ante tanta gente que corea tu nombre es una experiencia muy fuerte. Ahora hay que empezar de nuevo desde abajo.
En ese momento Cerati comenzó, paralelamente a su trabajo con Soda, la producción de un álbum en conjunto con Daniel Melero, Colores Santos, el cual contó con aportes de músicos invitados como Flavio Etcheto y Carola Bony.
La experimentación: Dynamo
A partir de este momento, los miembros de Soda tomaron conciencia de que se encontraban en el centro de la escena, por lo que decidieron hacerse a un lado y darle lugar a la experimentación musical, dándole inicio a la era "sónica" en Argentina.
A fines de 1992 Soda Stereo lanzó su noveno álbum: Dynamo. Grabado en septiembre en el estudio Supersónico, fue presentado con seis recitales realizados en el Estadio Obras a fines de ese mismo año. Soda Stereo quiso que cada show contara con una banda distinta como invitados y así estuvieron de soporte bandas como Babasónicos, Juana La Loca, Martes Menta y Tía Newton, las cuales protagonizaban el nuevo escenario musical llamado “nuevo rock argentino”.
Luego viene Dynamo (1992) que consistió en tomar Canción Animal y destruirlo. Es como si a Canción Animal lo hubiéramos metido dentro del agua. Y, a nivel sonoro, quisimos producir eso, las canciones tenían más que ver con algo hipnótico. La idea era remixarlo, mezclarlo con algo más dance e incluir algo más trance en nuestra música. Sé que quienes adoptaron ese disco lo quieren y a mí me pasa lo mismo. (Gustavo Cerati)
Dynamo no vendió como se esperaba, en gran medida porque el grupo decidió cambiar de compañía discográfica inmediatamente después de grabado. Sony entonces, no tenía intenciones de apoyar un grupo que emigraba y BMG no podía promocionar un producto de otra empresa.
En noviembre de 1992, los Soda fueron protagonistas de un hecho inédito en la Argentina: la transmisión de TV en stereo. Los tres músicos más Tweety González (teclados) y Flavio Etcheto (trompeta) tocaron casi todo el álbum en el programa «Fax», de Nicolás Repetto, por el Canal 13 de Buenos Aires. Con una puesta de luces y un sonido impecables, Cerati cantó sobre pistas previamente grabadas de las canciones y reforzaron en vivo guitarras, bajo y batería. (Aquí puede verse esa transmisión)
En enero de 1993 emprendieron su sexta gira latinoamericana, visitando México, Paraguay y Venezuela. Una vez finalizado el “Dynamo Tour”, el trío se tomó un largo descanso que hizo crecer los rumores de separación de la banda.
1994 fue el peor año de Soda. El 4 de julio en un absurdo accidente de tránsito murió Tobías, el pequeño hijo de Zeta, hecho que lo afectaría profundamente, personal y profesionalmente. Por decisión unánime, tomaron distancia del mito y evaluaron la posibilidad de separarse definitivamente. Gustavo encaró su primer proyecto enteramente solista "Amor Amarillo"; Zeta se dedicó a la producción de otras bandas (Peligrosos Gorriones, Aguirre) y Charly desapareció del ambiente musical para dedicarse a proyectos personales. A finales de año se editó Zona de Promesas (1994), un compilado de remixes de clásicos temas de la banda, y la inclusión de una canción inédita que dió título al álbum.

En 1995, luego de tres años de silencio discográfico, el trío volvió con Sueño Stereo, su undécimo álbum. Lanzado el 29 de junio, velozmente se transformó en disco de platino con el éxito del tema "Zoom" y el videoclip del tema "Ella usó mi cabeza como un revólver" elegido por la MTV como Video de la Gente (latino) en 1996, máximo reconocimiento continental del rock latino, antes de que se establecieran los Premios MTV Latinoamérica en 2002.

Sueño Stereo necesitó dos años y medio para concebirse. Sería ilógico decir que este álbum es la obra maestra de Soda Stereo, pero era lo más real del grupo en ese momento, porque estábamos despojados de la necesidad de tener un futuro de grupo, o de ser el mejor durante otros diez años. Ya habíamos pasado por muchas cosas y el grupo se sentía a sí mismo como clásico. Por otro lado estábamos muy orgullosos de lo que había promovido Dynamo y su lectura posterior. Entonces, Sueño Stereo tenía la presión del no presionarnos. El grupo era un proyecto que tenía que dar algo importante, no podía ser un disquito. Además, era volver a encontrarnos después de un tiempo y dejar que la música fluyera, sin pensar demasiado en que teníamos que dar un paso o algo así. Al final, Sueño Stereo es una de los discos más innovadores dentro de nuestra carrera, sin habérselo propuesto. Por su combinación sonora, por sus letras, por su sonoridad.(Gustavo Cerati)
El álbum fue el eje de la extensa Gira Sueño Stereo, iniciada el 8 de septiembre en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, recorriendo Venezuela, Colombia, Perú, México y Estados Unidos (Los Angeles, Chicago, Nueva York y Miami), y cerrándola el 24 de abril de 1996 en el Teatro Teletón de Santiago de Chile. También realizaron un recital gratuito para el festejo del 113° aniversario de la ciudad de La Plata (capital de la provincia de Buenos Aires) ante 200.000 personas, con Julio y Marcelo Moura (ex Virus) como invitados.
Buscamos formas de volver a ensamblarnos, porque estábamos fuera del training y del vértigo que teníamos... yo creo que a nosotros nos pasó como a esas parejas que tuvieron una pasión muy grande y que después queda solo el sexo.

A mediados de 1996 fueron invitados por la cadena MTV para sus famosas sesiones «unplugged» (desenchufadas), en Miami. Luego de rechazar la invitación varias veces, Soda Stereo, logró que la cadena aceptara su propuesta de tocar con sus instrumentos eléctricos «enchufados», pero reorquestando y modificando las versiones clásicas, para hacerlas más lentas y musicalmente más complejas, agregando también una voz femenina (Andrea Echeverri), en una notable interpretación de "En la ciudad de la furia". Esta presentación fue registrada en la placa Comfort y Música Para Volar (1996). El álbum incluyó además cuatro temas nuevos que habían quedado fuera de Sueño Stereo y un track interactivo con historietas e imágenes en video de la presentación en MTV. Este disco constituyó la última producción discográfica realizada como banda.
El 30 de octubre Soda Stereo fue la primera banda latinoamericana en realizar un concierto para ser transmitido por Internet, en el programa "¿Cuál es?", conducido por Mario Pergolini en la radio argentina Rock & Pop, desde el auditorio de la tienda de instrumentos musicales Promúsica en Buenos Aires. [35] .
El final
Un largo silencio antecedió a la despedida final. El 1 de mayo de 1997, la banda anunció oficialmente su separación mediante un comunicado de prensa. Al día siguiente, todos los diarios se hicieron eco de la noticia y el diario Clarín dedicó un gran espacio en su portada para ello.
Gustavo publicó luego en el suplemento «Sí» (juvenil) del diario Clarín lo que sería “La carta del adiós”:
Estas líneas surgen de lo que he percibido estos días en la calle, en los fans que se me acercan, en la gente que me rodea, y en mi propia experiencia personal. Comparto la tristeza que genera en muchos la noticia de nuestra separación. Yo mismo estoy sumergido en ese estado porque pocas cosas han sido tan importantes en mi vida como Soda Stereo. Cualquiera sabe que es imposible llevar una banda sin cierto nivel de conflicto. Es un frágil equilibrio en la pugna de ideas que muy pocos consiguen mantener por quince años, como nosotros orgullosamente hicimos. Pero, últimamente, diferentes desentendimientos personales y musicales comenzaron a comprometer ese equilibrio. Ahí mismo se generan excusas para no enfrentarnos, excusas finalmente para un futuro grupal en que ya no creíamos como lo hacíamos en el pasado. Cortar por lo sano es, valga la red, hacer valer nuestra salud mental por sobre todo y también el respeto hacia todos nuestros fans que nos siguieron por tanto tiempo. Un fuerte abrazo.
La banda encaró la última gira, que pasó por México, Venezuela y Chile antes de cerrar con un único show el 20 de septiembre en el estadio de River Plate, que finalizó con la interpretación del tema De música ligera y el famoso saludo en el que Cerati dice "¡No solamente no hubieramos sido nada sin ustedes, sino con toda la gente que estuvo a nuestro alrededor, algunos siguen hasta hoy. Gracias totales!". Durante el tour se grabaron versiones en vivo, que fueron editadas en dos CDs separados, bajo el nombre de El Último Concierto "A" y "B".
Post-Soda
A pesar de los constantes rumores de reunión, los cuales irónicamente comenzaron al poco tiempo de la separación, pocas noticias hubo sobre Soda, salvo un especial para TV de “El último concierto” producido por la cadena HBO y un documental llamado “Soda Stereo: La Leyenda”, producido por MTV. Finalmente, en el año 2002 se volvió a ver al trío reunido en los premios MTV Latinoamérica para recibir el premio Legend por su trayectoria musical.
A 7 años de la separación era muy raro el hecho que no existiesen lanzamientos oficiales, por lo que a finales del 2003 se anunció que Sony Music lanzaría el primer DVD de Soda Stereo y que contendría mucho material inédito, proporcionado por Gustavo, Zeta y Charly, además de personas muy allegadas a la banda. Estaba claro desde un principio que la producción sería por parte de Sony y la productora Cuatro Cabezas (con Mario Pergolini al frente).
El resultado salió a la calle en Noviembre de 2004 y fue titulado "Soda Stereo: Una parte de la Euforia (1983-1997)". Un documental que resumía la historia de (quizás) la banda de pop/rock más importante de Latinoamérica, mediante imágenes de conciertos, backstage, entrevistas, ensayos, pruebas de sonido, presentaciones en TV, etc.
El 20 de septiembre de 2005, se editó en Argentina un DVD con el Concierto de diera Soda Stereo exactamente ocho años antes en el Estadio de River Plate de Buenos Aires, marcando el final de la banda. El DVD, a diferencia del especial que produjo, HBO estaba centrado en el concierto de Buenos Aires en audio 5.1 e incluía dos temas que habían quedado afuera anteriormente: "En remolinos", "Corazón delator", "Sueles dejarme solo" y "No necesito verte". Además, incluyó una opción multi-cámara para una sesión de ensayo de "Primavera 0" y un documental (25 min.) de la gira de despedida con imágenes de los conciertos y pruebas de sonido de México, Venezuela, y Argentina. También se incluyó una entrevista al desaparecido Alfredo Lois.

Soda Stereo "Sobredosis de Tv" (Vivo)

Soda Stereo "Persiana Americana"(ajustar el Volumen dado que se escucha
demasiado despacio)(Viña del Mar 1987)

Soda Stereo "Persiana Americana"(gira "Signos").

Soda Stereo "Signos" (Viña del Mar 1987)

Soda Stereo "Te hacen Falta (Vitaminas)"(Viña del Mar 1987)

Soda Stereo "Jet Set" (Viña del Mar ,1987)

Soda Stereo "Si no fuera por" (Viña del Mar,1987)

Soda Stereo "Danza Rota" (Viña del Mar ,1987)

Soda Stereo "Juegos de Seducción" (Viña del Mar ,1987)

Soda Stereo "Estoy Azulado "(Viña del Mar,1987)

Soda Stereo "Profugos" (Viña del Mar ,1987)

Rock Latino -Luca Prodan y Sumo

2007-11-12T08:14:00.000-08:00

Luca Prodan

Primeros años

Luca George Prodan (Roma, Italia, 17 de mayo de 1953 - Buenos Aires, Argentina, 21 de diciembre de 1987) fue un musico Italo-Escocés que se radicó en Argentina. Se crió en Escocia (acudió al Gordonstoun College), el mismo colegio al que asistía el Príncipe Carlos de Inglaterra, a quien golpeó en público causando un incidente escandaloso para los directores de la institución. Se escapó de Gordonstoun College, siendo buscado por la Interpol, por petición de su familia al enterarse. Estuvo viajando por Europa, hasta que una mañana su madre lo encontro en una esquina de Roma.

Prodan tenía una vocación particular por la música, fue en Inglaterra donde formó su primera banda: "New Clear Heads". Luca fue espectador del rock sinfónico de Pink Floyd,Van der Graff Generator, P.F.M., del punk emergente de Sex Pistols,Wire, Joy Division y The Clash y del apogeo de Bob Marley y su reggae.

En Londres había tocado la guitarra en diversos pubs de los suburbios, había asistido a infinidad de recitales de todo tipo, deslumbrándose principalmente con el reggae y el punk, había aprendido diversos oficios y llegó a trabajar de empleado en la compañía Virgin.

En Argentina

En Londres entre fines de los años 1970 y principio de los años 1980, Luca tuvo un problema grave de adicción a la heroína que lo llevo a estar internado por un periodo en estado gravísimo y con pocas perspectivas de sobrevivir.

Cuenta Luca en varios reportajes, que viajó a Argentina siguiendo una imagen que lo había atrapado. Recibió una carta de un amigo argentino de origen inglés, Timmy McKern (con quien compartió años escolares en Escocia) en la que había una foto de la familia de McKern en las Sierras de Provincia de Córdoba

Inicios y fama de Sumo

Prodan trabó amistad con el cuñado de Mc. Kern: Germán Daffunchio y con un vecino de éste, Alejandro Sokol (ambos vivían en Hurlingham). Juntos comenzaron a hacer temas, que serían los primeros de la banda que se llamaría Sumo, temas como Night & Day y Regtest, entre otros.

Luca con Sokol al bajo, Daffunchio a la guitarra y Stephanie Nuttal (una amiga inglesa e integrante de Manicured Noise, banda de culto de Manchester) a la batería dieron el primer concierto de Sumo en una discoteca de El Palomar (Oeste de la Provincia de Buenos Aires) llamada Caroline's Pub. Sumo brindaba espectáculos muy adrenalínicos con temas cantados en inglés. Tuvieron serios problemas en épocas de la guerra de Malvinas en las cuales todo lo relacionado al inglés no era bienvenido. Esto provocó el retorno de Nuttal a su país natal por pedido de sus padres.

A todo esto, Sumo estableció su base en Hurlingham en la casa de la madre de Timmy. La segunda formación de Sumo fue: Prodan (voz), Daffunchio (guitarra), Sokol (batería) y Diego Arnedo, un vecino (bajo). Más tarde se unió Roberto Petinatto como saxofonista (hasta ese entonces era un periodista de la revista El Expreso Imaginario). En 1984, Sokol dejó la banda y se sumaron Alberto Troglio en batería y Ricardo Mollo (amigo de Arnedo) en guitarra. La formación definitiva fue la de estos dos más Prodan, Daffunchio, Arnedo y Petinatto, que perduró hasta la disolución del grupo.

Por estos años, Sumo solía dividirse en dos para poder recaudar más dinero, así se formaba la Hurlingham Reggae Band, y (a veces) 'Sumíto' con solo Luca y Diego Arnedo en contrabajo. Ambos grupos daban varios recitales por fin de semana, incluido el templo underground de los años 1980 llamado Café Einstein (propiedad de Omar Chabán).
Luca Prodan, líder de Sumo
Luca Prodan, líder de Sumo

En el año 1985 la banda saca su primer disco "oficial" (anteriormente habían sacado "Corpiños en la madrugada" en forma de cassette y con distribución limitada), "Divididos por la Felicidad" (un juego sobre el nombre de la banda inglesa Joy Division, banda entrefavoritas de Luca Prodan). Disco en el que plasman mucho reggae con influencias de Bob Marley y también del funk y postpunk (influencia clara de Joy Division). El hit del disco fue "La rubia tarada".

En 1986 grabaron "Llegando los monos", segundo disco en el que hay reggae, rock agresivo y postpunk. Hay temas que fueron himnos como "Estallando desde el océano", "El ojo blindado" o "Nextweek". El hit del disco fue "Los viejos vinagres". En ese mismo año, dieron un concierto épico en Obras Sanitarias, donde se consagraron como una de las bandas más convocantes del rock argentino.

En el año 1987 sacaron su tercer y último disco: "After Chabón" disco en el que se muestra una notable madurez en materia musical y lírica: tal es el caso particular de "Mañana en el Abasto" donde Prodan da una particular y emotiva descripción de un barrio típico de la Capital Federal. Esta canción fue elegida en una encuesta realizada por la página www.rock.com.ar, como la mejor canción del rock argentino.

El adiós

El último recital fue en la cancha de Los Andes un 21 de diciembre de 1987. A este concierto no acudió mucha gente, solo 500 personas, según el cantante de "Los violadores" "Luca estaba muy flaco y pálido" dijo. Al día siguiente Luca Prodan amaneció muerto en su casa de San Telmo. Los médicos dijeron que fue a causa de una cirrosis hepática (Luca bebía una o más botellas de ginebra al día). Aún quedan dudas, y entre otras versiones se habla de un ataque al corazón. Años después la figura del "pelado" se erigió como uno de los grandes mitos de la música argentina y es venerado por muchos jóvenes en la actualidad. Sumo fue una banda que decoró la década de 1980 con originalidad, carisma, presencia y mucha potencia.

Discografía

Etapa solista.

- Perdedores hermosos (editado en 1996)*
- Time, Fate, Love (editado en 1997)*
* :Discos recopilatorios,de material que había permanecido inédito,creado por Lucas
junto a algunos miembros de lo que sería "Sumo" entre 1980 y 1983.

Con Sumo

* Corpiños en la Madrugada (1983) [demo]
* Divididos por la Felicidad (1985)
* Llegando los Monos (1986)
* After Chabón (1987)
* Fiebre (1989) [disco editado luego de la muerte de Luca]

Sumo "Los Viejos Vinagres"

Sumo "Cambalache"

Sumo -"No tan distintos".

Sumo -"Next Week"

Sumo "Estallando desde el oceano"

Rock Latino -Virus

2007-11-10T12:37:00.000-08:00

Información general

Origen :La Plata, Buenos Aires, Argentina

Estilo(s) :New Wave, Pop rock, Synth-Pop, Blues rock

Tiempo :1981 - presente

Discográfica(s) :Sony, CBS, Columbia, RCA

Miembros :Julio Moura,Marcelo Moura,Enrique Muggeti

Daniel Sbarra,Aitor Graña,Patricio Fontana

Otros miembros : Federico Moura (fallecido)Mario SerraRicardo SerraRicardo Sbarra

Virus es una banda argentina fundamental de New Wave de los años '80, liderada por Federico Moura hasta su muerte, en diciembre del 1988 a causa del VIH. Su hermano Marcelo tomó entonces el rol de vocalista principal y la banda continuó funcionando hasta fines de 1989.

Sus letras irónicas y divertidas escritas por Roberto Jacoby desde sus comienzos en las que con juegos de palabras se criticaba al rock nacional, se invitaba a sentir y divertirse, a dejar de pensar y hacer, sus composiciones con arreglos complejos, melodías pegadizas, la elogiada voz de Federico Moura y su carisma que lo consagró como talentoso frontman.

Virus lideró el pop en la Argentina, una combinación de pop y el synth-pop, bastante distantes del rock nacional y lograron acaparar tanto elogios como críticas de los medios masivos. Sus críticos los tildaron de "escandalosos", por la transgresión impuesta por el grupo, como en las letras en referencia al sexo.

Además estuvieron ligados a Soda Stereo, grupo destacado de pop que fueron influidos por Virus y debutaron como teloneros de ellos. Federico Moura produjo el primer disco de Soda Stereo.

Luego de la muerte del vocalista Federico Moura en 1988, los miembros restantes del grupo junto con Soda Stereo lo despidieron tocando Wadu-Wadu en La Casona de Lanús, uno de sus viejos éxitos.

En marzo de 1994, la banda volvió a juntarse para retomar sus actividades, continuando hasta el día de hoy sin recuperar su popularidad previa.

Algunos de sus temas más conocidos son Wadu Wadu, El rock en mi forma de ser, Hay que salir del agujero interior, Una luna de miel en la mano y Amor descartable.

Recientemente editaron Caja Negra, un registro en vivo de 2006 con colaboraciones de artistas influidos por la banda, como Ale Sergi (Miranda!), Adrián Dárgelos (Babasónicos), Pity Álvarez (Intoxicados) y Ciro Pertusi (Attaque 77). Todo esto sumado a cinco nuevos temas de estudio.

Historia

Prehistoria Virus es la máxima expresión de la modernidad en el rock Argentino. Esta banda platense, que en muchos aspectos lideró el panorama local de la década, despuntó en 1981 con una actitud muy frontal en un momento de acartonamiento generalizado. Sobre el escenario se ponía en funcionamiento un juego de seducción que atraía o alejaba, sin término medio. Desde el comienzo, Virus resultó tan emblemático como Luca Prodan, de Sumo, o Soda Stereo. «Quizás nada retrate mejor a los Moura que su destiempo. Fueron irónicos cuando reinaba la solemnidad en el rock argentino. Fueron románticos cuando reinaba el desencato dark. Grabaron su primer disco cuando su líder tenía 30 años, la misma edad en la que Charly disolvía Serú Girán» (Eduardo Berti en Riera / Sánchez, pág 11/12).

Virus nació de la fusión de Marabunta con Los Violetas, dos bandas de City Bell (localidad de La Plata) en las cuales tocaban los hermanos Moura. En un primer momento se llamaban "Duro" y la cantante era Laura Gallegos, que terminó siendo invitada a participar de los coros del primer álbum. Cuando Federico ocupa el lugar de la vocalista (11 de enero de 1981) ya se rebautizan Virus.

Virus en 1982Ya en la primera presentación masiva (Ezeiza, 21/09/81), Federico Moura desplegó su habitual provocación y, mientras jugueteaba con las naranjas que el público le arrojaba, les arengó: "a ver si levantan esos culos y bailan un poquito". Hacía dos años que ensayaban todos los días y tocaban en pequeños pubs. Una semana después de Ezeiza, entraban a grabar en la CBS.

"Wadu-Wadu" (1981), el primer LP, contiene 15 temas, con una duración promedio de 2'30 cada uno. En una época en la cual el Rock se ocupaba de temas sociales y "serios", fueron acusados de frívolos, por la música bailable con letras irónicas. «Hay quienes piensan que las letras de ustedes no están hechas para pensar...», sugiere el periodista. «Pero no es tan complicado, nuestras letars son simples. El que no las pesca es porque no piensa», responde Federico (Revista Twist y Gritos, 1982).

"Soy moderno, no fumo" y "Wadu wadu" fueron elegidos como cortes de difusión, que lograron tal propósito gracias a Lalo Mir, que conducía "9PM" por Radio del Plata y Alejandro Pont Lezica, de Rividavia.

En la presentación del disco (18/12/81 en el teatro Astral) debutó como músico el periodista Roberto Pettinato, que por entonces dirigía la revista El Expreso Imaginario y que también apoyaba bastante a Virus.

La imagen ambigua del grupo motivaba reacciones adversas de parte del público y comentarios prejuiciosos de la prensa. Al respecto, Marcelo Moura explica: «Federico era homosexual, entonces naturalmente su estética era así. No es que quisiese promover o valorizar eso, simplemente actuaba como era. Y como Federico era el cantante, el que hacía las notas y el que más aparecía en televisión, era la imagen que representaba al grupo» (D.Riera / F.Sánchez, pág 70).

Federico y Jacoby se ocuparon del vestuario y de la puesta en escena de los shows que realizaron durante la Guerra de Malvinas. Al comenzar, un ciego sintonizaba una radio a galena que colgaba de su cuello y de fondo se escuchaba "Entra en movimiento". Luego el grupo entero subía al escenario disfrazado de anciano, mientras en una pantalla se proyectaban imágenes de una manifestación en la Plaza de Mayo, con el tema "Todo este tiempo perdido".

Para ese entonces, el Poder Ejecutivo convocó a los productores más importantes para que organizaran el Festival de la Solidaridad Latinoamericana. La fecha elegida fue el 16 de mayo de 1982 y se hicieron presentes todos los músicos importantes: Charly, Spinetta, Gieco, Porchetto, Litto Nebbia... A Virus también les llegó la invitación, pero fue inmediatamente rechazada. Para la ocasión, compusieron el tema "El banquete", que incluyeron en "Recrudece" (1982), el segundo disco.

Inicio de la masividad "Agujero Interior" fue el primer disco masivo de Virus. Con la producción artística de Danny y Michel Peyronel, salió a la venta en diciembre de 1983, juntamente con la asunción de Raúl Alfonsín y el final de la dictadura militar. Ese año Los Twist lograron editar su primer trabajo, "La dicha en movimiento" que, en parte, compartía la ironía de los Virus, aunque en un estilo pop-rock más "divertido". Este trabajo sería editado en CD recién en 1995.

Por entonces, varios sectores de la sociedad declararon estar "avergonzados y escandalizados" por estos músicos. «La situación me parece muy buena - comenta Federico - Creo que alguien cuestiona un hecho cuando realmente le molesta. (...) Y me parece muy bien, porque estás golpeando puertas. No estás planeando golpearlas, las estás golpeando y le estás creando preguntas a alguien. Estamos movilizando, estamos tocando estímulos más fuertes, y por eso la gente se adhiere o te rechaza, pero siempre con fuerza» (G.Guerrero, pág 57).

A mediados de 1984 se separa de la banda Ricardo Serra, por diferencias musicales. Su reemplazante fue Daniel Sbarra.

En un estilo pop más tecno, grabaron el siguiente trabajo, "Relax" (1984), con muchos más teclados y sintetizadores, en parte para suplir el espacio del guirtarrista alejado. Se utilizó una tecnología novedosa para la época, como las baterías electrónicas y los Midis para utilizar bases secuenciadas. "Desesperado secuencia uno", "Me puedo programar" y "Amor descartable" son los ejemplos más salientes.

"Locura" (1985) se grabó en Nueva York y vendió más de 200.000 copias (hasta ese momento, el disco más exitoso había sido "Relax", con 40.000). Es el disco preferido de Federico y el más sexual de todos. "Una luna de miel en la mano" es un homenaje a la masturbación; "Sin disfraz" trata sobre un taxi-boy; "Pronta entrega" es una valorización de las relaciones sexuales...

Como consagración de una extensa y exitosa gira por todo el interior, Virus graba "En Vivo" en el Estadio Obras, los días 15, 16 y 17 de mayo de 1986. Para la ocasión prepararon versiones nuevas de todos los temas, ya que la crítica coincidía en calificarlos de "muy profesionales, pero un poco fríos". Si a esto se le sumaba el hecho de ser una recopilación, el disco redundaría en una repetición de los éxitos anteriores. Continuaron luego con una gira por latinoamérica, que los llevó a Perú (70.000 personas en 3 shows) y a Chile (20.000 espectadores en 3 presentaciones).

Una noticia shockeante "Superficies de placer" fue grabado en Río de Janeiro, entre abril y mayo del '87. Este es un álbum más individualista: los temas eran compuestos sin la intervención del resto del grupo, como ocurría antes. La grabación se dificultó por una intensa neumonía de Federico, que lo tuvo 15 días en cama, casi sin poder comer. El tercer médico que lo atendió le recomendó realizarse el test del HIV, una enfermedad de la cual todavía se desconocía casi todo. Dio positivo.

«Nos shockeó, fue como una patada al hígado. - recuerda Marcelo - Se armó como una onda de desazón general. Lo que había sido un plan antiestrés (grabar en Brasil), terminó siendo lo más estresante del mundo. Terminamos el disco a las patadas; todos los valores se cambiaron de un día para el otro» (D.Riera / F.Sánchez, pág 163).

A casi 9 meses del último show en Buenos Aires, Virus presentó el nuevo material en dos recitales en el Teatro Opera. Era un período en el cual nadie tenía ánimos para seguir, con excepción del propio Federico: cuando ninguno sabía si podría aguantar el trajín de los ensayos y los shows, Federico insistió para que se realizara.

"Tierra del fuego" (1989) es el primer LP sin su participación. Federico concurrió al estudio los dos primeros días, pero no pudo continuar. Había participado en únicamente dos temas: "Un amor inhabitado" y "Lanzo y escucho". La banda quiso abandonar la grabación. Federico ordenó que continuaran y le pidió a Marcelo que ocupara su lugar.

La muerte de un emblema Federico Moura murió de Sida el 21 de diciembre de 1988. A un año de la muerte de Luca Prodan y a nueve meses de la de Miguel Abuelo, se cerraba así la década de los '80, musicalmente hablando.

«En honor a la estética personal que siempre caracterizó a Federico, algunos periodistas que sabíamos hace tres o cuatro meses que estaba condenado a muerte, nos organizamos en una conspiración de silencio, y quizás también de esperanza en un milagro de esos que rara vez se producen. No fue casual que la mayoría de los integrantes de esa conspiración perteneciéramos a la misma generación de Jorge y Federico. Nos unió la solidaridad hacia alguien que respetamos profundamente y la conciencia de que, según parece, serán muy pocos los de nuestra generación que logren morirse de viejo» (Gabriela Borgna en Página/12, 22/12/88).

La presentación oficial de "Tierra del Fuego" fue, en realidad, un homenaje a Federico. Luis Alberto Spinetta, Charly García, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Patricia Sosa y Fito Páez son algunos de los músicos que, espontáneamente, concurrieron al show y cantaron como invitados.

Luego de mucho ensayar con la nueva formación, Virus salió de gira por todo el país (en la campaña presidencial del candidato radical Eduardo Angeloz) y luego por el exterior. Sin embargo, ya no existía la disciplina interna y no había forma de restablecer las rutinas de ensayos y composición. Daniel Sbarra y Enrique Mugetti ya habían tomado la decisión de alejarse de la banda, aunque ofrecieron seguir tocando hasta que les enconrtraran reemplazantes. Disolvieron el contrato con la discográfica y realizaron algunos shows en forma independiente, pero sin éxito. El recital despedida fue el 29 de septiembre en el estadio de River, como teloneros de David Bowie y Bryan Adams.

El resurgimiento En marzo de 1994 se juntaron para la nostalgia, en un pub de Lanús. Volvieron a los escenarios para el 112º aniversario de la ciudad que los vio nacer: La Plata. Alrededor de 120.000 personas los aclamaron como en sus mejores épocas. «No nos gusta de hablar de regreso -comentó Marcelo- porque de hecho siempre seguimos en actividad, aunque sea en proyectos paralelos, y nunca estuvimos alejados definitivamente». En diciembre del año siguiente se presentaron en la discoteca The Roxy, «sin intenciones de editar un nuevo disco, sin giras que promocionar ni nada, solamente por el gusto de tocar» (Télam, 09/10/95). Por "cuestiones internas", Mario Serra no participó del reencuentro y fue reemplazado por Aitor Graña, el baterista de Juana La Loca.

Marcelo Moura encabezó un nuevo renacimiento de esta banda, acompañado en esta oportunidad por Julio Moura y Daniel Sbarra en guitarras, Enrique Muguetti en bajo, Aitor Graña en batería y Patricio Fontana en teclados. El disco se llamó "Nueve" y tuvo un anticipo con el tema "América fatal" y una versión dance de "Amor descartable".

Como festejo de su 25º aniversario, Virus realizó en el 2004 una serie de recitales en el Teatro ND Ateneo. Cada noche, la banda presentó un repertorio distinto: "Virus es canción" (con clásicos unplugged y adelantos de su próximo CD); "Virus es pop" y "Virus es rock". "Es un delirio, porque tocamos setenta temas en tres días. Pero ese tipo de desafíos siempre nos moviliza. No nos gusta mirar atrás, queremos estar siempre en movimiento", comentó Julio Moura. La formación de la banda para la ocasión era los hermanos Moura, Enrique Muggeti (bajo, guitarra y coros); Daniel Sbarra (guitarra y coros); Aitor Graña (batería y programación) y Patricio Fontana (teclados).

Virus continúa dando recitales en la actualidad

Formación inicial

Federico Moura: Voz,percusion,guitarra acústica, teclados
Julio Moura: Guitarra,Teclados y coros
Marcelo Moura: Teclados y coros
Enrique Mugetti: Bajo, guitarra acústica, teclados y coros
Mario Serra: Batería,Percusion y coros
Ricardo Serra: Guitarra y coros
A mediados de 1984, Ricardo Serra abandonó la banda principalmente por diferencias musicales. Fue reemplazado por Daniel Sbarra.

Mario Serra no fue incluido en la banda en su reencuentro de 1994 por problemas internos, lo reemplazó Aitor Graña.

Para la grabación del disco "Nueve" en 1998, se incluyó a Patricio Fontana en teclados

Formación Para El disco "Nueve"

Marcelo Moura: Voz, teclados,Percusion y accesorios
Julio Moura: Guitarra,Percusion,teclados,voz y coros
Enrique Mugetti: Bajo, guitarra acústica, teclados, Voz y coros
Daniel Sbarra: Guitarra, teclados,Coros
Aitor Graña: Batería,percusion, programación y cajon peruano
Patricio Fontana: Teclados, bajo y rodhes
Formacion Actual

Marcelo Moura: Voz,guitarra,percusion,Teclados y accesorios
Julio Moura: Guitarra,Teclados,percusion,voz y coros
Daniel Sbarra: Guitarra,Efectos,voz y coros
Ariel Naon: Bajo,Contrabajo y bajo acustico
Lulo Isod: Batería
Fernando Monteleone: Teclados

Discografía

Wadu Wadu, 1981

Soy moderno, no fumo fum
Super color
Hombre plástico
Loco Coco
Amor o acuerdo
Sorprendente
A mil
El rock es mi forma de ser
Desconecta
Cantante farsante
Todo este tiempo perdido
Wadu-Wadu
Tontos de lenta evolución
Caliente café
Densa realidad

Recrudece, 1982

El banquete
Ay qué mambo
El 146
Bandas chantas arañan la nada
Me fascina la parrilla
Reportaje sincero y anticonvencional
Entra en movimiento
Caricia azul o si no soledad carmesí
El corazón destrozado de Francisco Quevedo
Se zarpó
Cave Canem

Agujero interior, 1983

En mi garage
El probador
Hay que salir del agujero interior
¿Qué hago en Manila?
Ellos nos han separado
Juegos postergados
Buenos Aires smog
Carolina
Autocontrol
Mundo enano
Los sueños de Drácula

Relax, 1984

Sentirse bien
Me puedo programar
Completo el stock
Desesperado secuencia uno
Amor descartable
Juegos incompletos
Dame una señal
Hago más
Persuadida

Locura, 1985

Pronta entrega
Tomo lo que encuentro
Pecados para dos
Destino circular
Una luna de miel en la mano
Dicha feliz
Sin disfraz
Lugares comunes

Vivo volumen 2, 1986

El probador
Juegos incompletos
Hago más
Soy moderno, no fumo
Destino circular
Sentirse bien
Amor descartable
Carolina
Me puedo programar
Una luna de miel en la mano

Virus vivo, 1986

Pecados para dos
Dame una señal
Sin disfraz
Hay que salir del agujero interior
Wadu-Wadu
Imágenes paganas
Pronta entrega
¿Qué hago en Manila?
Persuadida
Densa realidad

Grandes éxitos, 1987

Una luna de miel en la mano
Wadu-Wadu
Amor descartable
Desesperado secuencia uno
El rock es mi forma de ser
Amor o acuerdo
Me puedo programar
Imágenes paganas
Soy moderno, no fumo
Pronta entrega
Loco Coco
Caliente café

Superficies de placer, 1987

Mirada Speed
Danza narcótica
Ausencia
Rumbos secretos
Epocalipsis
Polvos de una relación
Encuentro en el Río Musical
Amores perpetuos
Superficies de placer
Transeúnte sin identidad
Impulsos aleatorios

Tierra del Fuego, 1989

Un amor inhabilitado
Es al revés
El de moño negro
Volátil
Lanzo y escucho
Primavera animal
Muy natural
Me acerco sin saber
Salto en alto
Despedida nocturna

America fatal,1998

America fatal
Amor descartable versión techno

Nueve, 1998

Lucy
América fatal
Cuando yo desespere
No caigas bajo el sol
Cuervos
Extranjero
Mirada Speed
Hielo en el alcohol
Aitxeitxte
No soporto más
Desayuno para un rey

Obras cumbres, 2000

Tecnofón
Danza de vengalas
Soy moderno, no fumo
Desesperado secuencia uno
Loco Coco
Amor descartable
Amor o acuerdo
Juegos incompletos
El rock es mi forma de ser
Persuadida
Wadu-Wadu
Dame una señal
Caliente café
Pronta entrega
Densa realidad
Pecados para dos
Ay qué mambo
Sin disfraz
Una luna de miel en la mano
El 146
Imágenes paganas
Se zarpó
Superficies de placer
El probador
Encuentro en el Río Musical
Hay que salir del agujero interior
Un amor inhabilitado
¿Qué hago en Manila?
Lucy
Carolina
América fatal
Sentirse bien
Me puedo programar
Completo el stock
Simple,2001
Todo gira al reves
Mondo Bongo
Track interactivo

Caja negra, 2006

Tomo Lo Que Encuentro
Sin Disfraz
Pecados Para Dos
Polvos De Una Relacion
Me Puedo Programar
Destino Circular
El Probador
Pronta Entrega
No Va Mas
Una Luna De Miel En La Mano
Amor Descartable
Imagenes Paganas
Hay Que Salir Del Agujero Interior
Wadu Wadu
Vuelve Lo Que Perdi
Autores Chocaditos
Es Otra Vida
After Hours
La Cruz Del Sur
Virus "Tomo lo que encuentro"

Virus "Wadu Wadu-Vivo Estadio Nacional -Santiago de Chile"

Virus "Sin Disfraz -Free Concert Chile 1986"

Virus "Tomo lo que encuentro Chile 1986"

Virus -"Pronta Entrega"

Virus "Luna de Miel"

Virus "Imagenes Paganas"

Virus "Pecados para Dos"

Virus "Ausencia"

Virus "Densa Realidad" Free Concert-Santiago de Chile

Virus "Amor Descartable"

Virus "Destino circular"

Virus "Sentirse Bien" vivo 1985

Virus "Rumbos Secretos"

Dire Straits

2007-11-10T12:04:00.000-08:00

Dire Straits es una banda de rock británica, fundada en 1977 por Mark Knopfler (guitarra y voz), David Knopfler (guitarra), John Illsley (bajo) y Pick Withers (batería), con Ed Bicknell como director. Fue disuelta en 1995.

Biografía

Mark Knopfler, originario de Escocia, se trasladó a Londres para trabajar. Allí colaboraba para distintos periódicos y trabajaba de profesor. Mark no se lanzaba a tratar de vivir plenamente de su pasión, la música. Tras unas colaboraciones no profesionales con su amigo Steve Phillips, Mark pasó a formar parte del grupo Brewer's Droop; donde conoció al batería Pick Whiters. Tras la grabación del álbum Booze Brothers, la banda se disolvió y Pick volvió a trabajar como batería de estudio para otros músicos. Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Broop", Pick Whiters. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers"; ya que Mark pedía a gerentes de los pubs que les dejasen actuar, de forma que la música sonase de fondo, permitiendo a la gente hablar. Este hecho de interpretar su repertorio, principalmente compuesto por Mark aunque con canciones de David y versiones de otros músicos, en los pubs de Londres les unía a otras muchas bandas británicas del momento (este tipo de banda con sonido precario y de entretenimiento es lo que pasaría a denominarse pub-band). Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "malos momentos") debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días. En una etapa en que se produjo la eclosión del punk rock, ellos tenían un sonido distinto, casi rock and roll a la antigua usanza.

Dire Straits grabó y realizó su primer álbum homónimo en 1978 con poca aceptación hasta que cinco meses después se lanzó un sencillo, "Sultans of Swing", que se convertiría en uno de los himnos de la banda, gracias a este sencillo el disco se convirtió finalmente en uno de los más vendidos. El segundo álbum, "Communiqué" se lanzó poco después; estos dos primeros trabajos configuraron el sonido de la banda y en ellos se encuentran algunos de los temas más emblemáticos como el ya mencionado "Sultans of Swing", en el disco "Dire Straits" o "Once upon a time in the West" y "Portobello Belle", en "Communiqué".

Hacia una mayor complejidad El tercer álbum, "Making Movies" con la colaboración a los teclados de Roy Bittan (de la banda de Bruce Springsteen) marcó un cambio hacia unos arreglos y una producción más elaborados, tendencia que se mantendría a lo largo de la carrera de la banda. Este disco es una auténtica obra maestra y en el se incluyen temas como "Tunnel of Love" y "Romeo and Juliet", que toma el título de la obra de Shakespeare, pero sólo se parece, aunque no es poco, en que el amor en la canción de Knopfler también parece imposible, en todo caso, es una de las canciones más hermosas de la banda, también están otros grandes éxitos como "Expresso Love" y "Solid Rock". El álbum marcaría además la partida del grupo de David Knopfler que sería sustituido a mitad de la grabación por Sid McGinnis (aunque ninguno de los dos aparecerían en los créditos del álbum).

Para cubrir el hueco dejado por David, la banda contrató a Hal Lindes y además, incorporó un teclista a la formación, Alan Clark. Con el nuevo personal, el siguiente álbum fue publicado en 1982 bajo el título "Love Over Gold", con sólo cinco canciones aunque todas ellas de larga duración. Tras su grabación, el batería Pick Whiters abadonaría la banda; siendo sustituido por Terry Williams de la banda de Dave Edmunds, Rockpile. Este cambio hizo volver a sus orígenes de pub-band británica (al igual que lo era Rockpile); con un sonido mas sencillo y desenfadado, frente al rock complejo de sus últimos trabajos. El resultado fue un EP con tres canciones bailables, titulado "Extended Dance", que incluiría la conocida "Twisting By The Pool".

El siguiente disco de larga duración en salir al mercado fue el directo "Alchemy" en 1984, en el que se recogen casi todos los mejores temas de la banda y el inolvidable "Going Home" de la película "Local Hero", cuya banda sonora fue publicada como trabajo en solitario de Mark Knopfler. También firmaría en solitarío en estos años las bandas sonoras de "Comfort & Joy" y "Cal", donde conocería al teclista Guy Fletcher.

Éxito masivo Los cambios continuaron en la alineación de la banda: salió Hal Lindes y entró Jack Sonni para sustituirle. Además, la banda contrata a Guy Fletcher como un segundo teclista. En 1985 se lanza a la venta Brothers In Arms que fue un grandísimo éxito internacional, del que salieron varios singles, incluyendo el que fue número uno "Money For Nothing". En el álbum participaba también Sting entre otros. La portada de este disco con una de las guitarras de Mark Knopfler en ella, es una de las más famosas de la historia de la música contemporánea. En este disco se encuentran, además del ya mencionado "Money for Nothing", temas como "So far away", "Walk of Life" o "Brothers in Arms", canción que trata del horror de la guerra con un fondo musical que hace aun más estremecedora a la letra si cabe.

Ayudó al gran éxito de este disco, Brothers in Arms, el hecho de que fue uno de los primeros trabajos grabado digitalmente en su totalidad y que estuvo disponible en el novedoso (en aquel momento) formato Compact Disc. Esto tuvo el efecto colateral de hacerlo uno de los álbumes más vendidos entre los consumidores partidarios de esta nueva tecnología. Asimismo, el nuevo formato era un excelente escaparate para una meticulosa producción de Knopfler de sus primeros álbumes, lo que llevó a muchos seguidores a volver a comprar los anteriores trabajos. En parte como resultado de esto Dire Straits fue la banda con mayores ventas en el mundo a mediados de los años 80.

Últimos años En los siguientes seis años tuvieron un largo periodo de inactividad, donde los distintos miembros de la banda continuaron con sus trabajos en solitario. Tan sólo rompieron el silencio con la publicación del recopilatorio Money for Nothing y con la exitosa aparición en el concierto de celebración del 70 aniversario de Nelson Mandela. Su último álbum de estudio, On Every Street, se lanzó en 1991. En él participaba el personal de Brothers In Arms junto a un conjunto de músicos de estudio. El álbum fue recibido con división de opiniones y un éxito moderado. Se publicarían los directos On The Night y Live at the BBC en los años 1993 y 1995, respectivamente. La banda volvió al silencio.

Finalmente, en 1995, la banda anunció su disolución. Mark Knopfler se concentraría en proyectos en solitario y bandas sonoras para películas; muchas de ellas, en colaboración con el teclista de Dire Straits, Guy Fletcher. El bajista John Illsley, el único miembro junto a Mark Knopfler que se había mantenido desde los inicios, pasó a dedicarse por completo a la pintura. Otros antiguos miembros continuaron sus carreras musicales como David Knopfler o el batería Pick Whiters, que pasó a trabajar en bandas de jazz.

Miembros en el momento de la disolución Mark Knopfler - voz y guitarra (1977–1995)
John Illsley - bajo y coros (1977–1995)
Alan Clark - teclados (1980–1995)
Guy Fletcher - teclados y coros (1984–1995)

Antiguos miembros David Knopfler - guitarra rítmica, teclados y coros (1977–1980)
Pick Withers - batería y percusión (1977–1982)
Hal Lindes - guitarra rítmica y coros (1980–1985)
Terry Williams - batería (1982–1989)
Jack Sonni - guitarra rítmica (1985–1988)

Colaboraciones Barry Beckett - teclados (1979)
Roy Bittan - teclados (1980)
Sid McGinnis - guitarra rítmica (1980)
Ed Wash - sintetizadores (1982)
Mel Collins - saxofón (1983)
Tommy Mandel - teclados (1982–1983)
Joop de Korte - percusión (1982–1986)
Sting - voz (1985)
Omar Hakim - batería (1985)
Chris White - saxofón (1985–1995)
Eric Clapton - guitarra rítmica (1988)
Chris Whitten - batería y percusión (1991–1995)
Phil Palmer - guitarra rítmica (1991–1995)
Paul Franklin - guitarra de pedal metálico (1991–1995)
Danny Cummings - percusión (1991–1995)

Discografía
Álbumes de estudio 1978 Dire Straits #5 GB, #2 US
1979 Communiqué #5 GB, #11 US
1980 Making Movies #4 GB, #19 US
1982 Love Over Gold #1 GB, #19 US
1985 Brothers In Arms #1 GB, #1 US
1991 On Every Street #1 GB, #12 US

EPs 1983 ExtendedancEPlay #53 US
1993 Encores

Álbumes en directo 1984 Alchemy: Dire Straits Live #3 GB, #46 US
1993 On The Night
1995 Live at the BBC

Recopilatorios 1988 Money for Nothing #1 GB, #62 US
1998 Sultans of Swing: The Very Best of Dire Straits
2005 Private Investigations: The Best of Dire Straits & Mark Knopfler

"Money for Nothing"

"Brothers in Arms"

"So far away"

"Walk of life"

The Cure

2007-11-10T11:43:00.000-08:00

The Cure es una banda inglesa de rock alternativo que comenzó su carrera a finales de los setenta con la edición del LP Three Imaginary Boys, en un momento musical conocido como Post-Punk.

Es muy difícil categorizar a The Cure en un sólo estilo musical tomando en cuenta el sonido de la banda a lo largo de su dilatada carrera, ya que en algunos trabajos se puede escuchar un sonido claramente gótico y oscuro , mientras que en otros se pueden encontrar melodías new wave, pop y ciertos toques de electrónica.

No obstante, la apariencia estética “dark” característica del líder de la banda, Robert Smith, frecuentemente vestido con ropa negra y mostrando un rostro pálido y un lápiz de labios borroneado en la boca, sumado a letras que con frecuencia son introspectivas y tenebrosas, han hecho que la banda sea asociada generalmente con el rock gótico. Smith rechaza esta categorización y se niega a enmarcar a la banda dentro de un único género: "Es tan triste que a the Cure se le siga llamando gótico [...] No somos categorizables. Supongo que eramos Post-Punk cuando salimos, pero globalmente es imposible categorizarnos. [...] Yo toco música de the Cure, sea lo que sea que esto signifique." [1] .

Entre el año de su formación (1976) y (2004), the Cure había logrado vender alrededor de 27 millones de discos en todo el mundo.[2] .

Hasta 2007, The Cure ha editado 12 álbumes de estudio, treinta singles y numerosos recopilatorios y reediciones. El decimotercer álbum de la banda, previsto para 2008, está actualmente en fase de desarrollo.

Historia
Experiencias previas: de The Obelisk a Easy Cure La primera banda antecesora de The Cure se llamó The Obelisk, banda formada en 1973, en el Notre Dame Middle School en Crawley, Sussex, y compuesta por Robert Smith (piano), Michael Dempsey (guitarra), Lol Tolhurst (batería), Marc Ceccagno (guitarra solista) y Alan Hill (bajo). Tres años más tarde, en enero de 1976, Marc Ceccagno formaba una nueva banda, Malice junto a Robert Smith (ya a la guitarra) y Michael Dempsey (cambiando al bajo) y otros dos estudiantes del St. Wilfrid's Catholic Comprehensive School. Ceccagno dejó pronto el grupo, para formar una banda de fusión Jazz-Rock llamada Amulet. Los miembros restantes de Malice, Smith y Dempsey cambiaron su nombre por Easy Cure en enero de 1977. En este momento, la influencia del omnipresente punk rock se comenzaba a hacer patente en el estilo musical del grupo. La entrada de Lol Tolhurst como baterista, y el fichaje de Porl Thompson a la guitarra solista terminaron de configurar el primer plantel de Easy Cure. La banda probó durante estos meses a distintos vocalistas sin tener mucho éxito, hasta que Smith asumió finalmente el papel de vocalista y de líder del grupo en septiembre de 1977.

Ese mismo año de 1977, Easy Cure ganaba una competición de talentos con el sello alemán Hansa Records, recibiendo como premio un contrato de grabación. El resultado de esta colaboración fueron algunas canciones de Easy Cure que nunca han sido editadas. En marzo de 1978, tras desencuentros con el sello acerca de la dirección que el grupo debía tomar, Easy Cure decidía romper su contrato con Hansa. Según Smith, el sello quería convertirlos en una banda para adolescentes, realizando versiones de otros grupos, lo que iba en contra del espíritu de la banda.

Inicios de The Cure En mayo de ese mismo año, Thompson dejaba la banda. El trio restante, (Smith/Tolhurst/Dempsey) era rebautizado por Smith en ese momento, para asumir ya su nombre definitivo, The Cure. A finales de mayo, la banda realizaba sus primeras sesiones de estudio en los estudios Chestnut de Sussex. La maqueta resultante de estas sesiones sería enviada a una docena de sellos importantes. Chris Parry, por entonces buscador de talento de Polydor, se puso en contacto con la banda tras escucharla. Se despidió de Polydor, formando el sello Fiction, y contratando a The Cure en septiembre de 1978. Entre septiembre y diciembre de ese mismo año, Parry negoció con Polydor un acuerdo de distribución para Fiction, acuerdo que se materializaba el 22 de diciembre con la edición del sencillo de debut de la banda Killing an Arab, inspirada en El extranjero, de Albert Camus. Tras las acusaciones de racismo recibidas por el sencillo desde algunos medios poco informados, motivadas por el título del mismo, la banda ponía una pegatina en la reedición de 1979 del sencillo negando connotación racista alguna. Días antes de la edición del sencillo, la banda recibía una de sus primeras críticas. NME escribía que "The Cure son como una bocanada de aire fresco suburbano en el circuito contaminado de pubs y clubs de la capital [...] Con una sesión de John Peel y la continuación de su gira por Londres en su agenda más inmediata, falta por ver si The Cure puede mantener su refrescante joie de vivre." [3]

De Seventeen Seconds a Pornography En los comienzos de su carrera musical alcanzaron altas cuotas de popularidad en Inglaterra con sus singles "A Forest", perteneciente a su segundo trabajo Seventeen Seconds de 1980 y en EE.UU. con "Boys Don't Cry", perteneciente a su primer LP (edición americana) Boys Don't Cry (1980). El nihilismo musical que caracteriza sus primeros discos y una estética rupturista ideada por su líder, Robert Smith, impulsó a la banda al éxito, primero en el Reino Unido y luego en otros muchos países.

Robert SmithTras el suicidio de Ian Curtis en 1980 (vocalista de Joy Division) el movimiento musical y cultural conocido en Inglaterra como "siniestro" convirtió a The Cure en su abanderado.

En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del post punk, siendo considerados un grupo del culto en la primera mitad de los años 80. Su punto álgido en la consecución de un sonido oscuro fue su álbum Pornography de 1982. Después de la publicación de este disco, y la consecuente gira promocional Fourteen Explicit Moments el grupo quedó inactivo por un periodo, por problemas internos, que llevaron a Robert Smith a plantearse seriamente la separación. La salida de Simon Gallup de la formación tras los incidentes que protagonizó junto a Smith durante la gira de Pornography había dejado al grupo como un dúo, compuesto solamente por el propio Smith y Lol Tolhurst.

De Japanese Whispers a Wish El punto de inflexión de esta tendencia destructiva llegaría a finales de ese mismo año 1982, con la publicación del sencillo Let's Go To Bed, una canción de carácter jovial y cierto aroma electrónico, que rompería con el carácter musical de la banda en sus primeros trabajos. A Let's Go To Bed le seguirían, en 1983 un single de carácter electrónico más acusado que el anterior, The Walk y The Lovecats, tema jazzístico basado en la película Los aristogatos, que se convertirían en los primeros éxitos comerciales de importancia (#12 y #7 en el Reino Unido, respectivamente), y que relanzarían la carrera del grupo. Todos los sencillos y las caras-b de este período se compilarían en el álbum de 1983, Japanese Whispers.

Tras varios festivales con la nueva banda (que incluía al productor de Pornography Phil Thornalley, y al percusionista Andy Anderson), y la posterior incorporación del viejo componente de la misma Porl Thompson, el grupo volvió a grabar en estudio nuevo material compuesto por Robert Smith, en este caso se trató del LP The Top (1984), disco difícil en su elaboración al asumir Smith casi todas las tareas relativas al mismo (músico, compositor, productor) y además compatir su tiempo con el grupo Siouxsie and the Banshees, con quienes se había reunido en 1983, como un medio de huir de la atmósfera opresiva de los Cure de 1982. Durante la gira mundial de The Top, el grupo vuelve a sufrir cambio en la formación - sale Andy Anderson y entra Boris Williams - y al finalizar la misma, el bajista Phil Thornalley deja el grupo y vuelve Simon Gallup. En estos momentos, ya eran reconocidos por la crítica musical y al publicar su álbum The Head On The Door en 1985 volvieron a recuperar el reconocimiento de sus adeptos con singles como "A Night Like This", "In Between Days" o "Close To Me", tema éste último que les proporcionó su primer #1 en Inglaterra.

En 1986, coincidiendo con el décimo aniversario de la formación de la banda, se publica Standing on a Beach: the Singles 1978-1986, también titulado Staring at the Sea en su versión de Vinilo. En este recopilatorio se recogen todos los Singles de la banda entre 1978 y 1986.

Su popularidad siguió en ascenso con el doble álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me en 1987, disco muy variado en su estilo. Tras un paréntesis de un año, el grupo compuso el primero de los dos discos que le daría sus mayores cotas de popularidad: Disintegration (1989), disco perenne en su temática y su ejecución y Wish (1992), dando lugar con este último al primer disco de la banda que obtuvo el número 1 en los EE.UU. Entre éstos dos álbumes, el grupo publicó un disco de remezclas Mixed Up (1990).

De Wild Mood Swings a la actualidad Posteriormente, y tras varios cambios en la formación, se edita Wild Mood Swings, en 1996, disco éste de irregular contenido y en el que se parece advertir una pérdida de sentido musical en el seno de la banda. El disco fue acogido con frialdad por la crítica, pero sobre todo por los tradicionales seguidores del grupo.

En 1997, la banda publica un recopilatorio de singles Galore, de algún modo continuador de Standing on a Beach, publicado once años después de este, y en el que se recogen los sencillos publicados entre 1987 y 1997.

The Cure en directo, 2007Tras un período de reformación y descanso, el grupo recupera sus esencias en 2000 con Bloodflowers, disco que completa, en palabras de Robert Smith, la trilogía oscura del grupo (iniciada con "Pornography" y seguida por "Disintegration"). La publicación de este álbum vendría acompañado de una gira mundial extensa y de gran reconocimiento, tanto mediático como de público, hecho este que hizo a Smith reconsiderar su decisión de disolver la banda tras la gira.

En 2001, The Cure abandona su tradicional sello discográfico Fiction Records para firmar con Geffen Records. Como despedida de Fiction, Smith accede a la publicación de un grandes éxitos, a condición de que el repertorio de canciones fuese elegido por él. Resultado de este acuerdo es el recopilatorio Greatest Hits, que incluye singles y otras canciones de toda la carrera de la banda, desde 1978 hasta 2000.

En 2004, ya en Geffen, tras varios proyectos menores del grupo, The Cure lanza su álbum homónimo. De carácter variado como "Wild Mood Swings",no fue recibido positivamente por crítica y público. Ese mismo año Fiction lanza un recopilatorio llamado Join the Dots, en el que publica mucho del material inédito que la discográfica histórica de la banda aún posee en sus archivos.

Tras una gira mundial en el ámbito de los festivales, a mediados 2005 Robert Smith decidió prescindir del teclista Roger O'Donnell y del guitarrista Perry Bamonte, poco antes del inicio de la gira que debería llevarles por Europa en su habitual encuentro con los diferentes festivales de importancia (FIB de Benicássim, entre otros)

El grupo recluta de nuevo a Porl Thompson y siendo ahora un cuarteto (hecho que no ocurría desde 1994), están preparando su nuevo trabajo, que estaba previsto inicialmente, para principios de noviembre de 2006, pero que a finales de 2007 todavía no había sido publicado. El nuevo trabajo, que al parecer será un álbum doble, será presentado durante la gira que la banda dará por Europa en 2008.

Para finalizar 2006, The Cure aparece en el regreso de la serie de MTV Unplugged. El encargado del Unplugged en esta ocasión es Korn, y tocan con ellos la canción "Make Me Bad" e "In Between Days". El resultado del MTV Unplugged ofrecido por Korn se encuentra en el disco de la presentación, en el que también se puede encontrar la canción con la aparición de The Cure.

Discografía de The Cure

Álbumes de estudio Three Imaginary Boys (1979)
Seventeen Seconds (1980)
Boys Don't Cry (1980), edición para EE.UU. de Three Imaginary Boys
Faith (1981)
Pornography (1982)
The Top (1984)
The Head on the Door (1985)
Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987)
Disintegration (1989)
Wish (1992)
Wild Mood Swings (1996)
Bloodflowers (2000)
The Cure (2004)

Recopilatorios

Japanese Whispers (1983), compilación de sencillos y caras b
Standing on a Beach (1986), sencillos de 1978-1986, versión LP y casette
Staring at the Sea (1986), sencillos de 1978-1986, versión CD
Mixed Up (1990), disco de remixes
Galore (1997), sencillos de 1987-1997
Greatest Hits (2001, grandes éxitos 1978-2001)
Join the Dots: B-Sides and Rarities, 1978-2001 2004, edición especial, caja de 4 CDs

En directo

Concert (1984), disco grabado en directo.
Entreat (1990), disco grabado en directo.
Show (1993), disco grabado en directo.
Paris (1993), disco grabado en directo.

Integrantes

Robert Smith (1976-?)
Simon Gallup (1979-1982 y 1984-?)
Jason Cooper (1995-?)
Porl Thompson (1976-1978, 1983-1993 y 2005-?)

Ex-integrantes

Lol Tolhurst (1976-1989)
Michael Dempsey (1976-1979)
Perry Bamonte (1990-2007)
Roger O'Donnell (1987-1990 y 1995-2007)
Matthieu Hartley (1979-1980)
Phil Thornalley (1983-1984)
Andy Anderson (1983-1984)
Boris Williams (1984-1994)

The Cure "Just Like Heaven"

The Cure "Friday I'm in love"

The Cure "Boys Dont' Cry"

The Cure "Lovesong"

The Cure "Pictures of You"

The Cure "Why can't I be You"

The Cure "Fascination Street"

Twisted Sister

2007-11-10T11:13:00.000-08:00

Información general
Origen : Nueva York, Estados Unidos
Estilo(s) : Heavy metal
Hair metal
Glam rock
Tiempo : 1973 - 1987; 1997 -

Miembros
Dee Snider
Jay Jay French
Eddie Ojeda
Mark Mendoza
A.J. Pero

Twisted Sister es una banda estadounidense de Hair Metal formada en la ciudad de Nueva York. Su trabajo fusiona las tácticas impactantes de Alice Cooper, el humor rebelde de la nueva ola del metal britanico (NWOBHM), el estilo de New York Dolls y el extravagante maquillaje de KISS. El grupo tiene una imagen Glam, aderezada con un punto más barriobajero y deliberadamente chabacano; su sonido se podría comparar en ocasiones las clásicas bandas de Heavy Metal como Judas Priest y Motörhead, mientras que otras muchas se puede acercar a bandas Hard Rock como Alice Cooper o Kiss, ya que cuenta con un fuerte componente de Rock and roll, de manera similar a bandas como Poison o Ratt, Dee Snider, el vocalista del grupo, dijo en una entrevista:

Yo no pienso que Twisted Sister es "Glam", porque eso implica glamour, y nosotros no somos glamorosos. Deberíamos ser llamados "Hor" ("Hid"), por que somos horrendos (hideous).

Aunque la banda fue formada por el guitarrista Jay Jay French en 1973, todas sus canciones fueron escritas por el vocalista, Dee Snider. Los éxitos del grupo incluyen "We're Not Gonna Take It" y "I Wanna Rock", ambos popularizados por la continua aparición en MTV en los años 80s. Muchas de las canciones de la banda exploran los conflictos de padres contra hijos y critican el sistema de educación.

Historia

Periodo antes de su aparición

"Twisted Sister" empezó el 14 de febrero de 1973, cuando el guitarrista Jay Jay French se unió a una banda llamada Silverstar. En esos días, French usaba el pseudónimo Johnny Heartbreaker. El había tocado previamente en algunas bandas locales y audicionó para Wicked Lester, la banda que eventualmente se convirtió en KISS. En sugerencia del vocalista de Silverstar, Michael Valentine, la banda se cambió de nombre a Twisted Sister. Valentine y el guitarrista Billy Diamond dejaron la banda pronto, dejando a French como guitarrista y también vocalista.

En 1975, Eddie "Fingers" Ojeda, un amigo de colegio de French, se unió como seguna voz y segunda guitarra. El había grabado ya antes con una banda de Nueva York llamada SPV. Kevin John Grace reemplazó a Mel "Starr" Anderson en la percusión. El bajista Kenny Neill (Kenneth Harrisson-Neill) completó la banda. La banda siguió una dirección de glam rock, influenciados por David Bowie, Mott The Hoople, Humble Pie, y New York Dolls. Tocaron en clubes locales sin mucho éxito hasta 1976.

Dias de club

En 1976, Dee Snider se unió a la banda como vocalista y principal compositor de las canciones. Después de reemplazar al baterista, Grace, con Tony Petri, el grupo tomó una dirección más metalera, influenciados por AC/DC, Led Zeppelin, Black Sabbath, y Alice Cooper, pero sin abandonar su imagen de glamour.

Aunque el glamour estaba fuera de moda en esos tiempos, las habilidades excepcionales de Snider como líder de la banda llevaron al grupo a un considerable éxito local. Rompieron expectativas en la Region de los Tres Estados (Nueva Yersey, Nueva York y Connecticut) y su creciente número de fanáticos empezaron a tomar el nombre de "S.M.F.F.O.T.S.", de "Sick Motherfucking Friends Of Twisted Sister" (Enfermos Hijos de Puta Amigos de "Twisted Sister"). Más tarde lo acortaron a "S.M.F." de "Sick Mother Fuckers" (Enfermos Hijos de Puta).

Ninguna disquera estaba interesada en la banda, así que en 1979 lanzaron el sencillo "I'll Never Grow Up Now" / "Under the Blade", en su propia disquera "Twisted Sister Records", seguido por "Bad Boys (Of Rock & Roll)" / "Lady's Boy" en 1980. El legendario Eddie Kramer produjo ambos sencillos.

En este periodo, el grupo enfrentó algunos cambios de miembros. El 31 de octubre de 1978, Neill se fue para convertirse en un "Cristiano vuelto a la vida", de acuerdo con una entrevista con Snider. El técnico y amigo de la banda, Mark "The Animal" Mendoza, antes bajista de The Dictators, lo reemplazó. En diciembre de 1980, Petri se fue a Plasmatics y lo reemplazaron brevemente por Richie Teeter. Irónicamente, Teeter, antiguo miembro de The Dictators, fue reemplazado por Mel Anderson. En abril de 1981, Teeter fue reemplazado por "Fast" Joey Brighton, quien fue cambiado por A.J. Pero de Cities, otra banda sin disquera pero con éxtito local.

Esta formación — Dee Snider, Jay Jay French, Eddie Ojeda, Mark Mendoza y A.J. Pero — es considerada como la clásica del grupo.

Bajo la sugerencia de dos reporteros de las revistas Sounds y Kerrang!, "Twisted Sister" dejó Nueva York para buscar disquera en Reino Unido. Allí, en abril de 1982, finalmente consiguieron un contrato con Secret Records, una pequeña disquera británica que fue principalmente de música punk.

Periodo Pre-MTV

En junio de 1982, el grupo lanzó su primer EP, Ruff Cuts, en la disquera Secret Records. Fue seguido pronto por su primer LP, Under The Blade, producido por Pete Way de UFO. A pesar de la baja calidad de producción, el álbum fue una un éxito underground sorpresa en el Reino Unido, dándole a la banda suficiente reconocimiento para abrir para bandas de metal como Motörhead. El álbum tenía un un sonido crudo de metal e incluía "Tear It Loose", una canción metalera muy rápida, ofreciendo un solo de guitarra por "Fast" Eddie Clarke de Motörhead. Otro sencillo, el futuro éxito "We're Not Gonna Take It", fue planeado para su lanzamiento, pero Secret Records quebró antes que Snider fuera capaz de completar la letra.

Durante este tiempo, "Twisted Sister" mejoró su imagen femenina por un look más grotesco que los distinguía de las demás bandas de glam metal de la época. El grupo ahora se veía mas como metaleros con un look extraño por su imagen y música; aunque tenían todavía sus estilos pop/glam, estaban acercándose más a la imagen de heavy metal con cuero y cadenas.

Después de su aparición en el programa televisivo de música The Tube, Atlantic Records habló con la banda y firmaron con ellos. Irónicamente, Atlantic fue una de las disqueras que rechazó a Twisted Sister en el pasado período de sus Dias de Club. Su primer LP con Atlantic, You Can't Stop Rock 'n' Roll, producido por Stuart Epps, fue lanzado en 1983 e incluía el éxito #19 de Reino Unido "I Am (I'm Me)". Desde un punto de vista de la producción, el álbum sonaba mejor suqe su predecesor, y cada pedazo era igualmente heavy. Debido al éxito del álbum, la compañía decidió promocionar a la banda en mayor medida. Fue hecho el video de la canción You Can't Stop Rock'n'Roll, el cual se convirtió en el primero de la serie de videos cómicos que popularizó a la banda.

Vídeos MTV

Twisted Sister consiguió la fama internacional cuando su tercer LP Stay Hungry llegó a las tiendas en 1984. El álbum tenía un sonido más comercial que los primeros dos, pero aún contenía canciones con sonido heavy como la canción que da título al disco o "Burn in Hell". Durante un muy exitoso tour, unos jovencísimos Metallica telonearon a la banda. Stay Hungry vendió alrededor de 2 millones de copias en el verano de 1985, y acabó vendiendo 3 millones en los siguientes años. Se mantiene como el mayor éxito de la banda y es considerado un clásico para los fans del heavy metal.

Los videos de los sencillos "I Wanna Rock" y "We're Not Gonna Take it" (número #21 en las listas de USA) se emitían casi constantemente en MTV. Su prevalente comedia tipo slapstick fue un cambio en el ritmo del género que daba a la banda una distinción. La aclamada película comédica, Pee Wee's Big Adventure, llevó esto a otro paso con la aparición de la banda haciendo un video fictisio para "Burn In Hell" en el estacionamiento de Warner Bros., sólo para ser interrumpido por Pee Wee Herman atravesándose. A pesar de ser de naturaleza cómica, los videos mostraban violencia contra padres y maestros, lo que provocó grandes crítcias por parte de organizaciones conservadoras. Fueron señalados por la PMRC en 1985. Las canciones de Twisted Sister "Under the Blade" y "We're Not Gonna Take It" fueron mencionadas específicamente en las convocatorias del Senado. Snider fue uno de los pocos músicos que atestiguaron ante un comité del Senado en estas convocatorias del 19 de septeimbre de 1985 (el director del comité se dirigió formalmente a él como Sr. Sister).

Decadencia y caída

El 9 de noviembre de 1985, la banda lanzó su cuarto LP, Come Out and Play, producdio por Dieter Dierks. No estuvo cerca del éxito de su predecesor, aunque si consiguió un disco de oro por ventas de más de 500,000 copias. El fracaso fue en parte por que MTV prohibió el video de "Be Chrool To Your Scuel" por que supuestamente era ofensivo. Si no hubiera sido prohibido, es posible que la popularidad y credibilidad de Twisted Sister hubiera aumenado. La canción y el video incluían a invitados como Alice Cooper, Brian Setzer y Billy Joel. El tour para promocionar el álbum fue casi un fiasco, con poca asistencia y muchas fechas canceladas. Ni siquiera el el relanzamiento del remix de Under the Blade ayudó a que la banda recuperara popularidad. Come Out and Play fue uno de los primeros CDs en dejar de ser impresos. Otro corte de difusión del álbum fue "Leader Of The Park", un cover de los años 70.

Después del tour, Pero se fue para volver con Cities. Fue reemplazado por el antes baterista de Good Rats Joey "Seven" Franco. El apodo "Seven" se le dio por ser el séptimo baterista de la banda.

En 1987, Snider se embarcó en un proyecto como solista, aparentemente acercándose al futuro guitarrista de Iron Maiden, Janick Gers, pero eso no resultó. Entonces grabó un álbum con Franco programando la caja de ritmos y la aparición de varios músicos libres como el guitarrista Reb Beach, Kip Winger (antes de que formara Winger) y Steve Whiteman de Kix. Atlantic Records se rehusó a lanzar el disco a menos que fuera lanzado como un álbum de Twisted Sister. Así que el 13 de agosto de 1987 Love Is For Suckers hizo su debut. Aunque la banda no tocó en las sesiones grabadas, fueron mencionados en el álbum como sí si lo hubieran hecho y tocaron algunas de las canciones en shows subsecuentes. La producción deBeau Hill le dio al álbum un sonido muy pulido de pop metal. La banda también dejó de usar el maquillaje que habían utilizado desde sus comencios. El álbum fue un fracaso comercial y muchos de los fanáticos de la banda estaban decepcionados por lo muy pop que se escuchaba.

El 12 de octubre de 1987, casi dos meses después del lanzamiento de Love Is For Suckers, Snider dejó la banda, la disquera canceló su contrato y Twisted Sister se separó. La noticia de la separación de la banda se conoció a principios de 1988.

Periodo de separación

Después de la separación de la banda, los miembros se embarcaron en varios proyectos:

* Dee Snider formó las bandas Desperado, Widowmaker and SMFs. También escribió, dirigió y actuó en la película Strangeland, una secuela; Strangeland 2, está planeada.
* Eddie Ojeda formó Scarecrow y luego Prisoners of War. Ninguno de los proyectos tuvo éxito. También trabajó como guitarrista de sesiones e instructor de guitarra.
* Jay Jay French dejó de tocar excepto en algunas apariciones como invitado. Formó French Management y manejó al grupo de alternative metal, Sevendust.
* Mark Mendoza se unió brevemente a Blackfoot. Después trabajó como productor y manager. Ocasionalmente buscó proyectos como solista también.
* A.J. Pero estuvo relacionado con varios proyectos y después participó en el tour de la banda de Snider, SMFs.
* Joey Franco trabajó como baterista de sesión y tocó con la banda de Snider, Widowmaker.

En 1992, Atlantic Records lanzó una recopilación con "lo mejor" de la banda, titulada Big Hits and Nasty Cuts, que también incluía algunas actuaciones en vivo del periodo de Under The Blade. Un álbum en vivo de la era de Stay Hungry llamado Live At Hammersmith fue lanzado en 1994 por CMC International.

Reuniones re-lanzamientos

En 1998, la banda grabó una canción para el soundtrack de la película de Snider, Strangeland.

En 1999, Spitfire Records re-lanzó su catálogo, suplementado con previamente no lanzados. Después vino Club Daze Volume 1: The Studio Sessions, un álbum que contiene demos de grabaciones de la era antes deUnder the Blade y Club Daze Volume 2: Live In The Bars, un complemento en vivo.

En el 2001, Koch Records lanzó un álbum tributo titulado "Twisted Forever - A Tribute To The Legendary Twisted Sister". El álbum incluye un amplio rango de artistas y bandas que han sido influenciados por Twisted Sister, incluyendo Lit, Motörhead, Chuck D, Anthrax, Overkill, Cradle Of Filth, Joan Jett, Sebastian Bach, and Hammerfall. Extrañamente para un tributo, Twisted Sister también aparece en el álbum, con un cóver de la canción "Sin City" de AC/DC.

En noviembre de 2001, la banda reunida de Twisted Sister se unió a metaleros de Nueva York como Anthrax, Overkill, Sebastian Bach, y Ace Frehley para llevar a cabo un concierto en beneficio de la Fundación de Viudas y Huérfanos del Departamento de Policía de Nueva York y el Departamento de Bomberos de Nueva York a causa de los atentados del 11 de septiembre de 2001 al World Trade Center. NY Steel recaudo más de $100,000 para la caridad y la reacción a la primera presentación de Twisted Sister en 14 años fue soprendente. La demanda por más presentaciones en vivo fue inmediata y la banda tomó los primeros pasos para regresar al escenario.

En el 2002 una recopilación remasterizada titulada Essentials fue lanzado. Los fans generalmente consideran que esta recopilación es mejor que la anteriormente lanzada por Atlantic.

"Twisted Sister", esta vez incluyendo a Mark Mendoza, se reunió de nuevo para el Sweden Rock Festival en junio de 2003. También aparecieron en agosto del mismo año para el festival Wacken Open Air. Imágenes del show fueron filmadas para un DVD.

En marzo de 2004 entraron al estudio para volver a grabar completamente su álbum Stay Hungry para Demolition Records. Dijeron no estar felices con la producción original del álbum, así que esta vez lo produjeron ellos mismos. La nueva gragación fue lanzada con el nombre de Still Hungry y contiene 7 canciones adicionales.

En julio de 2005, el grupo tocó un concierto gratis en Edmonton para el festival Klondike Days. A finales del 2005, Snider apareció en Numbers From The Beast, un álbum tributo a Iron Maiden, cantando el clásico de Iron Maiden, "Wasted Years". Snider fue acompañado por sus contemporáneos y amgios George Lynch, de Dokken, y Bob Kulick.

También en el 2005, la banda lanzó el Wacken show del 2003 en CD y DVD titulado Live At Wacken. También se fueron de tour con Alice Cooper, sirviendo como la banda de apoyo, pero actuando casi como la principal.

En el 2006, Snider y French trabajaron con Lordi para producir y tocar unas canciones nuevas en su álbum Arockalypse. Snider fue incluido en la primera canción, "SCG3 Special Report", como la voz de Lordi anunciando que s acerca el Arockalypse. French aparece como invitado en la canción "Chainsaw Buffet".

En junio del 2006, la banda anunció que habían firmado un contrato con la disquera estadounidense Razor and Tie para lanzar un último CD. La fecha planeada para el lanzamiento es el 16 de octubre de 2006 (declaración de Snider en un concierto en Quebec City, Canada, el 8 de julio de 2006, frente a 80,000 personas. El show también incluía a los Scorpions como la primera banda). También presentaron un pequeño concierto en el Wolverhampton Civic Center. El concierto fue un éxito, con el apoyo de muchos fans al igual que durante el auge de la banda.

La banda sigue junta y ocasionalmente hacen pequeños tours alrededor del mundo, con todo el maquillaje. Antes de cada tour se presentan como Bent Brother, practicando su presentación y sin maquillaje, usualmente a un precio de boleto menor, aunque tanto Snider como French han declarado que no les gusta tocar como "Twisted Sister".

Alineación

Alineación actual

* Dee Snider – voz (1976-presente)
* Jay Jay French – guitarra y voz secundaria (1973-presente)
* Eddie "Fingers" Ojeda – guitarra y voz secundaria (1975-presente)
* Mark "The Animal" Mendoza – bajo y "gruñidos" (1978-presente)
* A.J. Pero (Anthony Jude Pero) – batería y voz secundaria (1982-1986, 1997-presente)

Alineación original

* Michael "Valentine" O'Neill – voz (1973-1974)
* Billy "Diamond" Stiger – guitarra (1973-1974)
* Jay Jay French – guitarra (1973-present)
* Kenny Neill (Kenneth Harrison-Neill) – bajo (1973-1978)
* Mell "Starr" Anderson – batería (1973-1975)

Otros miembros

* Kevin John Grace – batería (1975-1976)
* Tony Petri – batería (1976-1980)
* Ritchie Teeter – batería (1980-1981)
* "Fast" Joey Brighton – batería (1981-1982)
* Joey "Seven" Franco – batería (1987-1988)

Discografía y videos

Álbumes

* Under the Blade – 1982
* You Can't Stop Rock 'n' Roll – 1983
* Stay Hungry – 1984
* Come Out and Play – 1985
* Love Is for Suckers – 1987
* Big Hits and Nasty Cuts: The Best of Twisted Sister – 1992
* Live At Hammersmith – 1994
* Club Daze Volume 1: The Studio Sessions – 1999
* Club Daze Volume 2: Live In The Bars – 2001
* The Essentials – 2002
* Still Hungry – 2004
* Live At Wacken: The Reunion – 2005
* A Twisted Christmas – 2006

EPs

* Ruff Cuts – 1982
* I Am (I'm Me) – 1983
* The Kids Are Back – 1983
* You Can't Stop Rock'n'Roll – 1983
* We're Not Gonna Take It – 1984
* I Wanna Rock – 1984
* Leader Of The Pack – 1985
* You Want What We Got – 1986
* Come On Feel the noise ; 1986

Sencillos

* "I'll Never Grow Up, Now!" / "Under The Blade" – 1979
* "Bad Boys (Of Rock N' Roll)" / Lady's Boy" – 1980
* "I Am (I'm Me)" / "Sin After Sin (Live)" – 1983
* "The Kids Are Back" / "Shoot 'Em Down (Live)" – 1983
* "You Can't Stop Rock'n'Roll" / "Let The Good Times Roll/Feel So Fine" (Live) – 1983
* "We're Not Gonna Take It" / "The Kids Are Back" (Live) – 1984
* "We're Not Gonna Take It" / "You Can't Stop Rock'n'Roll" – 1984
* "I Wanna Rock" / "Burn In Hell" (Live) – 1984
* "I Wanna Rock" / "The Kids Are Back" – 1984
* "The Price" / "S.M.F." – 1985
* "Leader Of The Pack" / "I Wanna Rock" – 1985
* "Leader Of The Pack" / "I Wanna Rock" (Video Introduction) – 1985
* "King Of The Fools" (Edit) / "Come Out and Play" – 1985
* "Be Chrool To Your Scuel" / "Stay Hungry" – 1986
* "You Want What We Got" / "Shoot 'Em Down" – 1986
* "You Want What We Got" / "Stay Hungry" – 1986
* "Hot Love" / "Tonight" – 1987

Videos

* "You Can't Stop Rock'n'Roll"
* "We're Not Gonna Take It"
* "I Wanna Rock"
* "The Price"
* "Leader Of The Pack"
* "Be Chrool To Your Scuel"
* "Hot Love"

Twisted Sister "WE'RE NOT GONNA TAKE IT"

Twisted Sister "I Wanna Rock"

KISS

2007-11-10T10:44:00.000-08:00

Kiss, es una banda de Hard Rock estadounidense formada en la Ciudad de New York en 1973. Se caracterizó por el uso de cantidades industriales de maquillaje al más puro estilo de terror o típica historia de cómic y su puesta en escena extravagante. Mientras otros artistas como Alice Cooper y David Bowie representaban el rock de una manera teatral, KISS fueron aun más lejos en la vertiente circense y autoparódica del rock. En base a sus actuaciones vivas detalladas es el espectáculo destacado, escupiendo sangre, las guitarras que humean, y diversas pirotecnias. Kiss ha obtenido 45 álbumes de oro a la fecha. Las ventas mundiales del grupo exceden 100 millones de álbumes.

La banda original estaba conformada por Gene Simmons (bajo y voz), Paul Stanley (guitarra rítmica y voz), Ace Frehley (guitarra lider y voz) y Peter Criss (batería y voz). Con su composición y trajes, ellos asumieron los personajes del Demonio (Simmons), el Chico De Las Estrellas (Stanley), el As Espacial (Frehley), y el Gato (Criss). Debido a los problemas de abuso de substancias y diferencias con los lideres, Criss, abandono Kiss en 1980 y Frehley estaba fuera del grupo en 1982. Las ventas comerciales de la banda también habían menguado considerablemente por ese punto.

En 1983, Kiss abandonó su composición y disfrutó un resurgimiento comercial a lo largo del resto de la década. Manteniéndose a flote por una ola de nostalgia hacia Kiss en los años noventa, la banda anunció una reunión de la formación original (con la composición) en 1996. Kiss, resaltando la Gira de Alive/Worldwide era el acto cima-acumulando de 1996. Criss, abandono la banda en enero de 2001 y Ace Frehley en marzo de un año después, ese mismo año, Peter Criss regreso a la banda, para grabar Kiss Symphony: Alive IV y la abandono nuevamente en 2004 y se ha reemplazado por Eric Singer y Tommy Thayer, respectivamente mientras Stanley y Simmons han seguido siendo los únicos dos miembros constantes.

Biografía

El grupo de KISS cuyo nombre en un principio da a entender algo tan dulce como la palabra "beso", se forma en 1973 en Nueva York, de las cenizas de un grupo llamado Wicked Lester. Es ideado por Chaim Witz Eugene Kleim mas conocido como Gene Simmons que en 1972 se conoce con Stanley Harvey Eisen (Paul Stanley)luego de varias discusiones y de conocer diferencias llegan a ser los mejores amigos, mas tarde ponen un anuncio en la revista Rolling Stone,buscando baterista y se les une Peter George John Crissuola Peter Criss. Finalmente por otro anuncio en "The Village Voice" Paul Daniel Frehley Ace Frehley se presenta a una audición de la banda en la cual él es el elegido. Firman para Casablanca Records y graban 3 discos de estudio "KISS", "Hotter Than Hell" y "Dressed To Kill".

Su estilo no tenía nada que ver con lo que se hacía en los 70 década en que lanzaron su primer álbum, pues dejaron atrás las raíces folk que muchos grupos desarrollaban. Tampoco hacían progresivo, enterraron el espíritu hippie que aún tenían muchas bandas, cambiándolo por un sonido crudo y de mucha distorsión, además de potente junto con coros que se hicieron himnos para sus fans. Kiss en ese momento tenia un estilo musical híbrido, con un sonido entre el heavy metal y rock & roll. Con bases rítmicas muy cercanas al Jazz de forma acelerada por parte del batero Criss y de un pasional y crudo estilo por parte de Frehley, Kiss emanaba una energía brutal en su música.

El éxito para el grupo viene con su disco doble en vivo Alive!, producido por Eddie Kramer en 1975, que obtiene 4 discos de platino y frecuentemente citado como uno de los mejores discos de rock en vivo de todos los tiempos.

En 1976 lanzaron Destroyer, donde evolucionaron desarrollando el estilo Glam que los caracterizaría el resto de su carrera, pues sus canciones simples y melódicas fueron acompañados de un sonido más potente y hasta orquestal bajo la producción de Bob Ezrin, y con la conducción orquestal de Michael Kamen, incluso lanzaron su primer hit comercial "Beth", una balada cantada por Peter Criss. Este disco contiene canciones que serán recordadas durante toda su carrera.

Después vienen otros álbumes: Rock'n'Roll Over, Love Gun y Alive II. Estos discos y sus actuaciones tan espectaculares en vivo (las cuales incluyen explosiones, humo, fuego, pirotecnia, sangre, plataformas que se elevan, etc.) los hacen ganar reputación como una de las mejores bandas de rock en vivo.

En 1978 cada uno de los integrantes lanzan sus discos solistas, siendo el disco de Ace Frehley el que tuvo "los mejores resultados" de los cuatro. En 1979 lanzan Dynasty, el cual incluía "I Was Made for Lovin You",Después de la gira correspondiente y argumentando "no estar contento dentro del grupo", Peter Criss abandona la banda; aun cuando Criss aparece en el video promocional de "Shandi" canción incluida en su siguiente disco: Unmasked. El sustituto es Eric Carr. Su debut es en el Palladium, en Nueva York. La banda decide que por las bajas ventas de Unmasked dentro de los Estados Unidos, y los deseos de sus fanáticos del resto del mundo por verlos, hacer una gira europea y australiana ese año. Al año siguiente graban Music From The Elder un álbum conceptual, este producido por Bob Ezrin. Después de esto y descontento por el estilo musical al cual se estaba dirigiendo el grupo Ace Frehley decide abandonar la banda. Como sustituto de Frehley entra Vinnie Vincent.

El siguiente disco es Creatures Of The Night, en el cual KISS recupera un poco de sus raíces más rockeras teniendo más éxito que en sus últimos dos discos. El 25 de junio de 1983, en el estadio Morumbi en São Paulo, Brasil, KISS hace su último concierto con maquillaje hasta la gira de reunión en 1996.

Lick It Up, es el primer disco en el cual los miembros del grupo aparecen sin maquillaje en la portada. Este disco marca el paso de KISS a una nueva etapa en su carrera como banda de Glam Rock, dándole un giro a la antigua imagen del grupo. Luego de los tour Euro-Americanos del disco Lick It Up probaron que era la música, y no el maquillaje lo que importaba. KISS comenzó la grabación del siguiente disco, en este tiempo Vinnie Vincent deja la banda , para luego formar Vinnie Vincent Invasion y se une Mark St. John. Animalize es el disco que sigue, el cual fue producido por Paul Stanley y solidificó la popularidad de KISS con la generación MTV. Producida por el super hit "Heaven's On Fire". St. John fue forzado a retirarse de la banda durante el Animalize Tour a causa de una enfermedad en las manos (sindrome de Reiter) y, para continuar la gira, se usó como remplazo a Bruce Kulick, quien pasaría a ser el 4to guitarrista líder en la historia de la banda. Luego vienen Asylum y Crazy Nights, discos que continúan con el estilo que ha llevado la banda en los '80s. Estos discos incluyen hits como Tears Are Falling, Uh! All Night, Crazy Crazy Nights y Reason To Live. Canciones que marcaron una época en la historia de KISS. Después en el año 1989, grabaron el disco Hot In The Shade , el cual incluye la balada "Forever" y el hit "Hide Your Heart" luego llega el disco Revenge del año 1992, que tiene un sonido más fuerte que los utlimos discos de KISS y que además contó con la presencia de Eric Singer en la bateria reemplazando al fallecido Eric Carr.

El 9 de agosto de 1995, graban el Unplugged para MTV donde la formación original de KISS toca 4 canciones.

Al año siguiente hacen la gira de reunión "Alive Worldwide Reunion Tour", con la cual recorren países en los cuales nunca habían tocado, lo imposible había sucedido. Esta etapa la llamaron "The Lost Cities". Luego en 1998 editan el disco Psycho Circus, pero sus ventas no eran las esperadas. La última gira de la banda se llamó "Rock The Nation", con la cual recorrieron Estados Unidos, Canadá y México. Tocaron por primera vez en el Poc Corn Club. En dicha gira sacaron a la venta KISS Symphony Alive IV, con la orquesta sinfónica de Melbourne.

El disco KISS Symphony Alive IV incluye canciones que nunca se habían tocado tales como "Shandi" del disco "Unmasked" con el ensamble de la sinfónica, y "Great Expectations" del disco "Destroyer"

En 2005 salió el DVD titulado "KISS Rock The Nation Live" que es una recopilación de los conciertos de su ultima gira "Rock The Nation" en New Jersey y Washington que incluye entre otras canciones "Tears are Falling", "She" que incluye el solo que Ace Frehley tocara en el disco "Alive!", "Christine Sixteen", "I Want You" "Parasite", "War Machine", "Makin' Love" entre otras; en palabras del grupo: "La gira se basa en tocar canciones que los fans quieren escuchar y que no hemos tocado nunca o por más de 25 años".

En junio de 2006 recibieron un homenaje por parte del canal VH1 junto con Queen, Def Leppard y Judas Priest, titulado "VH1 ROCK HONORS" donde Rob Zombie, Slash, Gilby Clarke, Tommy Lee, Scott Ian y Ace Frehley rindieron homenaje a KISS con una versión de "God Of Thunder" que raya en lo metalero.

El 31 de Octubre salió a la venta "KISSology - The Ultimate KISS Collection Vol. 1 1974-1977", una caja con 2 dvd's (y un dvd extra, que variaba dependiendo donde habías comprado el dvd). En este dvd podemos ver desde una presentación en el Coventry en el '73, hasta un show sin maquillaje del año 1976, para la boda de Ace Frehley. En conclusión, cantidades de rarezas, todas en una sola caja, y con la bendición de Gene Simmons, quien ha prometido que en los próximos 6 a 8 meses verá la luz el volumen 2, en el cual ya están trabajando.

Pero los KISS nunca descansan, el 21 de noviembre de 2006 se lanzó la caja "Alive 1974 - 2000" que incluye los 3 Alive's remasterizados, (el "Alive III" remasterizado por primera vez), más el Alive IV "The Millenium Concert", grabado en Vancouver 1999, que originalmente se iba a lanzar cuando el grupo anunció el Farewell Tour, allá por el año 2000, pero que al final por decisiones de la discográfica, nunca se lanzó al mercado.

Discografía

* KISS (1974)
* Hotter Than Hell (1974)
* Dressed To Kill (1975)
* Alive! (1975)
* Destroyer (1976)
* Rock And Roll Over (1976)
* Love Gun (1977)
* Alive II (1977)
* Gene Simmons (1978)
* Ace Frehley (1978)
* Peter Criss (1978)
* Paul Stanley (1978)
* Dynasty (1979)
* Unmasked (1980)
* Music From The Elder (1981)
* Killers (Editado en Japón) (1982)
* Creatures Of The Night (1982)
* Lick It Up (1983)
* Animalize (1984)
* Asylum (1985)
* Crazy Nights (1987)
* Hot In The Shade (1989)
* Revenge (1992)
* Alive III (1993)
* Mtv Unplugged (1996)
* Carnival Of Souls (1997)
* Psycho Circus (1998)
* Symphony: Alive IV (2003)

Compilatorios

* Double Platinum (1978)
* The Originals (Box set de los tres primeros discos) (1976)
* The Originals II (1978)
* Chikara (Editado en Japón) (1988)
* Smashes, Thrashes & Hits (1988)
* You Wanted The Best, You Got The Best (1996)
* Greatest Kiss (1997)
* Greatest Hits (Editado en Inglaterra) (1997)
* Box Set (2001)
* The Very Best Of Kiss (2002)
* Kiss Millenium Collection (2003)
* Symphony SDE (2003)
* Kiss Millenium Collection, Vol. 2 (2004)
* Kiss Instant Live! (2004)
* Kiss Gold 1974-1982 (2004)
* Kiss Millenium Collection, Vol. 3 (2006)
* Kiss Alive! Box Set 1975-2000

Tributos

* Kiss my Ass (1994) (Disco tributo con artistas como: Lenny Kravitz, Anthrax, Gim Blossoms)

Otros

* Psycho Circus - Japan Import (Editado en Japón, bonus track: In your face)
* Psycho Circus 6 song Live Ep (Editado en Alemania)
* Detroit Rock City (Soundtrack) (1999)
* We're A Happy Family (Tributo a Ramones) (2003)

Videografía

Home Videos / Dvd

* Kiss Meets the Phantom of the Park
* Animalize Live Uncensored
* Kiss Exposed
* Kiss x-treme Close Up
* Konfidential
* Kiss my Ass - The Video (1994)
* Kiss Mtv Unplugged
* Psycho Circus vhs video
* The Second Coming
* Kiss Symphony, Alive IV, The Dvd (2003)
* The Best of Kiss, The Dvd Collection (2004)
* Kiss: Gold (Sound + Vision)
* Various Artists: Rockin' The Corps
* Rock the Nation (2005)
* Lick it Up: The Definitive Dvd (2006)
* Kissology - The Ultimate Kiss Collection Vol. I 1974 - 1977 (2007)
* Kissology - The Ultimate Kiss Collection Vol. II 1977 - 1991 (2007)

Kiss "She is so European" 1980

KISS "Creatures Of The Night (Spain TV '82)"

Gun's n' Roses

2007-11-10T10:23:00.000-08:00

Guns N' Roses es una banda de hard rock que nació en Los Ángeles, en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Tracii Guns e Izzy Stradlin, el bajista Ole Beich, y el baterista Rob Gardner. El nombre deriva de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los L.A Guns y los Hollywood Rose. Su primer concierto tuvo fecha el 26 de marzo de 1985 en el Troubador (Hollywood, California).hasta el momento an vendido 100 millones de copias.

Hollywood Rose fue la banda creada por Jeffrey Isabell (Izzy Stradlin) y William Rose (Axl Rose) después de dejar Lafayette, Indiana y establecerse en Los Angeles. Posteriormente se transformaría en una de las bandas más importantes de hard rock de finales de los ochenta e inicios de los noventa: Guns N' Roses.

Tras su formación en 1985 debutaron como banda en el Troubadour Club -foto-, realizando su primera gira llamada The Hell Tour por clubes de Seattle, Portland, Eugene, Sacramento y San Francisco. Dicha gira no llegaron a finalizarla debido a una avería en la furgoneta en la que viajaban que les obligó a regresar a Los Angeles. Siguieron haciendo actuaciones esporádicas en locales de Hollywood consiguiendo una cierta reputación. Todos vivían y ensayaban en la misma habitacion.

Los sellos discográficos se empezaron a interesar por ellos. Su primer manager oficial fue Vicky Halmilton, la cual les alojó en su apartamento y les consiguió actuaciones y dinero para un equipo decente. Hubo problemas ya que Vicky les exigía mucho más dinero de lo que habían acordado cuando ella invirtió en el grupo, así que prescindieron de ella. Un año más tarde puso un pleito a la banda reclamando un millón de dólares.

Los años salvajes (1986-1989)

Cuando Tracii y Robbie no asistieron al primer concierto de Guns N' Roses (en Seattle), Duff llamó al guitarrista Slash y al baterista Steven Adler a quienes había conocido recientemente y quienes tocaban en una banda llamada "Road Crew" y les preguntó si querían tocar. Los dos aceptaron y la formación original del grupo terminó. Sin manager y con amenazas legales sacan un mini LP con su propio sello discográfico Uzi-Suicide, titulado Live?!. @ Like A Suicide. Obtienen un importante éxito.

En abril de 1986 Tom Zutaut, ejecutivo de la casa discográfica Geffen, escucha una demo y decide ficharles para su compañía. Guns n' Roses firmaron el contrato el 26 de marzo de 1986 con Geffen Records, el sello discográfico de David Geffen un amigo de la familia de Slash. Alan Niven que había trabajado con Great White pasa a ser su nuevo manager.

El 16 de marzo del 87 hacen una actuación sorprendente en el Whiskey A Go-Go de Los Angeles donde tocaron temas del disco Live!? a Like A Suicide. Después realizan una serie de conciertos los días 19, 22 y 29 de junio de 1987 en el Marquee Club de Londres; era la primera vez que visitaban Europa, no resultó demasiado bien.

Grabaron su primer disco de estudio Appetite For Destruction, con producción e ingeniería de Mike Clink y mezclas de Steve Thompson y Michael Barbeiro. El disco salió a la venta el 21 de julio de 1987. El disco vendió 25 millones de copias, tuvo tres canciones entre el top 10 (Welcome to the Jungle, Sweet Child o' Mine y Paradise City), y alcanzó el número 1 en las listas. Appetite For Destruction es uno de los discos debut más vendidos de la historia. El nombre del disco Appetite For Destruction salió de una postal que descubrieron en una tienda. La ilustración representa a un robot que esta violando a una joven chica -foto-, fue condenada por las algunas de la más importantes discográficas por lo cual la portada fue retirada del mercado y sustituida por el logo del grupo. La portada del mismo, en la que aparecía una joven sentada contra un muro, en evidente apariencia de haber sido recientemente violada y de ir bastante pasada de narcóticos, junto a un robot con gabardina (suponemos que el autor de la violación) y un ser con puñales por dientes sobrevolando la escena, fue censurada a las dos semanas de ponerse el vinilo a la venta, siendo sustituida por la famosa cruz latina en la que aparecían las calaveras de los cinco componentes de la genial banda californiana. No obstante, la portada original se incluyó en el interior de la carpeta del disco, junto con las letras, y en las páginas centrales del libreto en la edición en CD. Hay quien dice que fue esta portada la que motivó la aparición del conocido sello blanquinegro, cuya leyenda "Parental Advisory/Explicit Content" adorna muchos de nuestros discos; aunque esta afirmación no está probada.

Consiguieron la publicidad suficiente para el disco con una escena en la película "La Lista Negra (The Dead Pool)" con Clint Eastwood como Harry el sucio. La escena duró apenas 10 segundos en la que aparecen en una procesión de un funeral dando el pésame. La banda sonora de la película fue la canción Welcome To The Jungle. Junto con la canción se grabó un vídeo que rápidamente se convirtió en favorito de MTV. Las emisoras de FM también empezaban a pinchar la canción, pero lo que más reputación les estaba dando eran sus brillantes shows en directo. Tras algunas apariciones con The Cult, GN' R se engancharon a la gira de Mötley Crüe. Durante esta gira hubo problemas, tales como el destrozo de una habitación del hotel Doubletree en Dallas por parte de Slash. Los promotores de la gira empezaron a pensarselo seriamente. A la vuelta ya en Los Angeles, otro incidente, éste en directo, cuando Axl se lanzó al público para pegarse con un guarda de seguridad por intentar echar a un amigo suyo. Después se anuló otro concierto en Phoenix por problemas de Axl (presuntamente con drogas). La prensa se les echó encima después de estos incidentes. Nuevamente salieron de gira con Alice Cooper.

En Michigan, Steve y Duff son echados de un bar, Steve se rompe la mano con una farola, teniendo que ser sustituido en plena gira por Thomas Schultz.

En la siguiente gira, esta vez con Iron Maiden, Duff abandona el tour para casarse. De nuevo más incidentes en la nueva gira con Aerosmith, en Philadelphia. Axl es detenido por la policía al intentar aparcar en la zona reservada. Pero sin duda el accidente más desgraciado ocurrió en el festival Monsters of Rock en Castle Donnington en Inglaterra en 1988. En el cartel había grupos como Helloween, Megadeth, Kiss o Iron Maiden. A la salida en escena de Guns N' Roses una muchedumbre frenética de 100.000 personas se abalanzó hacia delante aplastando a dos fans. Al acabar la actuación se enteraron de que dos seguidores habían muerto.

De vuelta en Estados Unidos, el disco Appetite For Destruction va viento en popa. Llegaron a vender tanto como sólo antes lo había hecho Led Zeppelin con su primer disco. Más tarde Sweet Child O'Mine llega al número uno. El 30 de noviembre sale su segundo disco titulado GN' R: Lies "The Sex, The Drungs, The Violence, The Shocking Truth".

El siguiente lanzamiento de Guns N' Roses fue G N' R Lies, en 1988, que alcanzó el número 2 en las listas. Este disco incluye las 4 canciones de 'Live Like a ?!*@ Suicide' y 4 canciones acústicas entre las que se destacan "Used to love Her" y la controvertida "One in a Million". En febrero de 1989 actuaron en la entrega de premios MTV Music Awards. La canción Patience en mayo del 89 se colocó como número 4 y el disco en el número 2. Era la única banda que tenía dos álbumes simultáneamente entre los 5 primeros puestos de las listas. Con la canción One in a Million volvieron a la polémica, una canción que criticaba a los inmigrantes, homosexuales y a los policías. Como consecuencia se vieron obligados a retirarse de un concierto en Nueva York contra el SIDA en junio de 1989.

Gira por Estados Unidos con los Rolling Stones y Living Colour en septiembre de 1989. Axl anuncia su salida de la banda si no se arreglan "los problemas del grupo con las drogas". Izzy, Slash y Duff inician una cura de desintoxicación. Todos lo consiguen menos Steve Adler que es expulsado de la banda en julio de 1990, le sustituiría Matt Sorum baterista de The Cult. En esa época también entra en el grupo Dizzy Reed, amigo de la banda.

Graban una versión de Bob Dylan, Knockin' on Heaven's Door, como banda sonora de la película Días de Trueno (Days of Thunder) que tenía a Tom Cruise como protagonista.

Izzy Stradlin es multado con 32.000 dólares por orinar en el vestíbulo de un avión con destino a Australia.

En 1989, los Guns N' Roses fueron presentados como favoritos por la 'American Music Award' por la canción Sweet Child O' Mine. En la gala anual de 1989, Duff McKaggan, Slash y aparecieron borrachos y usaron un lenguaje duro y certero mientras aceptaban su premio como mejor disco de Heavy Metal por Appetite for Destruction, mejor canción Heavy Metal por Paradise City y mejor canción rock/pop del año por Sweet Child o' Mine. Slash estuvo a punto de costarles un disgusto a los jefes de American TV, que retransmitían en directo la entrega de los premios American Music Awards 1990, ya que salió a recoger un premio para la banda completamente borracho e insultando al público.

Duff se divorcia de su mujer Mandy y Axl se casa con Erin Everly en Las Vegas, también un año más tarde se divorcian. El 30 de octubre de 1990 Axl es arrestado en West Hollywood por agredir a su vecina con una botella de vino, que se queja del volumen al que escuchaba la musica Axl Rose.

La evolución, la gloria y la tragedia (1990-1997)

Poco después del lanzamiento de "Lies", durante las primeras grabaciones de Use Your Illusion, el baterista Steven Adler fue obligado a abandonar la banda por problemas de adicción a las drogas. En ese momento sólo rodaba el suicidio del desconsolado Adler. Otros miembros reconocieron su adicción después de que Axl Rose habló sobre ello en "Mr. Brownstone" durante su actuación previa al concierto de los Rolling Stones. En 1990 Guns N' Roses volvió a los estudios con un nuevo batería, Matt Sorum, componente habitual de otra gran banda de la escena Hard Rock de la época como era The Cult y un nuevo teclista, Dizzy Reed, para comenzar en el proyecto más ambicioso del grupo. El 17 de septiembre de 1991 sacaron a la venta Use Your Illusion I y Use Your Illusion II, que subieron al número 2 y número 1 de las listas mundiales respectivamente durante 108 semanas.

En 1991 presentan sus nuevos discos Use You Illusion I y Use You Illusion II. La expectación fue total ante el nuevo trabajo de Guns N' Roses, consiguieron ser número 1 a la vez en EEUU y Reino Unido, nadie lo había conseguido antes.

Después del lanzamiento de los dos discos de Use Your Illusion, los Guns N' Roses hicieron una gira mundial de 28 meses de duración (en parte de ella giraron con Metallica).

Es mismo año cambian de representante, despiden a Alan Niven y contratan a Doug Goldstein. En enero de 1991 pisan por vez primera sudamérica actuando en el festival de Rock In Rio en el estadio de Maracaná ante mas de 250 mil personas.

En agosto de 1991 concierto en el estadio de Wembley en Londres con Skid Row como teloneros . Después de este concierto Izzy Stradlin abandona la formación, aparentemente porque tenía serias diferencias con Axl Rose. Pero esto era cierto pues Axl Rose empezaba a generar un cruel ambiente y sus videos estaban empezando a requerir cada vez menos la presencia del resto de la banda. Inclusive en el video de Don´t Cry, una de las canciones del álbum Use Your Illusion, hay una escena en la que aparece un cartel por segundos que hace la pregunta Where is Izzy? (¿Dónde está Izzy?), y por lo tanto estaba cansado de la extensas giras y su relación con Axl no funcionaba. Tenia muchas diferencias musicales y personales, por lo tanto decide dejar el grupo, a pesar de ser el compositor de muchos de los éxitos de los Guns. Su sucesor fue Gilby Clarke guitarra de los Kill For Thrills.

Entre noviembre y diciembre del 91, GN' R gira por EEUU, comenzando en Alpine Valley.

Arranca la gira mundial (que duraría dos años) bajo el nombre de Get In The Ring Motherfucker entre enero y febrero de 1992 gira por Australia y Japón, en donde se grabaron los vídeos en directo Use Your Illusion I & II.

En febrero de ese año graves indicentes durante la actuación de la banda en San Luis, el show se retrasó dos horas y media, Axl decidió echar a varios periodistas provocando una pelea, más tarde en el escenario diría "Fuckin' St. Louis!!!!". En los incidentes hubo varios heridos de gravedad, setenta detenidos y destrozos por valor de cientos de miles de dólares. El Tribunal del Estado de San Luis declara culpable -foto- a Axl Rose de provocar la alteración del orden público e incitación a la violencia. El 25 de julio en Carolina del Sur, sucedió algo similar, lo que terminó con una pelea espectacular con 60 heridos.

Participan en el concierto en memoria de Freddie Mercury líder de Queen, llamado "The Freddie Mercury Tribute Concert for AIDS Awareness" el 20 de abril de 1992 en el estadio Wembley de Londres. Tocaron las canciones Paradise City y Knockin' On Heaven's Door y Axl cantó los temas We Will Rock You y Bohemian Rhapsody junto a Elton John. El 6 de junio se presentan en Paris, Francia, junto a ellos tocan Lenny Kravitz y Steven Tyler y Joe Perry de Aerosmith con quien tocan la canción Mama Kin. Actuan de nuevo en la entrega de los premios 1992 MTV Video Music Awards. Durante ese tiempo, November Rain fue uno de los vídeos más votados en MTV, ganando además el premio de los MTV Video Music Awards en la categoría de mejor vídeo.

En la primavera de 1992 hacen una gira por México y en el verano por Europa, por primera vez actúan en España, en el estadio de futbol Benito Villamarín de Sevilla junto con Faith No More y Soundgarden. Al regreso a EEUU, Axl es detenido en el aeropuerto John Fitzgerald Kennedy por la policía federal por los incidentes de San Luis. Queda en libertad provisional hasta que se celebre el juicio. En agosto en Montreal, Canadá otro inconveniente en el concierto junto con Metallica, su guitarrista y líder, James Hetfield, se lesiona la mano, después Axl abandona el escenario a los 15 minutos diciendo que este será el ultimo concierto durante un largo tiempo, la decisión de no terminar el concierto enfurecío a los fans y provocaron grandes destrozos. Pero no fue así una vez recuperado James la gira continuó.

Otoño de 1992 gira de GN' R por Sudamérica con graves incidentes en Colombia y Argentina, en donde se pasearon desnudos por el hotel donde se alojaban; en Venezuela hacen un mega-concierto al aire libre en el estacionamiento del "Poliedro de Caracas", ya que por cuestiones logisticas no podian albergar tanto publico. En Chile, en el aeropuerto, Axl agredió a varios reporteros gráficos, y al concierto llegó con dos horas de retraso en estado de embriaguez, insultado al público que respondió lanzando botellas al escenario. El concierto terminó con más de 50 detenidos. Tras estos disturbios la República de Chile prohibió la entrada de la banda a su territorio, terminando su gira en Brasil, en la ciudad de Sao Paulo, en el mitico estadio Morumbí ante mas de 70.000 asistentes.

Nueva gira por Japón en enero de 1993, el 1 de febrero tocan en Melbourne, Australia, en el Calder Park Raceway, y 6 de febrero se presentan en Nueva Zelanda, donde hicieron un solo show en el Mount Smart Stadium. En marzo gira por EEUU con Brian May Band de teloneros, nuevo incidentes esta vez en Sacramento donde Axl insultó al baterísta de Metallica y habló de esta en términos despectivos. En plena gira Izzy no aguanta más la presión con Axl y abandona la banda (segundo golpe a la banda tras la expulsión de Steve), le sustituye en el puesto Gilby Clarke que era amigo de los Guns, ya que tocaba en los mismos clubbes, con quien cumplieron un tour de 28 meses.

Aparece en el mercado en septiembre de 1993 el disco de versiones punk, titulado The Spaghetti Incident?. Este disco compuesto en su totalidad por versiones de otros grupos, y de una tendencia más cercana al Punk de los 70 que no obstante, no logra a alcanzar la popularidad de sus anteriores trabajos. La relación tensa entre los músicos generó la disolución definitiva.

El ultimo concierto de la banda original fue en el estadio Monumental de Buenos Aires, Argentina, donde la banda tuvo uno de sus mejores conciertos en toda su historia, el espectaculo fue visto por más de 80.000 argentinos fanáticos de la banda.

Chinese Democracy (1998-2007)

En 1998 Axl Rose volvió a los estudios acompañado por el baterista Josh Freese (de the Vandals), el bajista Tommy Stinson (integrante de The Replacements), el guitarrista Robin Finck (integrante de Nine Inch Nails), el guitarrista Paul Huge (aka Paul Tobias), y el tecladista Dizzy Reed.

En 1999, el grupo sacó una nueva canción, Oh My God, que fue incluida en la banda sonora de El fin de los días. Esta canción era el preludio del nuevo disco, Chinese Democracy.

Guns N' Roses (o mas bien Axl Rose)lanzan en Noviembre de 1999 un álbum en directo, titulado Live Era '87 -'93, bajo el sello Geffen. El doble CD incluye canciones grabadas en diferentes shows a lo largo de los 6 años que se indican en el título del álbum. El álbum está mezclado por Andy Wallace. A finales de ese año, Finck volvió a Nine Inch Nails a grabar "Fragile."

En el año 2000, el excéntrico guitarrista Buckethead se unió a Guns N' Roses.

La nueva formación volvió a los escenarios en enero de 2001 con dos grandes de gran expectación, uno en Las Vegas y otro en Río de Janeiro. Formaron parte Axl Rose, los guitarristas Buckethead, Robin Finck, y Paul Huge, el bajista Tommy Stinson, los teclistas Dizzy Reed y Chris Pittman, y el batería Brain (integrante de Primus), el grupo tocó una mezcla de éxitos anteriores y nuevas canciones de su esperado disco. La formación hizo dos conciertos en Las Vegas a finales de 2001. Durante 2002, el guitarrista Paul Huge deja el grupo y es substituido por Richard Fortus, integrante de Love Spit Love. El grupo celebró varios conciertos en agosto de 2002, incluyendo conciertos en Asia y Europa, y volviendo a New York para su repentina aparición en los MTV Video Music Awards.

La primera gira del grupo desde 1993 presentó problemas. El primer concierto, en Vancouver fue cancelado porque Axl no se presentó a tiempo. Se produjo un motín. La gira siguió como estaba prevista y tuvo resultados diversos. Algunos conciertos no llenaron lugares pequeños, mientras que algunos como los de Nueva York o Boston vendieron todas sus entradas en minutos. Debido a la no comparecencia de Axl en Philadelphia y el resultado del motín de provocado por los fans, Clear Channel, el promotor de la gira, canceló el resto de conciertos. A noviembre de 2004 el grupo no ha vuelto a tocar desde el concierto del 5 de diciembre de 2002 en el Madison Square Garden en Nueva York.

Informes del grupo de 2001 y 2002 decían que Chinese Democracy sería lanzado a finales de esos años por Interscope/Geffen Records, con quienes parecía que habían arreglado las diferencias (si es que las hubo). A pesar de las protestas de Rose, legales y de otra índole, Geffen sacó a la venta Guns n' Roses' Greatest Hits el 23 de marzo. También Cleopatra records sacó el disco "Hollywood Rose: The Roots of Guns N' Roses" a principios de verano. De nuevo, Rose no pudo parar este lanzamiento.

En 2002, Q magazine nombró a Guns N' Roses en su lista de "Los 50 Grupos que deberías ver antes de morir", también en una sub-lista de los "5 grupos que pueden evolucionar de cualquier manera".

En marzo de 2004 Buckethead deja la banda, obligando a Axl Rose a cancelar el concierto del 30 de mayo en el Rock in Rio 4 (Lisboa, Portugal), incorporándose posteriormente a la banda, sustituyéndole, Ron Thal "Bumberfoot", desde mediados de 2006.

Durante los meses de mayo y junio de 2006 los nuevos Guns N' Roses han actuado, tras un precalentamiento de 4 conciertos en Nueva York (en la prestigiosa Hammerstein Ballroom), en varios países europeos, comenzando el día 25 de mayo de 2006 en Madrid y siguiendo el día 27 de Mayo en el Rock in Rio de Lisboa (en la votación de la página web del evento Guns N' Roses fue el grupo con más votos para ser incluido en el festival), para presentar (de nuevo) el nuevo disco (que finalmente según declaraciones de Axl en la radio saldrá por fin a finales de otoño), para posteriormente actuar en Inglaterra, Hungría, Alemania, 2 veces más en España (Bilbao y El Ejido), Italia, Polonia, República Checa, Bélgica, Suecia, etc.

El escándalo, sin embargo, no abandona a Axl Rose, que se peleó en Mayo de 2006 un pub neoyorquino con el afamado diseñador Tommy Hilfiger (al cual posteriormente le dedicaría la canción "You're crazy" en un concierto acustico en el cumpleaños de la actriz Rosario Dawson), así como fue detenido a principios de Julio de 2006 en Suecia a altas horas de la madrugada en estado ebrio tras pelearse e incluso morder a guardias de seguridad de un establecimiento nocturno.

El nuevo disco titulado por Axl Rose como "Chinese Democracy", con nueva fecha para el otoño americano del año 2006, tendría incluidos nuevos trabajos de larga duración y complejidad, entre ellos: There Was A Time, Better, I.R.S. y Catcher In The Rye (este ultimo con la colaboración de Brian May), que ya fueron presentados durante el tour europeo y norteamericano en el transcurso del año 2006.

Básicamente, en este tour mundial revisan en casi su totalidad el repertorio de "Appetite for Destruction", más algunas canciones de "Use Your Illusion" junto la presentación de algunas de las nuevas canciones de "Chinese Democracy". Cuenta además con las intervenciones en casi todos los conciertos de los invitados Sebastian Bach (ex vocalista de Skid Row) y el "ex" Izzy Stradlin.

A partir del 20 de Octubre Guns N' Roses regresa para dar una gira por Estados Unidos (cuyas fechas warm-up fueron realizadas en Las Vegas, San Francisco y Los Angeles en el aniversario de la emisora KROQ). Además, el pasado 29 de Septiembre se lanzó la nueva página oficial gunsnroses.com con junto al sistema de reservas de la MLB.com para la venta masiva de boletería para la gira norteamericana.

Chinese Democracy, el tan anunciado álbum del grupo angelino desde hace más de un lustro, se supone que estará a la venta ya este año con Axl Rose aún como el líder del grupo, y ya sin Slash, Matt Sorum ni Duff McKagan. “El disco ya está terminado, ya está listo. Aún no hay fecha para el lanzamiento, pero está completo”, indica la página oficial del grupo.

Distinto rumores que se han publicado dicen que tal vez "Chinese Democracy" salga un martes de diciembre de este año pero no está confirmado. Además en noviembre de 2006 se sumó a la banda el baterista Frank Ferrer para reemplazar a Brian Mantia, quien había tenido un hijo hacia algunas semanas. Posteriormente, se confirmaría que Guns N' Roses actualmente cuenta con dos bateristas. Finalmente, La ultima fecha tentativa de lanzamiento estaba fijada para algún martes antes de que finalizara el 2006 (amparados en los rumores que surgían desde la revista Rolling Stone), sin embargo, el álbum no sería lanzado este año tampoco.

El 15 de Diciembre de 2006, Axl Rose publica una carta abierta en el sitio oficial de Guns N' Roses y por primera vez en muchos años, se arriesga a anunciar una fecha oficial para el lanzamiento del álbum: 6 de marzo de 2007. Rose también deja ver que esta fecha es aproximada, afirmando lo siguiente: " "Esta es la primera vez que programamos una fecha para este álbum. Otras fechas que han circulado fueron inventadas por otros, por sus propias razones. "Ahora, queremos asegurarles a los fans que trataremos de hacer todo lo posible para editarlo en esa fecha tentativa. Una vez que el álbum esté terminado, serán notificados de manera oficial.

--- GUNS N ROSES --- "Si llegáramos a retrasarnos por diversos motivos de ahora en más, serán notificados inmediatamente, y anunciaremos una nueva fecha de lanzamiento lo más cercana posible. Les agradecemos su paciencia."

Con la carta, Rose cancela varios shows: 10 de enero de 2007 en Sacramento, 11 de enero en Bakersfield, 13 de enero en Reno, 16 de enero en San Diego. Justificando que la banda debe preparar el material que lanzará y que concentrará sus energias en el nuevo álbum. La carta también justifica los retrasos y pide disculpas a todos los fans en el mundo por la tardanza del álbum.

En diciembre de 2006, la revista de rock alternativo RIFF Fanzine www.riff-fanzine.com elige a Chinese Democracy como Disco del Año, no sabemos cómo (recordemos que el disco sigue sin editarse), pero lo hace.

Gira Mundial 2007

Se suponía que el grupo comenzaría la gira el 14 de abril en Japón, pero debido a una lesión del bajista Tommy Stinson las fechas japonesas se pospondrán. Sin embargo a finales del mes de abril se llevaran 1 acabo un concierto en Sudáfrica, el 1 de mayo habra otro, y de ahí se dirigierón a México. Este fue el regreso Guns N’ Roses a México después de casi 14 años, pues pisó suelo mexicano en 1993, con la gira Use Your Illusion. Sin embargo no fue un regreso muy afortunado pues en su presentación en Monterrey, la banda llego con cuatro horas de retraso al concierto, lo que provoco la ira y el descontento de los asistentes al concierto quienes vierón el retraso de Axl Rose como un insulto hacia ellos.

Apenas hace unos meses, el vocalista y líder de la agrupación de hard rock insistió en que su gira internacional abarcaría la mayor parte de ciudades donde conocían muy bien a sus seguidores, sin embargo. Iba a iniciar hoy en Japón el llamado Guns N’ Roses World Tour, pero tuvieron que postergarlo debido a problemas de logística, indica el website oficial del grupo, www.gunsnroses.com. Aún está indefinida la fecha del comienzo oficial, aunque no están canceladas las presentaciones de Sudáfrica y Australia.

Otros proyectos

Luego de la repentina separación de la banda, los integrantes fuera de lo que era Guns N' Roses, decidieron dedicarse a trabajos personales, con el fin de sacar todo su potencial y demostrar que podían vivir sin el nombre de la vieja banda en sus espaldas.

Saul Hudson, mejor conocido como Slash, creo el conjunto Slash's Snakepit, que salió de gira durante la mitad de la década de los 90's presentando su primer disco (It's Five O Clock Somewhere). La poca movilización por una mejor publicidad y la poco importancia del mundo hacía el hard rock en ese momento, opacado por la nueva ola del Grunge y el Brit-pop, impidió que haya tenido el éxito que realmente merecía. Luego de aquel disco puramente hard-rockero, Slash retomó las actividad (5 años después). Fue lanzado Ain't Life Grand, disco que tuvo un poco más de éxito que su antecesor y brindo un buen momento de Rock n' roll al publico defensor del mismo.

Mientras tanto, Duff McKagan se unía a Neurotic Outsiders, junto a Matt Sorum y otros grandes músicos, y realizaría distintos trabajos pasajeros en Loaded y 10 Minute Warning.

Slash, Duff McKagan y Matt Sorum formaron el grupo Velvet Revolver con Scott Weiland (integrante de Stone Temple Pilots) en 2003. El grupo contribuyó a la banda sonora de The Hulk antes de sacar su primer disco, Contraband, en Junio de 2004. Contraband debutó con un número 1 en las listas de ventas. El grupo hizo una pequeña gira antes del lanzamiento del disco y durante el invierno de 2004/2005.

Izzy Stradlin continúa sacando discos en solitario y colaboró en algunas canciones de Velvet Revolver, así como ha participado en la gira europea de 2006, en las canciones más emblemáticas.

Steven Adler hizo una gira mundial con su grupo Adler's Appetite y planea sacar un disco con ellos.

Gilby Clarke formó parte, en el año 2006, del programa televisivo Rockstar Supernova en la búsqueda de un vocalista para una nueva banda, integrada por Clarke en guitarra, Tommy Lee (Motley Crue) en baterías y Jason Newsted (ex-Metallica) en el bajo.

Discografía

* Appetite for Destruction (1987)
* G N' R Lies (1988)
* Use Your Illusion I (1991)
* Use Your Illusion II (1991)
* The Spaghetti Incident? (1993)
* Live Era '87-'93 (1999)
* Greatest Hits (2004)
* Chinese Democracy (2007)

Alineaciones

Miembros Originales de HOLLYWOOD ROSE

* Axl Rose, voces (1985-)
* Izzy Stradlin, guitarra rítmica (1985-1991-1993-2006)
* Tracii Guns, guitarra solista (1985)
* Ole Beich, bajo (1985)
* Rob Gardner, batería (1985)

GUNS N' ROSES 1986 - 1990

* Axl Rose, vocalista (1985-)
* Izzy Stradlin, guitarra rítmica (1985-1991-1993)
* Duff McKagan, bajo (1985-1995)
* Saul "Slash" Hudson, guitarra solista (1985-1994)
* Steven Adler, batería (1985-1990)

GUNS N' ROSES 1990

* Axl Rose, voces (1985-)
* Izzy Stradlin, guitarra rítmica (1985-1991-1993)
* Duff McKagan, bajo (1985-1995)
* Saul "Slash" Hudson, guitarra solista (1985-1994)
* Steven Adler, batería (1985-1990)
* Dizzy Reed, teclados (1990-)

GUNS N' ROSES 1990 - 1991

* Axl Rose, vocalista (1985-)
* Izzy Stradlin, guitarra rítmica (1991-1993)
* Duff McKagan, bajo (1985-1995)
* Saul "Slash" Hudson, guitarra solista (1985-1994)
* Matt Sorum, batería (1991-1997)
* Dizzy Reed, teclados (1990-)

GUNS N' ROSES 1991 - 1993

* Axl Rose, vocalista (1985-)
* Duff McKagan, bajo (1985-1995)
* Saul "Slash" Hudson, guitarra solista (1985-1994)
* Gilby Clarke, guitarra rítmica (1991-1992-1993)
* Matt Sorum, batería (1991-1997)
* Dizzy Reed, teclados (1990-)

Musicos De Acompañamiento:

* Ted Andreadis, Armonica(1991-1993)
* Tracy, Coros e Instrumentos de Viento(1991-1993)
* 987 Horns, Coros e Instrumentos de Viento(1991-1993)

GUNS N' ROSES 2001

* Axl Rose, voces (1985-)
* Tommy Stinson, bajo (1998-)
* Robin Finck, guitarra (1996-)
* Paul Tobias, guitarra (1994-2001)
* Buckethead, guitarra (2000-2004)
* Brian Mantia, batería (2000-)
* Dizzy Reed, teclados (1990-)
* Chris Pitman, teclados, programación y efectos de sonido (1998-)

GUNS N' ROSES 2002

* Axl Rose, voces (1985-)
* Tommy Stinson, bajo (1998-)
* Robin Finck, guitarra (1996-)
* Richard Fortus, guitarra (2002-)
* Buckethead, guitarra (2000-2004)
* Brian Mantia, batería (2000-)
* Dizzy Reed, teclados (1990-)
* Chris Pittman, teclados, programación y efectos de sonido (1998-)

GUNS N' ROSES 2006 - 2007

* Axl Rose, voces (1985-)
* Tommy Stinson, bajo (1998-)
* Robin Finck, guitarra (1996-)
* Richard Fortus, guitarra (2002-)
* Ron Bumblefoot Thal, guitarra (2006-)
* Brian Mantia, batería (2000-)
* Frank Ferrer, batería suplente (2006-) ,
* Dizzy Reed, teclados (1990-)
* Chris Pitman, teclados, programación y efectos de sonido (1998-)

Otros miembros

* Josh Freese, batería (1997-1999)
* Dave Navarro, guitarra(1997-1999)

Colaboraciones

* West Arkeen, líricas en todos los álbumes (era considerado el 6to gunner)
* Alice Cooper, voces (Use Your Ilussion I)
* Shannon Hoon, voces, coros (Use Your Ilussion I & II)
* Stuart Bailey, coros (Use Your Ilussion I & II)
* The Waters, coros (Use Your Ilussion II)
* Michael Monroe, Voz (The Spaghetti Incident?)
* Zakk Wylde, guitarra (Chinese Democracy)
* Brian May, guitarra (Chinese Democracy)

Gun's n' Roses "Sweet CHild O' Mine"

Gun's n' Roses Pacience

Gun's n' Roses Paradise City

Gun's n' Roses "Welcome to the Jungle"

Gun's n' Roses "Knocking on Heavens Door"

Scorpions

2007-11-10T10:10:00.000-08:00

Información general
Origen : Hannover, Alemania
Estilo(s) : Hard rock
Heavy metal
Rock progresivo
Tiempo :1969 – actualidad
Discográfica(s)
:Rhino,RCA,Mercury,EMI,Atlantic,WEA,BMG
Sitio web :www.the-scorpions.com

Miembros
Klaus Meine
Matthias Jabs
Rudolf Schenker
James Kottak
Paweł Mąciwoda

Scorpions, banda alemana de Hard rock y Heavy metal fundada en Hannover en el año 1965. Famosa por canciones metaleras como Rock You Like a Hurricane y No one like you y baladas como Still Loving You y Wind of Change.

Historia

Fundada en 1965 por el guitarrista Rudolf Schenker, aunque el año oficial en que se fundó es 1969 cuando el hermano pequeño de Rudolf, Michael Schenker, y Klaus Meine entraron en la banda. En 1971 sacaron su primer disco, "Lonesome Crow", y tocaron como teloneros de la banda británica UFO. Tras esta gira, Michael Schenker se unió a UFO como guitarrista, mientras Rudolf y Klaus reorganizaron la banda que consistió en Francis Buchholz (bajo), Uli Jon Roth (guitarra) y Juergen Rosenthal (batería). El sonido peculiar de Ulrich Roth (también conocido como Uli Jon Roth) marcó el sonido del grupo durante los siguientes años, en los que editaron discos tan notables como "In trance". En 1976 lanzarían "Virgin Killer" disco que cuya portada fue censurada debido a que en este aparecía una mujer desnuda mostrando sus senos. La caratula fue remplazada por una donde aparecían los miembros de la banda.

Scorpions hizo numerosas giras en Europa y llegaron a Japón en 1978 donde dejaron registrado el directo Tokyo Tapes, último disco que grabaría Uli Jon Roth en el grupo, que ya empezaba a tener diferencias musicales respecto a la línea que tomaban cara al futuro impulsada por el recién ingresado Herman Rarebell, nuevo batería que sería parte importante en un cambio de línea en Scorpions, que tendiendo a un sonido más comercial no dejaba nada satisfecho a Roth el cual siempre manifestó su disconformidad con el tema "He's a woman, she's a man" tanto en lo musical como en su letra. Roth Fue reemplazado por Matthias Jabs. Su primer concierto en America tuvo lugar en un gran festival en Cleveland, Ohio, Estados Unidos en 1979. La banda tuvo un progreso importante entre 1979 y 1983 con los álbumes Lovedrive, donde de nuevo reaparecía colaborando Michael Schenker, Animal magnetism y Blackout.

Sin embargo, fue el álbum de 1984 Love at First Sting el que finalmente aseguró a la banda una visibilidad comercial masiva entre la audiencia norteamericana. Reforzados con el éxito del single "Rock You Like A Hurricane" y sobre todo la balada " Still loving you ", Scorpions asumió un papel primordial en el mundo del heavy metal. La banda gozó de un alto grado de éxitos a lo largo de la década de los noventa gracias al álbum Crazy World y el single "Wind of Change." La canción habla de los cambios socio-políticos que entonces estaban ocurriendo en la Europa del Este al final de la Guerra Fría.

En 1992 el bajista Francis Buchholz fue despedido de la banda siendo reemplazado con Ralph Rieckerman, estrenándose en Agosto de 1993 con "Face The Heat". Tras ello salió un directo para respirar a clásicos otra vez "Live Bites" (1988-95), que incluía 3 temas nuevos también. Y en 1996 salió "Pure Instinct" que siguió por el mismo camino. A estas alturas el batería Herman Rarebell había abandonado también el grupo siendo sustituido por James Kottak.

En el año 2000 la banda publicó un disco que combinaba el rock de Scorpions con una orquesta de música clásica. Bajo el título de "Berliner Philarmoniker - Moment Of Glory" se fusionaron las canciones clásicas de Scorpions con los sonidos de la Orquesta Filarmónica de Berlín, considerada una de las mejores del mundo. El tema "Moment Of Glory" presente en este disco fue el himno oficial de la Expo 2000 de Hannover, ciudad natal de Scorpions. Dentro de esta época de cierta decadencia éste es su trabajo más destacable.

En 2001 el grupo continuó experimentando y lanzó "Acoustica", un disco "unplugged" grabado en el marco del Convento do Beato, en Lisboa.

En 2004 lanzan el álbum "Unbreakable" que fue un intencionado retorno a su sonido más popular y exitoso de los ochenta. Sin embargo el disco Humanity hour I vuelve a evolucionar un paso más no quedándose estancado en el sonido que les dio tanta fama.

A pesar del hecho que Scorpions tocó por primera vez en Albania en el verano del 2000, a inicios de los noventa el término scorpions nació en ese país para describir a la juventud con corte de pelo a la moda y con gustos musicales modernos.

Componentes

Miembros actuales

* Klaus Meine- voz.
* Matthias Jabs- guitarra solista.
* Rudolf Schenker- guitarra rítmica.
* Paweł Mąciwoda- bajo.
* James Kottak- batería.

Cronología
1966-1972

* Klaus Meine (vocal)
* Rudolf Schenker (guitarra)
* Michael Schenker (guitarra)
* Lothar Heimberg (bajo)
* Wolfgang Dziony (batería)

1973-1977

* Klaus Meine (vocal)
* Rudolf Schenker (guitarra)
* Uli Jon Roth (guitarra)
* Francis Buchholz (bajo)
* Jurgen Rosenthal (batería)
* Rudy Lenners (batería)

1978-1992

* Klaus Meine (vocal)
* Rudolf Schenker (guitarra)
* Francis Buchholz (bajo)
* Herman Rarebell (batería)
* Matthias Jabs (guitarra)

1993-2005

* Klaus Meine (vocal)
* Rudolf Schenker (guitarra)
* Matthias Jabs (guitarra)
* Ralph Rieckermann (bajo)
* Herman Rarebell (batería)
* Curt Cress (batería)
* Ken Taylor (bajo)
* James Kottak (batería)
* Paweł Mąciwoda (bajo)

Discografía

Álbumes

* Lonesome Crow (1972)
* Fly to the Rainbow (1974)
* In Trance (1975)
* Virgin Killer (1976)
* Taken by Force (1977)
* Tokyo Tapes (en directo, 1978)
* Lovedrive (1979)
* Animal Magnetism (1980)
* Blackout (1982)
* Love at First Sting (1984)
* World Wide Live (directo, 1985)
* Savage Amusement (1988)
* Crazy World (1990)
* Face the Heat (1993)
* Live Bites (directo, 1995)
* Pure Instinct (1996)
* Eye II Eye (1999)
* Moment of Glory (con la Orquesta Filarmónica de Berlín, 2000)
* Acoustica (Unplugged, 2001)
* Unbreakable (2004)
* Humanity Hour 1 (2007)

Recopilatorios

* The Best of Scorpions Vol. I (1984)
* The Best of Scorpions Vol. II (1984)
* Still Loving You (1 EP : 1 Single) (1984)
* Best of punkers 'n' Ballads (1989)
* Deadly Sting: The Mercury Years (1997)
* 20th Century Masters: The Best of Scorpions (The Millennium Collection) (2001)
* Classic Bites (2002)
* Bad For Good: The Very Best Of Scorpions (2002)
* Box Of Scorpions (2004)
* Gold (2006)

Vídeos y DVDs

* First Sting (VHS, 1985)
* World Wide Live (VHS, 1985)
* To Russia With Love And Other Savage Amusements (VHS, 1988; DVD, 2003)
* Crazy World Tour Live (VHS, (1991; DVD, 2002)
* Moment of Glory (con la Berliner Philharmoniker) (DVD, 2001)
* Acoustica (DVD, 2001)
* A Savage Crazy World (DVD, 2002)
* Rock You Like A Hurricane (DVD, 2003)
* Unbreakable World Tour 2004: One Night in Vienna (DVD, 2005)

Scorpions "Still for Loving You"

Scorpions "Rock Like A Hurricane"

Poison

2007-11-10T09:57:00.000-08:00

Poison es una banda de Glam Metal estadounidense que fue popular a finales de los años 1980 y principios de los '90, con más de 15 millones de álbumes vendidos solo en su país, siendo de las bandas representativas de ese género.

El estilo estrafalario en el vestir y del peinado en los inicios de la banda atrajo a un gran número de seguidores, sin dejar atrás los videos musicales coloridos y con situaciones divertidas, siguiendo con la tendencia de otros grupos de gran éxito como Bon Jovi, Mötley Crüe, Def Leppard, etc.

Inicios

Los inicios de la banda fueron por el año 1983 en Harrisburg, Pensilvania, gracias a que Rikki Rockett (baterista) era el estilista de la hermana de Bret Michaels (vocalista) así fue como se conocieron y luego reclutaron a Bobby Dall (bajista) y después se les unio Matt Smith (guitarrista).Después de haberse mudado a Los Angeles, California, Matt Smith decidió regresar a Pensilvania ya a que su novia estaba esperando su primer hijo, reemplazándolo C.C. DeVille quien se convertiría en el guitarrista principal.

Llega el éxito

En 1986 Poison graba su primer álbum Look what the cat dragged in, que incluía tres hits: "Talk Dirty to me", "I Want Action" y "I Won't Forget You". El álbum llegó a vender 2 millones de copias. En el año 1987 la banda graba el cover de Kiss: "Rock and Roll all night", que se usó dentro del soundtrack de la película "Less than Zero".

En 1988 Poison lanza su segundo disco titulado Open up and say... Ahh! que vendió 8 millones de copias en todo el mundo, el disco incluyó los éxitos: "Every Rose has its thorn", "Nothin' but a good time", "Fallen Angel" y el cover "Your Mama don't dance".

El tercer Álbum llegó en 1990, llamado Flesh & Blood también gozó de mucho éxito, el disco fue multi-platino, donde sobresalieron tres sencillos: "Unskinny Bop", "Ride the wind" y la balada "Something to Believe in".

Los años posteriores

Los problemas comenzaron a causa de las adicciones del Guitarrista C.C. DeVille, el cual fue remplazado por Richie Kotzen. En 1993 con Kotzen sacan su cuarto disco llamado: Native Tongue. El nuevo álbum fue fuertemente influenciado por el estilo Kotzen e ideas frescas, contribuyendo a la letra de las canciones, lo que marco un nuevo estilo en la música de la banda. El disco contiene el sencillo "Stand" y recibió positivas críticas, aunque no le fue muy bien en ventas, vendiendo un millón de copias. Los problemas no dejaron la banda, agudizándose con el romance entre Kotzen y la prometida de Rikki Rocket, Kotzen fue expulsado y remplazado por Blues Saraceno.

Poison comenzó a grabar su sexto álbum Crack a Smile en 1994, pero la grabación se suspendió abruptamente debido a un accidente donde se vio involucrado el vocalista Bret Michaels, el cual perdió el control de su Ferrari sufriendo fractura de huesos y pérdida de cuatro dientes. Después de la recuperación en 1995 la banda continuó grabando.

Para este momento el Rock Pesado había perdido popularidad y para contrarrestar un poco la situación, la banda saco un disco de éxitos en 1996 que fue platino y después de 8 años de separación Michaels y DeVille arreglaron sus diferencias y la reunión finalmente fue en 1999

Para el 2000 finalmente el álbum Crack a Smile pudo ser lanzado, posteriormente en el mismo año Poison lanza Power of the people que marcó el regreso de C.C. DeVille a la banda.

En el año 2002 Poison lanza su más reciente álbum Hollyweird y en el 2004 Poison abre los conciertos para Kiss en el "Tour Rock the Nation", para el 2005 el sencillo "Nothin' but a good time" aparece en el Soundtrack de la película Mr. & Mrs. Smith.

Poison celebró su 20 aniversario con el lanzamiento del recopilatorio "The best of Poison: 20 years of rock" el cual fue acompañado de una gira de verano por Norteamérica, incluyendo en sus últimas fechas presentaciones en Puerto Rico y México.

Para 2007 y gracias a una sugerencia de Capitol Records, Poison entra al estudio a grabar un disco de covers que se titula Poison'D bajo la producción de Don Was. Este trabajo saldrá a la venta el 5 de Junio y traerá covers de Alice Cooper, The Romantics, Sweet y Tom Petty, entre otros.

Miembros actuales

* Bret Michaels-voz, guitarra rítmica y armónica.
* C.C. DeVille-guitarra solista.
* Bobby Dall-bajo y teclados.
* Rikki Rocket-batería.

Discografía

* 1986: Look What the Cat Dragged In #3 US

* 1988: Open Up and Say...Ahh! #3 US

* 1990: Flesh and Blood (álbum de Poison)|Flesh & Blood #2 US

* 1991: Swallow This Live #51 US

* 1993: Native Tongue (álbum)|Native Tongue #16 US

* 1996: Poison's Greatest Hits: 1986-1996

* 2000: Crack a Smile #131 US

* 2000: Power to the People (álbum)|Power to the People #166 US

* 2002: Hollyweird #103 US

* 2003: Best of Ballads & Blues (álbum) | Best of Ballads & Blues

* 2006: The Best Of Poison: 20 Years Of Rock

* 2007: Poison'D

Singles

* "Talk Dirty To Me" (1987) #9 US; #67 UK
* "I Want Action" (1987) #50 US
* "I Won't Forget You" (1987) #13 US
* "Nothin' But A Good Time" (1988) #6 US; #35 UK
* "Fallen Angel" (1988) #12 US; #59 UK
* "Every Rose Has Its Thorn" (1988) #1 US; #13 UK
* "Your Mama Don't Dance" (1989) #10 US; #13 UK
* "Unskinny Bop" (1990) #3 US; #15 UK
* "Something To Believe In" (1990) #4 US; #35 UK
* "So Tell Me Why (1990) #25 UK
* "Ride The Wind" (1991) #38 US
* "Life Goes On" (1991) #35 US
* "Stand" (1993) #50 US; #25 UK
* "Until You Suffer Some (Fire And Ice)" (1993) #32 UK

Poison "Fallen Angel"

Poison "Every Rose Has his Torn"

Poison "I Won't Forget You"

Mr.Mister

2007-11-10T09:46:00.000-08:00

Mr. Mister, fue una banda norteamericana de estilo Pop/Rock y Soft/Rock, formada en Los Angeles, California, en el año 1982.

Sus integrantes:

Richard Page: Vocalista y Bajos
Steve George: Teclados
Pat Mastelotto: Batería Electrónica
Steve Farris: Guitarra
Firmaron contrato en el año 1984, con RCA Records.
Su mayor éxito fue la balada-pop Broken Wings, en 1985.
Se separaron en 1989.

Discografía

1984: I Wear The Face
1985: Welcome To The Real World
1987: Go On
1989: Pull (álbum de relanzamiento)

Mr.Mister "Broken Wings"

Mr.Mister "Kirie"

Grace Jones

2007-11-10T09:39:00.000-08:00

Grace Jones (19 de mayo de 1948), nacida Grace Mendoza en Spanish Town (Kingston, Jamaica) es una modelo, cantante y actriz.

Jones destaca por su sofisticada imagen y una apariencia perturbadoramente andrógina que a finales de los 70 y principios de los 80 cuestionaba agresivamente tanto los estereotipos raciales como los sexuales y de género asociados al cuerpo de una mujer negra.

Vida personal

Grace Mendoza nació el 19 de mayo de 1948 en Spanishtown (Jamaica). Con pocos años se trasladó a Syracuse, Nueva York, donde estudió teatro en la Syracuse University. Posteriormente inició su carrera como modelo contratada por la agencia Wihelmina de Nueva York, pero su físico no encajaba bien en el mercado estadounidense así que la agencia pronto la envió a Europa donde el mundo de la moda se rindió a sus pies. Su particular androginia (en muchas ocasiones se ha establecido el falso rumor de que era un transexual) la ayudó a hacerse un nombre en las pasarelas de París copando las portadas de revistas como "Elle" o "Vogue".

A finales de los 70, comenzó a frecuentar locales como la mítica discoteca "Studio 54", donde entabló amistad con Andy Warhol y se convirtió en una estrella de la noche neoyorquina.

Se casó con el diseñador y creativo francés Jean Paul Goude con quien tuvo a su hijo Paulo. Más adelante mantuvo una larga relación con el actor Dolph Lundgren.

Carrera musical

Su carrera musical se inició en plena fiebre de la música disco. Gracias a una imagen extremadamente elaborada (sus primeros managers en el mundo de la música, Simon y Eileen Berlin, contrataron al diseñador Richard Berstein, por sugerencia de amigos comunes como Andy Warhol y el agente de prensa John Carmen, para crear impactantes primeros planos que salieron en las portadas de sus primeros sencillos en Beam Junction y los tres primeros albums de Island) y enormes éxitos en la comunidad gay como su ambiguo "I Need A Man" (según su marido Jean Paul Goude cuando la vio por primera vez fue cantando "Necesito un hombre" en una discoteca gay: "una mujer que parecía un hombre cantando necesito un hombre para un público enfervorecido de hombres gays"), Grace Jones pronto se vio convertida en una de sus figuras centrales y firme sucesora de la reina indiscutible de la música disco Donna Summer. En 1977 grabó su primer álbum "Portfolio", un trabajo orientado hacia la música disco que incluía una particular versión del clásico francés "La vie en rose". En 1978 grabó su segundo trabajo, "Fame" y en poco tiempo logró convertirse en musa de la cultura gay, realizando en 1979 su propio show en directo, "Queen of the Gay Discos."

Con el declive del estilo disco, Grace dio un giro radical a su carrera al iniciar una acertadísima colaboración creativa con Sadkin y Blackwell en Island Records creando un sonido muy único que se apoyaba en el dub reggae. Las míticas sesiones de los estudios Compass Point darían paso a verdaderas joyas musicales como el innovador "Warm Leatherette" o la que se considera su obra cumbre "Nightclubbing". En 1981 su creciente estrellato se confirmó cuando ganó un premio Grammy por el innovador video musical "A One Man Show" (también conocido como "State of Grace") que dirigió su marido Jean paul Goude basándose en el innovador espectáculo que Grace llevó a Londres y Nueva York.

Su siguiente trabajo, "Living My Life", continuó en la línea de dub-reggae aportándole considerables éxitos como "Nipple To The Bottle", "The Apple Stretching," y "My Jamaican Guy", esta última escrita por ella y muy sampleada a lo largo de los años.

A mediados de los 80, abandono la que había ido su discográfica de toda la vida para trabajar junto a Trevor Horn en el collage conceptual-musical "Slave to the Rhythm" (1986), un nuevo cambio de dirección que la llevaría hacia la música R&B y hip-hop. El extraordinariamente bien recibido álbum consistía en varias remezclas de la canción que daba nombre al mismo intercaladas con samplers, especialmente la voz der su marido y svengali Jean Paul Goude relatando su biografía. El siguiente año abandonó definitivamente el sello Island y grabó con Nile Rodgers "Inside Story" (1986) para el sello Manhattan, un álbum que le proporcionó su último éxito en el US Hot 100 hasta la fecha, "I'm Not Perfect (But I'm Perfect For You)", aunque tuvo una acogida pobre.

En 1989 publicó en el sello Columbia el que hasta la fecha es su último trabajo, "Bulletproof Heart". Un peculiar canto del cisne que le dio el número 1 en la lista US club hit "Love on Top of Love - Killer Kiss". Producido por David Cole y Robert Clivilles de C+C Music Factory, este álbum se adentraba más aún en los ritmos R&B y hip-hop.

Desafortunadamente, el que habría sido su nuevo disco se vio truncado por desacuerdos con el productor, el músico de Bristol Tricky, en cuya discográfica Durban Poison debería haber salido. En una entrevista concedida para la revista Mirror de Montreal Grace Jones declaró que el álbum iba a ser "techno y jungle con muchos remixes dance".

Carrera actoral

En 1973 debutó como actriz en la película "Gordon's War", pero su debut en grandes producciones llegó en "Conan el destructor"(1984), donde encarnaba a la brutal guerrera Zula. Su agresividad en el plató fue tal que Arnold Schwazenegger, protagonista de la película, se quejó en repetidas ocasiones de su exceso de dureza y la dificultad de trabajar con alguien tan agresivo.

En 1985 intervino en "Panorama para matar" y pese a que para muchos sigue siendo la chica bond menos sexy de la historia, su particular físico encajó perfectamente como la malvada y letal May Day.

Poco después su carrera se estancó en largometrajes de escasa entidad como "Vamps" (1986), una producción de vampiros destinada al público juvenil o la comedia Siesta (1987). También en esta época protagonizó el anuncio de la nueva versión del Citroën CX, el llamado Serie 2, donde se identificaba la personalidad de Jones con la del propio coche, como quedaba reflejado en el eslogan final "la bestia salvaje", ademas de ofrecer un cocepto visual vanguardista.

El resto de su carrera actoral, a excepción de su rol secundario en la fracasada comedia de Eddie Murphy "Boomerang, el príncipe de las mujeres (1992), ha transcurrido en títulos destinados a la televisión y el vídeo tan poco memorables como "Cyber Bandits" (1995), "La isla de McCinsey" (1998) o "Palmer's Pick Up" (1999).

En los últimos años ha intervenido como actriz en diversas series o miniseries como "Shaka Zulu: The Citacel" (2001).

Carácter provocador

Su fuerte personalidad también le ha pasado factura en muchas ocasiones. La más sonada fue en 1981, un polémico episodio en la televisión británica en el que abofeteó en directo al presentador Russell Harty porque le había dado la espalda para hablar con otro invitado. También en 1998 la expulsaron de una actuación en Disneylandia tras enseñar uno de sus pechos.

En la television chilena, no fue menor su manera de llamar la atención, en el programa “Vamos a Ver” conducido por el gran maestro Raúl Matas, que se transmitía en Televisión Nacional "actual TVN" Canal 7, Tvchile para el resto del mundo. Grace hizo la gracia de comerce una planta que formaba parte de la escenografia.

En una encuesta de la revista "Men's Health", los lectores masculinos declararon a Grace Jones (junto a Hillary Clinton, RuPaul y, por supuesto, "mi madre") la mujer que más les asustaba.

Apareció en la revista Playboy en septiembre de 1987.

Discografía

Albums

* Portfolio (Island) 1977
* Fame (Island) 1978
* Muse (Island) 1979
* Warm Leatherette (Island) 1980, US Dance chart #20
* Nightclubbing (Island) 1981
* Living My Life (Island) 1982
* Island Life (Island) 1985 - compilation
* Slave to the Rhythm (Manhattan/Island) 1985
* Inside Story (Manhattan) 1986
* Bulletproof Heart (Capitol) 1989
* Island Life 2 (Universal International) 1996 - compilation
* Private Life: The Compass Point Sessions (Island) 1998 - compilation
* 20th Century Masters-The Millennium Collection: The Best Of Grace Jones (Island) 2003 - compilation
* Universal Masters Collection (Universal) 2003 - compilation
* The Collection (Spectrum) 2004 - compilation
* Fame / Muse (No Label) 2005 - 2 Rare Albums On Single CD!
* The Grace Jones Story (Island Cat # 9833286) 2006 - Compilation

Sencillos

* Sorry 1976, Hot 100 #71, US Dance chart #7
* That's The Trouble 1976, Hot 100 #71, US Dance chart #7
* I Need A Man 1977, Hot 100 #83, US Dance chart #1
* La Vie En Rose 1977, US Dance chart #10
* Do Or Die 1978, US Dance chart #3
* Comme Un Oiseau Qui S'envole 1978
* Fame 1978, US Dance chart #3
* On Your Knees 1979, US Dance chart #28
* Private Life 1980
* She's Lost Control 1980
* Warm Leatherette 1980
* A Rolling Stone 1980
* Breakdown 1980
* Love Is The Drug 1980
* Pars 1980
* The Hunter Gets Captured By The Game 1980
* Pull Up To The Bumper 1981, US Dance chart #2
* Feel Up 1981
* Demolition Man 1981
* I've Seen That Face Before 1981
* Use Me 1981
* Walking In The Rain 1981
* My Jamaican Guy 1982
* Nipple To The Bottle 1982, US Dance chart #2
* The Apple Stretching 1982
* Cry Now, Laugh Later 1983, US Dance chart #33
* Living My Life 1983
* Slave To The Rhythm 1985, US Dance chart #1
* Jones The Rhythm 1985
* I'm Not Perfect (But I'm Perfect For You) 1986, Hot 100 #69, US Dance chart #4
* Party Girl 1986, US Dance chart #19
* Victor Should Have Been A Jazz Musician 1986
* Crush 1986, US Dance chart #32
* Election Day 1986, Arcadia, Billboard top 100, Grace does Bridge at (3:00)
* Love On Top Of Love / Killer Kiss 1989, US Dance chart #1
* Amado Mio 1990, US Dance chart #11
* 7 Day Weekend 1992
* Sex Drive 1993, US Dance chart #1
* Evilmainya 1993
* Slave To The Rhythm 1994, 2 original + 8 new remixes
* Love Bites 1996
* Storm 1998
* Pull Up To The Bumper 2000 remix by Funkstar De Luxe, US Dance chart #4

Filmografía

* Gordon's War (1973)
* Let's Make a Dirty Movie (1976)
* Army of Lovers or Revolution of the Perverts' (1979) (documentary)
* Deadly Vengeance (1981)
* Made in France (1984) (documentary)
* Conan the Destroyer (1984)
* A View to a Kill (1985)
* Vamp (1986)
* Straight to Hell (1987)
* Siesta (1987)
* Boomerang (1992)
* Cyber Bandits (1995)
* McCinsey's Island (1998)
* Palmer's Pick Up (1999)
* Shaka Zulu: The Last Great Warrior (2001)
* Blood Moon/ Wolf Girl (2001)

Grace Jones "Slave to the Rythm"

Grace Jones "I'm Not Perfect"

Barbra Streisand

2007-11-10T09:24:00.000-08:00

Barbra Streisand (Pronunciado StrAIsand), (nacida el 24 de abril de 1942 en Brooklyn); cantante estadounidense. También ha ejercido como actriz, productora, compositora y directora de cine y se ha significado por su activismo político liberal. Apreciada sobre todo por su poderosa y excepcional voz, está considerada una de las artistas femeninas de la música popular con más éxito en la historia moderna del espectáculo y es la única mujer en la lista de los diez artistas musicales estadounidenses con más ventas de la historia.

Primeros años

Nacida como Barbara Joan Streisand en el seno de una familia judía en Williamsburg, Brooklyn, Nueva York, cursó estudios en el Colegio Beis Yakov y el Instituto Erasmus Hall de Brooklyn. Entre 1959 y 1961 toma arte en varias producciones independientes (off-off) de Broadway y asiste a clases de actuación en Manhattan.

Aunque siempre quiso ser actriz, fue su éxito arrollador como cantante, en clubes nocturnos neoyorkinos tan famosos como el Bon Soir y el Blue Angel, el que le abrió las puertas del mundo del espectáculo. Firmó su primer contrato con Columbia Records en 1962, con una cláusula que le concedía absoluto control artístico sobre la elección del material musical a elegir, algo sin precedentes hasta ese entonces en la industria discográfica. Su primer álbum, The Barbra Streisand Album ganó dos premios Grammy en 1963 y se convirtió pronto en el disco más vendido por una vocalista femenina en Estados Unidos. Con sus siguientes dos discos repetiría el mismo éxito de ventas, llegando en un momento a tener tres álbumes en las listas de los diez más vendidos de Billboard, en una época en que el rock'n roll y The Beatles dominaban las listas de éxitos.

Debutó en Broadway en 1962 en el musical I Can Get It For You Wholesale, en el papel de la secretaria Miss Malmerstein, con una interpretación que le proporcionó críticas muy favorables y una nominación al Tony como actriz secundaria y después como Fanny Brice en Funny Girl (1964), de Jules Styne, que fue un éxito instantáneo y por el que recibió una segunda nominación al Tony, esta vez como actriz principal. El especial de televisión para la CBS My Name is Barbra, catapultó su éxito a escala nacional, dándola a conocer como cantante y actriz y proporcionándole más reconocimiento de crítica. A este especial seguirían otros (Color Me Barbra, The Belle of Fourteen Street, A Happening in Central Park, Barbra Streisand and Other Musical Instruments, etc) con igual éxito.

Carrera cinematográfica

Su primera película fue un revival de su éxito en Broadway "Funny Girl" (1968), por el que ganó el Oscar a la Mejor Actriz en el mismo año, compartiéndolo con Katharine Hepburn por "El león en invierno" (Lion In Winter), la primera vez en la historia que se producía un empate en esta categoría de los premios. Sus siguientes dos películas, super-producciones basadas también en musicales, fueron "Hello, Dolly!" (1969), a partir de un guión de Jerry Herman y dirigida por Gene Kelly, y "Vuelve a mi lado", (On A Clear Day You Can See Forever, 1970), de Alan Jay Lerner y Burton Lane y dirigida por Vincente Minnelli. Su cuarta película, "El búho y la gatita" (The Owl and The Pussycat, 1970), fue su primer papel "contemporáneo" y no musical en el cine. Esta película está basada en la obra teatral homónima de Broadway y fue dirigida por Herbert Ross, con quien la unía un contrato que la obligó a repetir trabajo en la secuela de "Funny Girl", "Funny Lady", junto a James Caan, en 1975. En 1972 protagoniza junto a Ryan O'Neal la comedia de Peter Bogdanovich "¿Qué me pasa, doctor?" (What's Up, Doc?). Su trabajo en 1973 en el drama romántico "Tal como éramos" (The Way We Were) junto a Robert Redford y dirigida por Sydney Pollack, le proporcionó un gran éxito de crítica y una segunda nominación al Oscar.

En 1969 funda, junto a Paul Newman, Steve McQueen y Sidney Poitier, la productora First Artists, con la que produce en 1972 su primera película, "Up the Sandbox", dirigida por Irvin Kershner. A partir de 1972, año en que funda su productora Barwood Films, produce varias de sus películas: "Ha nacido una estrella", "The Main Event" o "Nuts". En 1983 produjo, dirigió, escribió y protagonizó "Yentl", experiencia que posteriormente repetiría como directora de "El Príncipe de las Mareas" (The Prince of Tides, 1991) y "El Amor Tiene Dos Caras" (The Mirror Has Two Faces, 1996). Steven Spielberg calificó "Yentl" de obra maestra ("uno de los debuts más dinámicos en la dirección desde el "Ciudadano Kane" de Welles") y muchos críticos alabaron la película, pero la Academia ignoró a la nueva directora a la hora de las candidaturas a los premios Oscar. Años después, se produjo una gran controversia cuando "El príncipe de las mareas" obtuvo candidaturas para varias categorías, incluida la de mejor película y, sin embargo, Streisand no fue nominada como mejor directora. Algunas opiniones lo achacaron a su bien conocido temperamento duro e intransigente, mientras otros pensaban que Hollywood la castigaba por ser mujer, ya que de haber sido hombre, incluso con el mismo temperamento, se lo hubieran concedido. Barwood Films ha producido también varios dramas para la televisión. El primero de ellos, "Serving In Silence: The Margarethe Cammermeyer Story", fue galardonado con tres premios Emmy en 1995.

Esta polifacética artista ha conseguido a lo largo de los años dos premios Oscar, cinco Emmys y diez Globos de Oro así como diversos premios, entre ellos un Tony, varios Cable Ace y Peabody. Su segundo Oscar le fue otorgado como compositora de la canción Evergreen de la película "Ha nacido una estrella" (A Star Is Born, 1976), también producida y protagonizada por ella. En 1995 recibió un Grammy en reconocimiento a toda su carrera. En 1996 obtuvo una segunda nominación al Oscar como compositora, esta vez junto a Bryan Adams, como co-autores de la canción "I Finally Found Someone" de su película "El Amor Tiene Dos Caras" (The Mirror Has Two Faces).

En 2004, Streisand reapareció en la gran pantalla coprotagonizando la comedia "Los padres de él" (Meet the Fockers), con Dustin Hoffman, Ben Stiller y Robert De Niro entre otros, película que ha tenido un gran éxito comercial y ha dado a la actriz positivas críticas.

Barbara Streisand "Woman In Love"

Berlin

2007-11-10T09:05:00.000-08:00

Berlin es una banda estadounidense de estilo New Wave. Formada en 1979 en California y liderada por la cantante Terri Nunn.

Su canción más famosa mundialmente fue Take My Breath Away (1986), del soundtrack de la película Top Gun. Éste fue nominado a los premios Oscar. El tema fue compuesto por Giorgio Moroder.

Berlin "Take My Breath Away"

Bruce Springsteen

2007-11-10T08:34:00.000-08:00

Bruce Springsteen

Información general
Nombre :Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirilli
Alias :The Boss
Nació :23 de septiembre de 1949
Freehold, New Jersey
Estilo(s) :rock, rock urbano
Ocupación(es) :Cantante, guitarrista, compositor
Instrumento(s) :voz, guitarra, armónica, piano
Tiempo : 1972—presente
Discográfica(s) :Columbia
Relacionado/a con :E Street Band
Sitio web www.brucespringsteen.net

Bruce Frederick Joseph Springsteen (Freehold, New Jersey, 23 de septiembre de 1949), llamado The Boss (El Jefe) es un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de rock.

Biografía

Bruce Frederick Joseph Springsteen Zirilli. Nació en Freehold, New Jersey, EE UU, el 23 de septiembre de 1949 de padre irlandés (Douglas Springsteen) y de madre italiana (Adele Zirilli). Creció en Freehold, Nueva Jersey.

Su inspiración para dedicarse a la música vino cuando vio a Elvis Presley en el Ed Sullivan Show. A la edad de 13 años compró su primera guitarra. A los 16, su madre consiguió un préstamo para comprarle una guitarra Kent que costaba US$ 60, evento que rememoró en su canción "The Wish" (El deseo). En 1965, se convirtió en guitarrista del grupo The Castiles, y luego también asumió el papel de vocalista principal.

Editó su primer disco en 1973, llamado "Greetings from Asbury Park", que vendió apenas 25.000 copias y tuvo poca acogida por la crítica. Su siguiente disco fue "The Wild, the Innocent and the E street Shuffle", editado el mismo año, que tuvo una repercusión mayor. Estos dos discos se caracterizaron por canciones largas y densas con gran expresividad en las letras.

Su primer éxito de público y crítica fue el álbum "Born to Run" (1975), álbum que contiene algunas de las mejores composiciones de la carrera de Springsteen, y a su vez de la historia del rock. Se trata de temas como Born to Run, Jungleland o Thunder Road.

Con "Born to Run", que fue número 1 en Estados Unidos, logró convertirse en uno de los referentes americanos del rock urbano, aunque fue también el inicio de una etapa de penurias judiciales. Los dos años siguientes se los pasó pleiteando con Mike Apple, su antiguo manager, por los derechos de sus canciones y tuvo que pasar casi dos años sin poder editar ningún disco.

Superado el litigio con Mike Apple, quien renunció a la posesión de los derechos de las creaciones de Springsteen y a su labor como manager-productor a cambio de una compensación económica, y cuando parecía que su despegue había sido frenado, publicó en 1978 "Darkness on the edge of town", uno los discos más emblemáticos de su carrera, comienzo de su mejor etapa como poeta urbano, con historias desgarradoras de lucha y supervivencia protagonizadas por individuos viviendo en los márgenes del sueño americano. Dos años después llegó su contundente "The River" (1980) un álbum doble que le catapultó de nuevo al número uno. Un derroche de rock and roll y expresividad, que lo llevó a la cima. Sin embargo, cuando todo el mundo esperaba continuidad en su música, lanzó "Nebraska" (1982), un disco intimista, acústico, grabado por el propio Springsteen con una máquina de 8 pistas en un cuarto de su casa donde nuevamente el lado más amargo de la América profunda salía a relucir en una obra de fuerte denuncia social. Aplaudido por la crítica pero con ventas más discretas que su anterior trabajo debido a su escasa vocación comercial, "Nebraska" se ha convertido con los años en pieza de referencia para otros artistas y una obra de culto entre sus seguidores más acérrimos.

Fue en los años ochenta cuando se convirtió en una estrella internacional y en un ídolo de la cultura popular de Estados Unidos, gracias a su disco "Born in the U.S.A." (1984) del cual vendió más de 40 millones de copias en todo el mundo.

En plena vorágine "springsteniana" su discográfica logró por fin lo que hacía años le reclamaban los fans del cantante, la publicación de un álbum en directo. Tanto Springsteen como su banda de acompañamiento, la E Street Band, se habían forjado durante años una reconocida reputación debido a la calidad y a la intensidad de sus actuaciones. Sin embargo, hasta la fecha el de New Jersey se había negado a sacar a la luz ninguna de las grabaciones realizadas durante sus giras para desesperación de sus seguidores que se tenían que conformar con coleccionar todo tipo de grabaciones amateur de dudosa calidad. El quíntuple disco "Live 75-85" recogía su trayectoria en vivo en los últimos 10 años, haciendo especial incidencia en la mega-gira que siguió a la publicación de "Born In The U.S.A.". Denostado por algunos por las canciones no incluidas y por su producción y adorado por otros la histeria producida en el momento de su publicación, llevó a muchos fans en EE. UU. a pasar la noche anterior haciendo cola delante de las tiendas de discos durmiendo en la calle. En Italia llegó incluso a desaparecer un camión trailer cargado con copias del "Live 75-85" a su paso por la frontera con Francia para su venta en el mercado negro.

En 1987, casado con su primera esposa la actriz Julianne Phillips, saca a la luz "Tunnel of love" que nos presentaba a un Springsteen más romántico e íntimo, interesado en explorar los recovecos de las relaciones de pareja y los miedos y carencias personales. Fue número uno fulgurante y en su elaboración ya se anunciaban algunos cambios en la trayectoria del Boss, ya que por primera vez no llamó a toda la E Street Band para su grabación sino que preparó por su cuenta las diferentes canciones, llamando esporádicamente a algunos componentes del grupo para que participasen individualmente en la finalizacion de las composiciones. Durante la gira que siguió al disco se hizo pública la ruptura de su matrimonio con Julianne Phillips, y unas semanas después se embarcaría junto a la E Street Band en una gira en conmemoración de los 40 años de la declaración de los derechos humanos promovida por Amnistía Internacional que resultaría ser la última gira con sus músicos de toda la vida durante los próximos diez años.

A partir de 1991 comienza una nueva etapa en la carrera del músico norteamericano, casado ahora con Patti Scialfa, corista de la disuelta E Street Band. Con dos niños y un tercero en camino, Springsteen trata de reflejar la estabilidad y la felicidad alcanzada en su nuevo matrimonio y en su reciente paternidad en dos álbumnes que por primera vez no obtienen el apoyo de crítica y público que acostumbraba. "Human Touch" (1992), grabado en Los Ángeles con diferentes músicos de estudio, y "Lucky town" (1992), grabado por él mismo en el garaje-estudio de su casa, pasan por los dos trabajos más discretos del artista, y la gira realizada a continuación fue mostrada tímidamente en "MTV plugged" (1993) y realizada con músicos reconocidos, pero que no podían competir contra el espectro de la mítica E Street Band. Fue una de las giras en las que menos apoyo recibió el cantante por parte de sus seguidores.

En 1994 obtuvo un Oscar de Hollywood por la canción "Streets of Philadelphia" incluida en la banda sonora de la película "Philadelphia" (1992), dirigida por Jonathan Demme, y con ello comenzó a recuperar parte del prestigio puesto en duda en su última etapa musical.

En 1995 se editó un recopilatorio de sus mejores canciones hasta la fecha y 4 temas nuevos grabados junto a la E Street Band. Éste fue el principio de su definitiva reunión con su antigua banda. Poco después, en 1996, se editó un DVD titulado "Blood Brothers" que recoge el reecuentro y la grabación junto a la E Street Band. Pero aún deberían pasar algunos años más ya que unos meses después Springsteen sorprendió al mercado con un movimiento similar al que hizo en 1982 publicando "The Ghost Of Tom Joad" 1995, trabajo íntimo, principalmente acústico, basado en la novela de John Steinbeck "Las Uvas de la Ira" donde aparece el cantante de New Jersey en solitario nuevamente relatando historias de aquellos personajes que son dejados de lado en la carrera por el "sueño americano".

En 1998 editó una caja de cuatro CDs que incluían una amplia selección de material descartado a lo largo de su carrera, un material que de una forma u otra no encajó en sus anteriores trabajos. Este álbum le sirvió, ahora sí, para volver a los escenarios junto a la E Street Band en una gira mundial de la que salió "Live in New York City", álbum y DVD en directo grabados durante dos de las diez noches consecutivas que actuó en el Madison Square Garden, Nueva York.

Ya en el nuevo siglo, se produce un giro importante en su carrera. Graba el álbum "The Rising" 2002 con un nuevo productor, Brendan O'Brien. El cambio de sonido es evidente y vuelve a las raíces de su rock más puro y demoledor, incorporando nuevos instrumentos y armonías. Algunas de las letras están inspiradas en los atentados del 11 de septiembre en Nueva York. El éxito fue rotundo y propició una nueva gira mundial (su gira más extensa desde "Tunnel of Love Express" en 1987) y un nuevo directo, "Live In Barcelona", que recoge el concierto celebrado en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 16 de octubre de 2002.

"Devils & Dust" (Demonios y Polvo) se editó el 26 de abril de 2005, y se grabó sin la E Street Band. Es un álbum discreto, en su mayoría acústico, con un estilo muy parecido a "Nebraska" y "The Ghost of Tom Joad", aunque con más instrumentación. Algunas canciones fueron escritas unos diez años antes, durante la gira "The Ghost of Tom Joad", o poco después. Había tocado dos de las canciones, pero no las había publicado. La canción que da nombre al disco trata de los sentimientos y los miedos de un soldado durante la invasión de Iraq de 2003. Starbucks rechazó un acuerdo de márqueting para promover la venta del nuevo disco debido, en parte, al contenido sexualmente explícito de la letra de una de las canciones, pero también a la política anticorporativa de Springsteen. A pesar de todo, el álbum consiguió ser el número uno en diez países (Estados Unidos, Austria, Suiza, Suecia, Dinamarca, Italia, Alemania, Países Bajos, Reino Unido e Irlanda).

Springsteen comenzó su gira en solitario de "Devils & Dust" al mismo tiempo que el lanzamiento del álbum, tocando tanto en grandes escenarios como en pequeños locales. En algunos lugares no hubo gran afluencia de público, por lo que, excepto en Europa, fue más fácil conseguir las entradas que en otras ocasiones. A diferencia de la gira en solitario tras la publicación de "The Ghost Of Tom Joad" a mediados de los 90, Bruce tocó el piano, el piano eléctrico, el órgano, el autoarpa, el ukelele, el banjo, la guitarra eléctrica y el pedal steel, así como la guitarra acústica y la armónica, lo que aportó variedad al sonido en solitario. En algunas canciones sonaron sintetizador, otra guitarra acústica y percusión, aunque sin aparecer en el escenario. Las prodigiosas interpretaciones de "Reason to Believe" (Razón para Creer), "The Promised Land" (Tierra prometida), y "Dream Baby Dream" (de la banda Suicide) estremecieron al público, mientras las rarezas, las frecuentes canciones no previstas y sus ganas de seguir experimentando, errores al piano incluidos, dejaron encantados a sus más fieles seguidores.

Nada más terminar esta gira, se involucra en la creación de un disco folk de homenaje a canciones que inspiraron la música norteamericana del siglo XX y en especial a uno de sus máximos exponentes Pete Seeger, publicando en el mes de abril de 2006 el disco "We Shall Overcome: The Seeger Sessions". Para este disco reune a una serie de músicos folk y a algunos antiguos colaboradores, como varios miembros de los "Miami Horns", la violinista Soozie Tyrell o su propia esposa Patti Scialfa y forma la llamada The Seeger Sessions Band, posteriormente The Sessions Band, con la que sale ese mismo año de gira por EE. UU. y por Europa y con la que publica un nuevo álbum en directo, "Live In Dublin" 2007.El nuevo disco 'Magic' salió a la venta el 2 de octubre. En él han participado todos los miembros de la E Street Band. Patti Scialfa, su mujer, sacó un álbum producido por ella misma (su tercer trabajo) el 2 de octubre. Springsteen no ha intervenido en la producción del mismo ni en la composición de las canciones (obra exclusiva de Scialfa), aunque sí inverviene en dos de los temas tocando la armónica y la guitarra.

Discografía

* Greetings from Asbury Park, N. J. (5 de enero de 1973)
* The wild, the innocent, and the E street shuffle (11 de septiembre de 1973)
* Born to run (25 de agosto de 1975)
* Darkness on the edge of town (2 de junio de 1978)
* The river (10 de octubre de 1980)
* Nebraska (20 de septiembre de 1982)
* Born in the U.S.A.(4 de junio de 1984)
* Live 1975-1985 (10 de noviembre de 1986)
* Tunnel of Love (9 de octubre de 1987)
* Chimes of Freedom (5 de mayo de 1988)
* Human touch (31 de marzo de 1992)
* Lucky town (31 de marzo de 1992)
* In concert MTV plugged (12 de abril de 1993)
* Greatest hits (28 de febrero de 1995)
* The ghost of Tom Joad (21 de noviembre de 1995)
* Tracks (10 de noviembre de 1998)
* 18 tracks (13 de abril de 1999)
* Live in New York City (27 de marzo de 2001)
* The rising (30 de julio de 2002)
* The essential Bruce Springsteen (11 de noviembre de 2003)
* Live in Barcelona DVD (18 de noviembre de 2003)
* In concert MTV Plugged DVD (9 de noviembre de 2004)
* Devils & dust (26 de abril de 2005)
* Storytellers DVD (6 de septiembre de 2005)
* Born to run - DVD 30th Anniversary Edition (15 de noviembre de 2005)
* Hammersmith Odeon, London '75 (28 de febrero de 2006)
* We Shall Overcome: The Seeger Sessions (25 de abril de 2006)
* Live In Dublin (5 de junio de 2007)
* Magic (2 de octubre de 2007)

Bruce Springsteen "Born in the Usa" (Live Paris 85)

Bruce Springsteen "Born to Run"

Culture Club

2007-11-09T17:48:00.000-08:00

Información general

Origen: Inglaterra
Estilo(s): New Romantic( Mezcla de New Wave Y Soul )
Tiempo :1982 - 1986
1998 - actualidad

Sitio web: www.culture-club.co.uk

Miembros
Sam Butcher
Jon Moss
Mikey Craig
Phil Pickett
Otros miembros
Boy George
Roy Hay

Culture Club fue una banda de rock New Romantic británico de los años ochenta capitaneada por Boy George quien se identificaba por su estética glam y transgresora.

Fue un grupo que triunfó en los años ochenta con temas sensuales y creativos. En sus inicios, Boy George creó revuelo en sus apariciones por televisión, por sus maquillajes coloridos y por la ropa femenina y las trenzas con las que se presentaba en sus apariciones, un aspecto inequívocamente travestido.

Tras unos inicios un tanto frustrantes, con un sencillo publicado por Virgin con un éxito nulo, Boy George publicó el tema Do You Really Want To Hurt Me, una seductora canción con ritmo reggae y que le valió para obtener cierto renombre y abrirse camino en el mundo de la música. Culture Club fue uno de los principales exponentes del estilo New Romantic, mezcla de rock, New Wave, soul y reggae. El extravagante vocalista iba acompañado por Roy Hay (guitarra), Mike Craig (bajo) y Jon Moss (batería), quien previamente había tocado con The Damned.

En 1983, aparece el primer álbum de Culture Club, titulado Kissing To Be Clever, con el que consiguieron un tremendo éxito que fue repetido unos meses con el álbum Colour by Numbers y el sencillo extraído Karma Chameleon, que obtenía el primer puesto en las listas británicas y norteamericanas.

En 1984, Culture Club publica su tercer álbum, bajo el título de Waking Up With The House On Fire, el cual ingresó en los charts de Estados Unidos de América en la posición número 2, del mismo se extrajo el sencillo de gran éxito "The War Song".

En 1985, aparecen noticias graves para el grupo, ya que el alma de la banda, Boy George, confiesa su adicción a las drogas y, principalmente, a la heroína. Este hecho hace que el trabajo en general de la banda resulta bastante irregular y su calidad descienda enormemente.

No obstante, Culture Club publican el álbum From Luxury To Heartache, con el que intentan redimirse ante sus fans, algo que logran a medias. El disco permanece varias semanas en las listas, pero la sintonía de Culture Club con su público no es la misma.

Pocos días después de la publicación del álbum, el teclista de la banda, Michael Rudetski, aparece muerto por sobredosis de heroína en la casa de George. Fue el golpe definitivo para Culture Club, que no supo sobreponer y terminó desapareciendo.

A partir de ese momento, Boy George continuó en solitario con una exitosa eel carrera como solista en un principio. No obstante, su adicción a los estupefacientes continuaba en aumento, llegando a ser detenido en alguna ocasión por posesión de drogas, en 2007 cumplió servicio comunitario en la Ciudad de New York.

En 1998, Culture Club vuelve a reunirse para grabar el tema I Just Wanna Be Loved, que fue incluido en el disco doble de la VH1 Stroy Tellers/Greatest Moments; la misma canción fue incluída en el disco del grupo de 1,999 "Don´t mind if I do".

En 2,004 se editó el DVD collection de "Grandes Éxitos"

Culture Club "Karma Chameleon"

Culture Club "Do you Really Want to Hurt Me"

Culture Club Time (Clock to the Heart)

Culture Club "War Song"

Falco

2007-11-09T17:34:00.000-08:00

Falco, pseudónimo artístico de un exitoso compositor, músico y vocalista de Austria, nacido el 19 de febrero de 1957. Su verdadero nombre era Johann Hölzel. Su seudónimo era un homenaje indirecto al esquiador alemán Falko Weisspflog.

En su haber constan canciones como la fantástica versión de "Der Kommissar"; una de sus canciones más populares fue Rock me Amadeus (en inglés) (Éxito musical número uno en Estados Unidos /1986).

Comenzó su carrera con el grupo Spinning Wheel y con el grupo vienés Drahdiwaberl, pero fue con el sencillo "Der Kommisar", extraído de su primer LP solista Einzelhaft que llegó al éxito comercial a nivel europeo. En 1985, su tema "Rock Me Amadeus" permaneció durante semanas en el top five estadounidense.

Murió el 6 de febrero de 1998 en la Ciudad de Puerto Plata, en la República Dominicana, a causa de un accidente de coche. Fue atropellado en una via pública.

Falco "Rock Me Amadeus"

Falco "Der Kommissar"(Live)

Falco "Emotional"

Falco "Out to the Dark"

Billy Idol

2007-11-09T17:15:00.000-08:00

Billy Idol (William Michael Albert Broad, n. 30 de noviembre de 1955 en Middlesex, Inglaterra)es un músico inglés de rock.

Biografía

Idol vivió en Worthing antes de acudir a la Universidad de Sussex, solamente un año, antes de unirse al Bromley Contingent, formado por fans de los Sex Pistols. Durante este período, Idol decidió convertirse en músico, y formó su propia banda, Generation X, en 1976. Además, se convirtió en vegetariano porque quería parecerse a David Bowie.

Generation X firmó con Chrysalis Records y sacaron al mercado tres álbumes de éxito antes de disolverse. Idol se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar como artista en solitario, y trabajando con Steve Stevens. Logró pronto un gran éxito en la MTV con temas como "White Wedding" y "Dancing with Myself" —que ya había sido grabado con Generation—. El segundo disco de Idol, "Rebel Yell" (1984), fue un éxito en las listas, haciendo a Billy Idol alcanzar el estrellato en Estados Unidos con temas como "Eyes without a face", "Flesh for Fantasy", y el propio "Rebel Yell".

No sería hasta 1986 cuando Idol presentara un nuevo álbum: "Whiplash Smile". Este LP alcanzó un excelente número de ventas, con éxitos como "To be a Lover", "Don't need a Gun", y "Sweet Sixteen" (este último con fuerte sabor country". Mientras, Stevens decidió optar por la carrera en solitario, mientras que Idol continuó. Y lo hizo con una versión en directo de la canción de Tommy James "Mony Mony", con enorme éxito en la cadena MTV.

Poco antes de sacar su siguiente disco, "Charmed Life", en 1990, Idol sufrió un accidente de motocicleta en el que casi pierde una pierna. Charmed Life fue un rotundo éxito —con canciones como "Cradle of Love" el tema principal de la película Ford Fairlane, pero Idol decidió hacer un paréntesis y actuar en el filme "The Doors", dirigido por Oliver Stone.

Desgraciadamente, su siguiente disco, "Cyberpunk" (1993) fue un fracaso de ventas en Estados Unidos, y además Idol se sumió en el mundo de las drogas, estando a punto de morir de sobredosis en 1994.

Un "Greatest Hits", así como su participación —se interpretaba a sí mismo— en 1998 en la comedia romántica "El chico ideal" (con Adam Sandler y Drew Barrymore), en la que el tema principal era su mítico "White Wedding", le devolvieron la popularidad. Además, apareció en VH1 Storytellers, y vendió más de medio millón de copias en los Estados Unidos con un nuevo Greatest Hits en 2001, en el que aparecía una versión inédita de Idol del "Don't You Forget About Me" de Simple Minds.

Con su disco "Devil's Playground", que salió a la venta en marzo de 2005, vuelve al mundo del álbum de estudio tras casi 12 años alejado de él.

Curiosidades

* Durante su actuación en directo en la final de la Liga Nacional Australiana de Rugby en 2002, hubo un apagón.
* En el Grand Theft Auto: San Andreas, se incluye la canción "White Wedding" en una de sus rockstations.
* Tiene un hijo, Willem, fruto de su relación con Perri Lister, pero nunca se ha casado.

Álbums

* Don't Stop (EP) (1981) #71 EU
* Billy Idol (1982) #45 EU
* Rebel Yell (1984) #6 EU, #36 RU
* Vital Idol (RU) (1985) #7 RU
* Whiplash Smile (1986) #6 EU, #8 RU
* Vital Idol (EU) (1987) #10 EU
* Idol Songs: 11 of the Best (1988) #2 RU
* Charmed Life (1990) #11 EU, #15 RU
* Cyberpunk (1993) #48 EU, #20 RU
* Rebel Yell: Expanded (1999)
* Greatest Hits (2001) #74 RU
* VH1's Storytellers (2002)
* Essential Billy Idol (2003)
* Devil's Playground (2005) #46 EU

EU: Estados Unidos, RU: Reino Unido

Sencillos

* "Dancing With Myself" (1/1981)
* "Mony Mony" (9/1981)
* "Hot in the City" (8/1982)
* "White Wedding" (10/1982)
* "White Wedding (re-release)" (9/1983 - IDOL 1)
* "Rebel Yell" (1/1984 - IDOL 2)
* "Eyes Without a Face" (6/1984 - IDOL 3)
* "Flesh for Fantasy" (9/1984 - IDOL 4)
* "White Wedding (Vital Idol re-release)" (6/1985 - IDOL 5)
* "Rebel Yell (re-release)" (9/1985 - IDOL 6)
* "To Be a Lover" (9/1986 - IDOL 8)
* "Don't Need a Gun" (2/1987 - IDOL 9)
* "Sweet Sixteen" (5/1987 - IDOL 10)
* "Mony Mony (Live)" (10/1987 - IDOL 11)
* "Hot in the City (Remix)" (1/1988 - IDOL 12)
* "Catch My Fall" (8/1988 - IDOL 13)
* "L.A. Woman" (8/1990 - IDOL 15)
* "Prodigal Blues" (1990 - IDOL 16)
* "Shock to the System" (1993)
* "Heroin" (1993)
* "Speed" (1994)
* "Grand Theft Auto" (2000)
* "Scream" (2005)

Billy Idol "Eyes Without A Face"

Billy Idol "Dancing With Myself"

Billy Idol "Sweet 16"

Billy Idol "Rebel Yell"

Billy Idol "Hot in the City"

Billy Idol "Flesh for Fantasy"

Joan Jett

2007-11-09T17:01:00.000-08:00

Joan Jett

Joan Jett (Joan Marie Larkin, nacida el 22 de septiembre de 1958 en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos) es una cantante, guitarrista, productora, y ocasionalmente actriz.

Es conocida por sus hits I love Rock n Roll, que fue número uno en las listas de Billboard desde el 20 de marzo hasta el 8 de mayo de 1982, Crimson and Clover, Do you Wanna Touch Me, Light of Day, "I Hate Myself For Loving You, Little Liar y Love Is All Around.

Probablemente Joan Jett sea una de las figuras femeninas más importantes de la historia del rock. Bandas como Bikini Kill, Shonen Knife, L7, The Yeah Yeah Yeahs, Kittie, The Donnas ou Hole declararon públicamente la influencia de Joan en su música.

Biografía

A los 15 años, Joan formó The Runaways junto a sus compañeras, Sandy West, Lita Ford y Cherie Currie. Joan cantaba, tocaba la guitarra rítmica y escribía mucho material de la banda. La banda grabó cinco LPs y giró por todo el mundo entero junto con Cheap Trick, Van Halen o Tom Petty y The Heartbreakers. Tuvieron especialmente éxito en Japón.

Mientras que The Runaways eran muy populares en Europa, Japón, Australia, Canadá y en Sudamérica, ellas no tuvieron el mismo éxito en Estados Unidos. Parte de eso debieron a que este país, a que la prensa musical, no estaba acostumbrada a que una banda de mujeres adolescentes harían música con seriedad. The Runaways se separó en 1979.

En esa época cuando Jett, considerada una figura en la escena Punk-Rock, produjo el único álbum de The Germs. Esta grabación está considerada en EEUU a un nivel similar que la del grupo Ingles Sex Pistols, "Never Mind The Bollocks".

En la primavera de 1979, Joan fue a Inglaterra para comenzar una carrera en solitario. Mientras estuvo allí, compusó tres temas con los ex-Sex Pistols Paul Cook y Steve Jones (una de ellas era la versión temprana de "I Love Rock n Roll"). De vuelta a Los Angeles, Joan comenzó a rodar una película basada en The Runaways llamada "We're All Crazee Now!". Una película nunca fue editada, pero durante la realización del proyecto, Joan conoció al compositor y productor Kenny Laguna, con el que trabó amistad, decidiendo así trabajar juntos.

Jett y Laguna entraron en los estudios The Who's Ramport Studios para grabar el debut en solitarios de primera. El disco Joan Jett fue editado en Europa, pero en los Estados Unidos fue nada menos que 23 grandes sellos sacaron el disco. Jett y Laguna editaron independientemente en su propio sello Blackheart Records. De este hecho, Jett se convertiría en la primera intérprete femenina en crear su propio sello discográfico.

Debido a sus problemas personales, creó su propio sistema independiente de distribución, muchas veces vendiendo álbumes en su coche después de sus conciertos.

Joan Jett And The BlackHearts "I Love Rock And Roll"

Joan Jett "I Hate Myself for loving You"

Joan Jetts "Love Hurts"

OMD

2007-11-09T15:49:00.000-08:00

Orchestral Manoeuvres in the Dark

Información general
Origen : Liverpool, Inglaterra
Estilo : Synth Pop
Tiempo : 1979–1996 2006- en adelante
Discográfica: Virgin

Miembros
Andy McCluskey
Paul Humphreys
Malcolm Holmes
Martin Cooper

Orchestral Manoeuvres in the Dark (también abreviado como OMD) son un grupo de synth pop del cual, sus fundadores son naturales de la península de Wirral, Inglaterra.

OMD graba para Virgin Records.

El grupo fue fundado por Andy McCluskey y Paul Humphreys, los cuales conjuntamente forman la voz del grupo hasta que en 1989 el grupo se separa. McCluskey retuvo el nombre del grupo y continuó grabando y dando giras con el nombre de OMD.

Actualmente se han vuelto a juntar para rememorar sus mejores tiempos y crear una nueva era de la música electrónica.

OMD "Enola Gay"

OMD "If you Leave"

OMD "Electricity"

Men At Work

2007-11-09T15:32:00.000-08:00

Men at Work fueron una banda de rock australiana influenciada por el reggae de principios de los años 1980.

En los Juegos olimpicos de Sydney en el 2000, interpretarón su éxito "Down Under" como preludio del apoteósico e inolvidable cierre pirotécnico a los últimos Juegos del milenio.

Discografía

Álbums

* Keypunch Operator (1979)
* Business as Usual (1982)
* Cargo (1983)
* Two Hearts (1985)
* Contraband: The Best Of Men At Work (1996)
* Brazil (1998).

Singles
1982 "Who Can It Be Now?
1982 "Down Under"
1983 "Be Good Johnny"
1983 "Overkill"
1983 "It's A Mistake"
1983 "Dr. Heckyll And Mr. Jive"
1985 "Everything I Need"

Men At Work "Down Under"

Men At Work "Who Can Be it Me Now"

Men At Work "It's a Mistake"

Paula Abdul

2007-11-09T15:22:00.000-08:00

Paula Abdul (1962, California) es una coreógrafa de la industria norte americana y, a finales de los ochenta y comienzos de los noventa, una cantante de éxito.

Biografia

Comenzó bailando entre las animadoras de Los Angeles Lakers, para pasar luego a hacerse un nombre en el mundo de la coreografía y encargarse de los bailes de los Jackson o Mick Jagger, llegando así a trabajar con Janet Jackson en sus primeros y celebrados videoclips, lo que le llevaría a conseguir su ansiado contrado discográfico.

Sus primeros singles, Knocked out y The way that you love me apenas tienen repercusión. Tampoco su álbum, Forever your girl. Todos debutan en vergonzantes posiciones en la lista Billboard. Entonces publica el tercer single del disco, Straight up. Se convierte en un éxito masivo que hace que el disco suba hasta el número uno de las listas sesenta y cuatro semanas después de su publicación. Los siguientes singles que se publican mantienen la racha y Paula goza de otros tres números uno y dos top #5. Forever your girl acaba vendiendo diez millones de copias.

Sus vídeos son igual de célebres que sus canciones, aprovechando su condición de coreógrafa para crear unos bailes innovadores y exigiendo a los mejores para dirigirlos. Así, trabaja más de una vez con David Fincher, que posteriormente dirigiría a Madonna y se convertiría en uno de los directores de cine más famosos de los noventa, o mezcla animación e imagen real bailando con un gato en "Opposites atract".

Su segundo álbum, "Spellbound", publicado en 1991 y con un espíritu más dance que el primero, debuta en el número uno de las listas de álbumes precedido por su single de más éxito, "Rush rush", una balada que permanece cinco semanas en el número uno de la lista de singles norteamericana. Del disco saldrá otro número uno ("The promise of a new day") y la posición del siguiente single publicado (número #6) se convierte en el más bajo de un single en la carrera de Paula, aún siendo un triunfo.

"Spellbound", a pesar de vender tres millones de discos solo en EEUU, no confirma las expectativas puestas en una estrella tan célebre como Paula Abdul. Después llegarían problemas en su vida personal (bulimia, un divorcio, una demanda por parte de una cantante de segunda que la acusa de usar su voz en unas cuantas canciones) que supusieron un paréntesis de cuatro años antes de publicar su tercer y último álbum, "Head over heels", en 1995.

"Head over heels" no consigue vender más de 300.000 copias y los singles publicados no consiguen ni de lejos alcanzar la popularidad que los temas de la cantante alcanzaban sólo cuatro años antes. Algunos apuntan que su discográfica apenas se preocupó por promocionarla, dándola por muerta artísticamente. Otros dicen que ya había pasado la época de las divas pop y una nueva generación más rockera había tomado el poder en las listas de éxitos.

En todo caso, Paula Abdul no vuelve a publicar nada, y los años sucesivos logra salir en la prensa debido a sus divorcios y a sus apariciones en series de televisión (Spin city, Cybill) o como protagonista de un telefilme donde interpreta a una mujer violada (Touched by evil). Un disco de grandes éxitos se publica, tras muchos retrasos, en 2000 ("Greatest hits"), conteniendo sus singles en rigurosos orden cronológico y presentando como única novedad un larguísimo megamix con todos sus éxitos.

Albums

* Forever Your Girl
* Spellbound
* Shut Up and Dance
* Greatest Hits’ Straight Out

Julujulu

En 2002, la cadena de televisión norteamericana Fox la contrata como jurado para un programa de jóvenes cantantes llamado "American idol". El programa arrasa en audiencia y lanza a jóvenes estrellas como Kelly Clarkson. Paula se vuelve a convertir en un rostro conocido y en su página oficial se anuncia que prepara un nuevo disco.

Paula Abdul "Opposite Attract"

Eurythmics

2007-11-09T14:19:00.000-08:00

Eurythmics es una banda musical inglesa, originaria de Londres, conformado por Annie Lennox (vocalista) y Dave Stewart (compositor) a finales de 1980. Siendo el grupo que abriría la era del videoclip, de las ambigüedades y de la libertad.

El nombre del grupo proviene de la palabra Euritmia, cuyas raíces devienen del griego Eu -Bien, bueno- y Rythmes -Ritmo-, refiriéndose a la correspondencia que hay en cada una de las partes para producir una obra de arte musicalmente. Otros consideran que significa Ritmo Europeo.

Son conocidos mundialmente por grandes éxitos musicales, tales como, Sweet Dreams, Love Is A Stranger, Who´S That Girl?, Right By Your Side, Here Comes The Rain Again y la celebérrima 1984, soundtrack de la pelicula 1984 (Mil novecientos ochenta y cuatro), que fue basada en el libro de George Orwell.

Para finales de los 90’s su producción musical y presentaciones artísticas disminuyó al grado de creérsele ya separados, relanzando sus actividades a partir de 1999, habiendo Annie Lennox en ese periodo lanzado varios éxitos como solista

A Eurythmics se le reconoce por ser una de los grupos líderes del Synth pop de los 80’s y quienes iniciaron la era de los videoclips en esa década. La vocalista causó controversia debido a su look tan andrógino y cuyo cabello aún no se sabe cual es el verdadero color.

Albumes
Año Album
1981 In The Garden
1983 Sweet Dreams (Are Made of This)
1983 Touch
1984 Touch Dance
1984 1984 (For The Love Of Big Brother)
1985 Be Yourself Tonight
1986 Revenge
1987 Savage
1989 We Too Are One
1991 Greatest Hits
1993 Live 1983-1989
1999 Peace
2005 Ultimate Collection

Eurithmics "Sweet Dreams Are Made of This"

Madonna-Reina del Pop

2007-11-08T20:27:00.000-08:00

Madonna Louise Veronica Ciccone Fortin Ritchie, mejor conocida como Madonna, es una cantante, bailarina, productora, actriz, compositora, diseñadora de moda, escritora y, ultimamente, directora de cine estadounidense. Nació en Bay City, Michigan, el 16 de agosto de 1958. Madonna es un icono artístico de carácter internacional de las últimas dos décadas. Estrella de pop mundialmente conocida por reinventar su imágen, por su ambición, innovación y provocación en sus vídeos musicales y espectáculos, por sus controversias personales y laborales con determinadas personalidades sociales y por el continuo uso de símbolos políticos, religiosos y sexuales a lo largo de su carrera musical. Desde sus inicios en 1983 con el lanzamiento de su primer álbum Madonna hasta su último disco Confessions on a Dance Floor ha adquirido y sigue manteniendo intactos tanto su éxito como su fama mundial, que ha atravesado distintas generaciones. Artista polifacética, Madonna ha logrado mantenerse en el gusto del público.

Personalidad artística célebre en la cultura musical internacional, Madonna es desde hace años la artista femenina más exitosa de todos los tiempos, por todo ello es conocida como La Reina del Pop. Un título adquirido por las ventas, vanguardia y liderazgo que la ha caracterizado. Según la lista Forbes es la personalidad más poderosa en el ámbito musical, superando incluso a Michael Jackson. Ha vendido más de 275 millones de álbumes en todo el mundo. Una revolucionaria del espectáculo y de la creatividad en general que se ha hecho a sí misma marcando una tendencia muy influyente en la música de los últimos veinticinco años.

Desde temprana edad, Madonna huyó hacia Nueva York a finales de los años 70 para triunfar y dedicarse al mundo de la música. Ha logrado multiples reconocimientos, culminando al ganar premios como los Grammy. Su renombre como artista la condujo a apariciones y papeles protagónicos en exitosas películas como Evita, por la cual ganó el Globo de Oro a la mejor actriz.

En el 2000, el Libro Guinness de los Récords publicó que Madonna es la artista femenina más exitosa de todos los tiempos estimando que las ventas superan los 338'600,000 álbumes y singles vendidos en todo el mundo. [1] Su actual compañía discográfica, Warner Bros., reportó en el 2005 que las ventas mundiales de Madonna exceden los 300 millones de álbumes.[2] . Su gran éxito ha hecho que se la considere uno de los más grandes iconos del pop, siendo comunmente llamada la Reina del pop.

Biografía

Vida temprana y sus inicios

La infancia de Madonna estuvo marcada por la tristeza y la idea de la pérdida de su madre, quién murió cuando ella era muy pequeña a consecuencia de un cáncer de mama. Su padre, al morir su esposa se unió sentimentalmente a la niñera de la familia. Madonna se tomó como una traición que su padre se casara con la niñera, por lo que nunca acabó de aceptarla y nunca volvió a tener la misma relación con su padre. La relación paterno-filial se enfrió considerablemente. Tony requería que todos sus hijos tomaran lecciones de música. Después de varios meses de lecciones de piano, Madonna convenció a su padre para que la dejara tomar clases de ballet, en el cual resultó ser una bailarina nata. (Madonna) asistió a la escuela superior Rochester Adam High School, donde fue una estudiante de excelentes calificaciones, muy buena en los deportes y miembro del escuadrón de animadoras. Después de graduarse en la escuela superior en 1976, recibió una beca de baile para la Universidad de Michigan, donde conoció al maestro de ballet Christopher Flynn. Además de ser el mentor de Madonna en el baile, él le mostró las primeras discotecas gays a Madonna y le aconsejó que probara suerte en el mundo del baile. Su vena artística se disparó y en 1977, gracias al apoyo de Flynn, Madonna abandonó la universidad tras sólo dos años de asistencia y se fugó a Nueva York para seguir una carrera profesional centrada en la danza. Sobre su llegada a Nueva York, Madonna ha dicho:

"Cuando vine a Nueva York fue la primera vez que viaje en avión, la primera vez que viaje en un taxi, la primera vez en todo. Y solo llegue con 37 dólares en mi bolsillo. Es la cosa más valiente y más afortunada que he hecho nunca".

Madonna atravesó durante sus primeros años en Nueva York por verdaderos problemas económicos, llegando a pasar hambre (cuando no vivía de la amabilidad de amistades o amantes), trabajando en una serie de trabajos mal pagados. Por pura necesidad Madonna aceptó trabajar posando para fotógrafos como modelo nudista. Fue en ese tiempo en el cual sufrió una violación por parte de un desconocido. Después de los años, cuando Madonna ya se convirtió en una persona famosa, muchas de esas fotos fueron la causa de diversos chantajes frente a los cuales la artista tuvo que luchar durante años. Durante esa dura época, también estudió con la leyenda de la danza moderna Martha Graham y con el discípulo de Graham, Pearl Lang. Madonna más tarde trabajó con varias compañías de danza moderna, incluyendo a Alvin Ailey y Walter Nicks. Su anónima carrera como bailarina fue prosperando progresivamente.

Mientras trabajaba como bailarina para la estrella de disco, el francés Patrick Hernandez, en su gira mundial de 1979, Madonna conoció a Dan Gilroy, quien pasaría a ser su amante, y con quien crearía su primera banda de rock The Breakfast Club, en Nueva York. Madonna tocaba la batería, después tocaría la guitarra y finalmente sería brevemente la vocalista del grupo antes de formar Emmy en 1980 con su entonces novio Stephen Bray. Después terminó su relación con Bray para buscar una carrera de solista, comenzó a escribir y producir varias canciones de música disco y dance, las cuales le trajeron fama local en los clubs de Nueva York, particularmente en Danceteria y Kansas Kansas. Un demo, producido con Bray, llamó la atención de un popular DJ de Nueva York, Mark Kamins, quien llevó la cinta al productor de Sire Records, Seymour Stein.

Fue durante este tiempo que Madonna recibió su primer protagonista en una película independiente llamada "A Certain Sacrifice."

Carrera profesional

1983-1985: Ascenso a la fama

En 1982, Madonna escribió unas cuantas canciones y Sire Records pagó 5,000 dólares por canción. Su primer single Everybody, fue producido por Mark Kamins. Pero no se convirtió en un hit, fue emitido en las radios de música R&B estadounidense asumiendo que Madonna era una artista afro-americana. Cuando "Everybody" fue lanzado, no aparecía ninguna fotografía de ella en la cubierta, pero semanas más tarde se aclaró todo, cuando la disquera dijo mediante un comunicado que Madonna era blanca, lo que provocó que perdiera una parte de la audiencia de raza negra que la empezaba a seguir. El siguiente single fue "Physical Attraction". Más tarde, se grabaron seis nuevas canciones, con esto ya había material suficiente para lanzar su primer álbum.

Madonna/The First Album

Su álbum debut,Madonna, fue producido inicialmente por Reggie Lucas, pero debido a no llegar a buen acuerdo, pasó a ser producido por el novio de Madonna en aquel entonces, John "Jellybean" Benitez, quien lo remezcló y lo mejoró. El disco era un compendio de canciones dance plagadas de ritmo y sintetizadores que pronto calaron en el público. Obtuvo el lugar número ocho en los Charts de EUA y consiguió tres singles que entraron al Hot 100: Holiday, Borderline y Lucky Star. Con el tiempo gozaron de amplia difusión y se televisaron vídeoclips grabados para su promoción; Madonna apenas logró vender tres millones de copias en el mundo, y un millón en EUA, pero hoy, este está certificado con 5 discos de platinos (el más reciente en octubre de 2000) y ha logrado vender 10.5 millones de unidades en el mundo..

Cuando Madonna alcanzó la fama, las adolescentes quisieron imitar su forma de vestir que mostraba en fotografías de revistas, actuaciones en vivo y en sus vídeos musicales.Tal forma de vestir estaba definida por faldas sobre pantalones de Capri, medias de red, joyas con la cruz cristiana y el pelo blanqueado, lo que haría que su forma de vestir marcara una tendencia femenina muy popular en los años 80's. Su imágen proyectada en ese tiempo fue la de una chica sexy con una mezcla de dance y punk y sus innovadores vídeos pronto fueron imitados por artistas como Michael Jackson y Prince, que ya tenían un notable éxito.

Like a Virgin

Sin embargo, la auténtica revolución para ella se inició en 1984 con la aparición de su segundo trabajo de estudio: Like a Virgin, todo un suceso internacional. El álbum fue producido por Nile Rodgers, con fuertes dosis de dance bailable. El single Like a Virgin alcanzó el número uno en los Estados Unidos, permaneciendo en esa posición durante seis semanas consecutivas en el Billboard Hot 100 Singles Chart. Otro de los singles, Material Girl, alcanzó el número dos en esa misma lista, solo rebasado por We are the world, un single de ayuda para África. También contó con otros singles como "Angel" y "Dress You Up". El álbum logró vender en sus inicios 12 millones de copias, y hasta el día de hoy ha vendido poco mas de 19 millones de copias, además de producir cuatro singles que alcazaron el Top 5 en EUA y Gran Bretaña, además obtuvo su primer disco de diamante al igual que en Canadá pero le otorgaron la placa por el millón de unidades vendidas en ese país.

Su interpretación en el primer evento de los MTV Music Video Awards, vestida de novia, con liguero, medias de encaje y un cinturon que rezaba "Boy Toy" y cantando sobre un pastel de boda, con una coreografía sugerente para su epoca, enfureció a los criticos, quienes la atacaron argumentando que su estilo provocativo fue usado para disfrazar su falta de talento. Esto solo provocó que mas admiradores la siguieran y aumentara su ya prominente carrera.

En 1985 Madonna protagonizó sus primeras películas, primero con una breve aparición en la cinta Vision Quest como cantante de un club. El soundtrack de la película contenía su segundo exito pop número uno, la balada nominada al Grammy Crazy For You, junto con el número uno de los charts británicos Gambler. Más tarde, protagoniza la comedia Buscando a Susan Desesperadamente [Desesperatly Seeking Susan] y su actuación obtuvo buenas críticas. En la película se presentaba el single Into the Groove, el cual fue lanzado como cara-B del single Angel. Into the Groove alcanzó el puesto número cinco en EEUU y el número uno en Gran Bretaña.

Se casó en 1985 con el actor Sean Penn, divorciándose en 1988 por problemas matrimoniales. El 10 de Abril de 1985, Madonna inicia The Virgin Tour, su primera gira Norteamericana, la cual dura dos meses. La venta de boletos para los shows de esta gira fueron records de venta. El mejor fue para el Radio City Music Hall con 17.672 boletos en 34 minutos. Los teloneros para esta gira fueron The Beastie Boys.

En Julio de 1985, las revistas Playboy y Penthouse publicaron unas fotografias a blanco y negro que la cantante se había tomado en los 70's. Tales fotografías causaron revuelo en los medios de comunicación y fuertes criticas a la cantante, quien al principio trató de evitar su publicación, pero despues de estar en los medios, ella se mantuvo a la vez disculpada y desafiante. En un concierto de Live Aid, hizo una declaración pública a los medios de comunicación, declaró que no se quitaría la chaqueta, a pesar del calor, porque ellos podrían sostener lo que dijeron diez años a partir de ahora. Días despues, Madonna apareció en la portada de el periódico NY Post declarando respecto de las fotografías: "NO ME AVERGÜENZO".

1986-1989: Desarrollo artístico

True Blue

El siguiente álbum de Madonna, en 1986, se tituló True Blue (el álbum más vendido en la década de los ochenta por una mujer) y presentó una melodía y temática mas maduras que sus precursores, lo cual la revista Rolling Stone comentó sobre este: "Canta mejor que nunca, Madonna invierte su voz para reclamar y vuelca su voz como poeta popular de clase media inferior Américana". El álbum contaba con la balada emotiva "Live to Tell" que originalmente había escrito para la película "At Close Range" la cual protagonizaba su marido de ese entonces, Sean Penn. El álbum era también el primero que la acreditaba como productora, además de contar con la colaboración de Patrick Leonard, quien se volvería su amigo y un colaborador a largo plazo. True Blue alcanzó el número uno en varios paises y vendió mas de once millones de copias cuando fue lanzado. Del álbum se desprendieron cinco singles consecutivos: "Live to Tell", "Papa Don't Preach", "Open Your Heart", "True Blue" y "La Isla Bonita", alcanzando los tres primeros el número uno en los charts estadounidenses y los todos alcanzando el Top 5. Hasta la fecha, "True Blue", ha vendido 20 millones de copias en el mundo y ha sido certificado con siete discos de platino en Estados Unidos por más de 7 millones de copias vendidas en la Unión Americana solamente.

Los vídeos musicales del álbum mostraron el interés de Madonna por elevar su calidad media a nivel cinematográfico, incluyendo su complicada dirección artistica, cinematografía e insertando dispositivos en ellos como el caracter y el complot. Aunque Madonna anteriormente había insertado en sus vídeos su expresión de la sexualidad, esta vez añadió íconos religiosos, arquetipos sexuales y problematicas sociales a su trabajo, lo que seguiría haciendo frecuentemente en sus producciones siguientes. Un ejemplo notable era el vídeo del single "Open Your Heart", el cual marcó su primera colaboración con el fotógrafo francés Jean-Baptiste Mondino.

En 1987, Madonna enfrentó el fracaso en taquillas de la película "Who's That Girl", para la cual contribuyó con cuatro canciones de la banda sonora, incluyendo su sexto single número uno titulado homonimamente al título de la película. El segundo single del álbum, "Causing a Commotion" logró alcanzar el sitio #2 del Billboard Hot 100 Singles.

El 14 de Junio de 1987, Madonna emprendió el acertado Who's That Girl Tour, iniciando en Osaka, Japon, Madonna llevo por primera vez una gira a Europa, actuando en paises como Inglaterra, Francia, Alemania, Holanda e Italia, siendo grabado para el vídeo oficial Ciao! Italia el show de Turin, gira en la cual comenzó su hasta hoy duradera colaboración con las vocalistas Donna DeLory y Niki Haris, además de acercar sus conciertos a una calidad de elaboración minuciosa, igual que la calidad de una función teatral. Madonna rompió record al vender 150,000 boletos en 18 horas en el Wembley Staduim, el show del 13 de Julio en el Madison Square Garden de New York fue donado para la American Foundation for Aids Research (AMFAR). Esta gira además marcó su primer enfrentamiento con el Vaticano y con el Papa, el cual alentó a sus admiradores a no asistit a los conciertos de la cantante. Mas tarde, el Vaticano también expresó su inconformidad por la develación de una estatua de 13 pies de la cantante que se erigiría en la ciudad de Pacentro, Italia, lugar donde la familia del padre de Madonna vivió.

You Can Dance

Ese mismo año, mas tarde, Madonna lanzó su primer álbum de Grandes Hits, You Can Dance, en el cual incluyó un nuevo sencillo titulado "Spotlight". El álbum apenas vendió dos millones de copias en EUA en su lanzamiento.

Like a Prayer

En 1989 su cuarto álbum de estudio, "Like a Prayer", gozó de buenas críticas. "Like a Prayer" se presentaba como un trabajo mucho más reflexivo y personal que los anteriores, en el que se combinaban momentos de pop romántico y dance ("Express Yourself", "Cherish") con temas de gran intensidad emotiva ("Oh Father", "Like a Prayer", "Promise to Try"). El álbum esta considerado entre los 50 mejores álbumes de la historia y la cancion del mismo nombre entre las 100 mejores canciones.

El disco literalmente debutó como n.° 11 en Estados Unidos, aunque tres semanas después alcanzó el codiciado n.° 1 dentro del Billboard 200 (su tercer álbum número uno en Estados Unidos), el disco se mantuvo en dicha posición durante seis semanas consecutivas hasta alcanzar el platino al mes de su lanzamiento. El álbum permaneció un total de 77 semanas en el Billboard 200 y alcanzó ventas por cuatro millones de unidades en EE.UU. y de 1.2 millones en Reino Unido. El disco vendió 5 millones de copias en América y más de 13 millones de ejemplares en el mundo entero. Además le dió a Madonna un nuevo #1 con la canción del mismo nombre del álbum, "Like a Prayer" (su séptimo sencillo #1 en Estados Unidos y el sexto #1 de Madonna en Reino Unido), colocando cuatro sencillos posteriores al primerdo dentro del Top 20, como "Express Yourself" en el n.° 2, "Cherish" en el n.° 2, "Oh Father" en el n.° 20 y el último single "Keep it Together" en el n.° 8 dentro del Billboard Hot 100. Curiosamente, el nunca lanzado "Dear Jessie" en EE.UU., alcanzó el n.° 5 en Reino Unido.

1990-1997: Controversia sexual y Evita

En 1990, el single "Vogue", apoyado en una producción dance-house a cargo de Shep Pettibone, se convierte en el éxito que consagró de forma definitiva y a nivel mundial a la artista estadounidense. Tras actuar en 1990 en la película "Dick Tracy" (para cuya banda sonora aportó 3 temas, entre ellos la oscarizada "Sooner or Later"), Madonna llevó a cabo una gira mundial: el Blond Ambition Tour mantuvo a Madonna de gira por Japón, Norteamérica y Europa. HBO decidio transmitir el ultimo show de la cantante desde Niza, Francia en el Stade De L'Ouest, obteniendo la mayor audiencia registrada en la historia de ese canal de television. Esta gira fue duramente criticada por el El Vaticano, mientras que la prensa y el público la elogiaban como una extraordinaria puesta en escena. La controversia más fuerte fue durante la segunda parte del show en la cual Madonna aparecía en el escenario cantando su hit "Like a Virgin" sobre una cama roja, custodiada por dos bailarines de apariencia andrógina (su vestuario incluía unos sostenes con conos en punta) y finalizaba dicha canción simulando una masturbación, obviamente este fue el punto que enfureció a la Iglesia. La gira fue todo un éxito a nivel mundial, llevándose a plasmar el famoso documental "En la cama con Madonna", en el cual la diva tuvo una cámara registrando todos los momentos que vivió durante los cuatro meses de gira que duró el "Blond Ambition Tour". Finalizando el año 1990 Madonna publica su exitoso disco de grandes éxitos titulado "The Immaculate Collection", el cual resume los casi ocho años de carrera de la diva, incluyendo dos nuevos temas: "Justify My Love" y "Rescue Me". El primero logró un éxito instantáneo, llegando a ser numero 1 en USA durante dos semanas (se edita por primera vez en la historia de la musica el Video Single del tema vendiendo mas de 400.000 copias del mismo en Estados Unidos). El álbum vende mas de 23 millones de ejemplares en todo el mundo (10 millones solo en USA), convirtiendose en el disco de Madonna mas vendido en su carrera.

Erotica

La provocación se vio continuada en 1992 con la aparición de "Erotica", un álbum en el que Madonna trataba básicamente el tema del sexo y el amor desde múltiples ópticas y apoyado en una producción a medio camino entre el club y el alterne, a cargo de Shep Pettibone y apariciones de Ingrid Casares, Naomi Campbell Joey Stefano, Isabella Rosselini, tanto en el Vídeo de "Erotica" como en el Libro de fotos Sex. El álbum fue lanzado en octubre de 1992 a la par con el libro "SEX". Sus temas ("Deeper and Deeper", "Bye Bye Baby", "Rain", "Erotica") fueron presentados por Madonna en otra polémica y controvertida gira en 1993, el Girlie Show Tour, por primera vez Madonna visita paises los cuales nunca habia incluido en giras anteriores, según todo esto por la mala aceptacion en Estados Unidos por su epoca sexual y decadente, Israel, Turquía, Puerto Rico, Argentina, Brasil, México y Australia fueron algunos países que incluyo en esa gira, por segunda ocacion HBO decide trasmitir el 18 de diciembre de 1993 el show de Madonna ofrecido en el Cricket Ground de Sydney, Australia.

Bedtime Stories

En 1994, "Bedtime Stories" se convierte en su siguiente aventura musical: un trabajo relajado y dulce, apartado del escándalo, que a diferencia de su predecesor, se presentaba como un álbum sencillo y romántico, apoyado en sonidos urbanos, rap, drum n bass, etc. Contuvo singles de popularidad, como la balada "Take a Bow", que se logró consolidar como el mayor éxito de la cantante en Estados Unidos ocupando el primer lugar durante siete semanas consecutivas, "Secret", el primer sencillo, "Human nature" y "Bedtime Story". Este ultimo vídeo filmado en Nueva York, Cuba y Florida y que actualmente se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Nueva York .
Madonna en su visita a España para presentar la película Evita, en diciembre de 1996.
Madonna en su visita a España para presentar la película Evita, en diciembre de 1996.

Busca la consagración como actriz en 1996, con el papel protagonista en "Evita", interpretando a Eva Perón. Madonna ganó el Globo de Oro a la mejor actriz en 1996 por ese papel. En 2003 el Grupo Editorial Random House Mondadori [1] de New York le cedió los derechos para protagozinar el film "La Loca de la Casa" basado en la novela Evita, la Loca de la Casa del narrador luxemburgués Daniel Herrendorf, la dirección de James Ivory. Después de un romance con el entrenador cubano Carlos León, el 14 de octubre de 1996 en un hospital de Los Angeles, California, nace Lourdes María Ciccone León, primera hija de Madonna. Se editan dos discos con la música original de la película "Evita", así como el single Don't cry for me, Argentina, que encabezó las listas de éxitos. Madonna es invitada a cantar en la 69 entrega de los Oscar en 1997. Interpreta uno de los temas principales titulado "You Must Love Me", ganadora del Oscar a la mejor canción original de una película.

En los "VH1 Music Awards", "VH1 Fashion Awards" (que la galardonó por segunda vez como la artista más elegante y recibe el primer premio "Gianni Versace" por mantener vivo el espíritu y la jovialidad del diseñador), los "Mtv Europe Music Awards" (Mejor Disco y Artista Femenina del año). Este premio le fue otorgado por la hermana de Gianni, Donnatella y uno de sus mejores amigos, Sting. Sucesivamente Madonna va recorriendo los 4 contientes concediendo entrevistas y presentaciones personales en promoción al disco, según ella misma el mejor de toda su carrera.

1998-2002: De regreso a la prominencia comercial

Ray of Light

Nuevas ideas y espiritualidad llegan a Madonna después del nacimiento de la pequeña Lourdes. Su séptimo álbum de estudio Ray of Light (1998), mezcla en sus canciones vivencias personales e introspectivas con los sonidos del este, a esto se anexan sonidos electrónicos, melodías a base de cuerdas por Craig Armstrong y un sabor británico fuerte. El álbum llegó hasta la posición número dos del Billboard 200, y desde ese momento ha recibido la certificación de 4 discos de platino por la RIAA. La crítica se deshizo en elogios hacia Ray of Light y fue considerado uno de los más grandes logros artísticos de toda su carrera y uno de los mejores discos de la era de los 90. Amazon.com describió a Ray of Light como "su más rico, y más consumado álbum"[3] , mientras que Rolling Stone ovacionó a Madonna y a su co-productor William Orbit por "crear el primer álbum pop contemporáneo que exitosamente abarca el género tecno," declarando que musicalmente Ray of Light es su "más arriesgada grabación".[4] Ray of Light produjo cinco sencillos, incluyendo el europeo número uno Frozen que años más tarde, causó controversia debido a una demanda por plagio en Bélgica por parte de Salvatore Acquaviva, compositor de la canción "Ma Vie Fout Le Camp", Madonna perdió el juicio, y se prohibió en Bélgica la radio difusión de Frozen y la venta del disco, lo que generó el movimiento inverso, Frozen fue más transmitida en la radio a pesar de la orden del gobierno, esta demanda fue basada en 4 compases que Madonna repite 5 veces en Frozen. El ábum ganó cuatro premios en 1999, más específicamente Premios Grammy, y ha sido colocado en la posición número tres por la revista Rolling Stone en los 500 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos. Madonna siguió cosechando éxitos gracias tras Ray of Light con su sencillo top-diez Beautiful Stranger, el cual es una canción pop que escribió con William Orbit y grabó para formar parte de la banda sonora de Austin Powers: The Spy Who Shagged Me en 1999.

En la Copa Mundial de Fútbol de 1998, Madonna dice que el jugador de fútbol chileno Iván Zamorano era "el símbolo sexual del Mundial".

En el 2000, Madonna lanzó la película sería la sucesora a Evita en su carrera cinematográfica. La película The Next Best Thing fue un decepcionante fracaso y fue literalmente aplastada por los críticos de cine. Madonna contribuyó con dos canciones para la banda sonora de la película, incluyendo el europeo número uno, American Pie, una versión dance del sencillo de los 70s del cantante Don McLean.

Music

Music (2000), su octavo álbum de estudio, con el cual Madonna levemente dio un paso lejos de la exploración de la espiritualidad y la fama para volver a las "fiestas" y discotecas con el dance, y house. Sin embargo, conservó la introspectiva de Ray of Light en canciones tales como Paradise (not for me), e introdujo guitarras para un mayor folclore, más notable en Don't Tell Me o baladas como Gone. Music debutó en el número uno en los Estados Unidos y se convirtió en su primer número uno después del lanzamiento de Like a Prayer en 1989. Principalmente fue co-escrito y producido por el músico tecno francés Mirwais Ahmadzaï, el álbum generó tres sencillos, los cuales incluyen al mundialmente número 1 Music. El tercer sencillo What It Feels Like for a Girl causó controversia por su vídeo musical, dirigido por el esposo de Madonna, Guy Ritchie, se prohibió la emisión del vídeo por importantes cadenas vídeo-musicales como MTV y VH1 después de apenas haber salido al aire en una sola ocasión debido a su violencia gráfica. También en 2000 se casa con Guy Ritchie y da a luz a su segundo hijo, Rocco John Ritchie.

En el 2001, Madonna emprendió la gira Drowned World Tour, su primera gira en ocho años. Los conciertos fueron exitosos y fue el tema de un especial de televisión en los Estados Unidos, que más tarde se lanzó a la venta en formato DVD en el mes de noviembre de 2001 para coincidir con el lanzamiento de su segundo álbum de grandes éxitos, GHV2. A diferencia de su previa compilación en 1990, GHV2 no incluyó ninguna canción inédita, aunque solamente se promocionaron por radio múltiples remixes de algunas de las canciones. En el 2002, escribió e interpretó el tema principal de la película de James Bond Die Another Day. La canción estuvo nominada en la entrega de premios los Globos de Oro en la categoría de Mejor Canción Original (y a los Premios Razzies por Peor Canción).

2003-2006: Altas y bajas comerciales

American Life

El noveno álbum de estudio de Madonna es American Life lanzado en el 2003, el cual los temas que se utilizaron para llevar a cabo la escritura de las letras de las canciones fueron los sueños, la fama, la fortuna y sociedad de los Estados Unidos, la música se polarizó en extremos tanto positivos como negativos debido a las críticas y revisiones del inédito y controversial álbum, algunos de los críticos se atrevieron a declarar que Madonna era antinacionalista. Discutible que su álbum se considere el más atrevido y musicalmente más extremo, American Life presentó un lado más oscuro y serio de la cantante. Una vez más, ella trabajó con Mirwais, Michel Colombier quién había colaborado antes en el exitoso álbum Music, un coro del evangelio y guitarras acústicas prominentes, fueron unos arreglos que se le dieron a American Life, con esto Madonna indagó con sonidos distintos a lo que había presentado en sus anteriores trabajos discográficos.

El vídeo musical del primer sencillo, el cual lleva el mismo nombre del álbum causó controversia y fue censurado en los Estados Unidos debido a que como contuvo escenas viscerales que representaban guerra, explosiones y sangre. El día después de que el vídeo salió al aire en la televisión europea, Madonna lanzó también una versión corregida y mucho menos violenta, en la cual ella canta y viste un traje estilo sargento militar, detrás de ella solamente se corren escenas que muestran las banderas de todo el mundo. El sencillo American Life, disfrutó de un modesto éxito internacional pero no corrió con la misma suerte en los EE.UU. por obvias razones, a pesar de esto el álbum debutó en el número uno del Billboard 200,[5] meses más tarde recibió la certificación de disco de platino por la RIAA al haber superado el millón de unidades vendidas tan solo en los Estados Unidos.[6]

Un año más tarde Madonna se presentó en los MTV Video Music Awards de 2003, interpretó una versión re-estilizada de la canción Hollywood al lado de Britney Spears, Christina Aguilera y Missy Elliott. Se trató del acto de apertura de la entrega de premios, causó una gran controversia cuando Madonna besó a Spears y Aguilera durante el acto, y resultó ser noticia de primera plana de varios tabloides de la prensa tanto en los periódicos como en revistas en algunas ocupó la portada. El incidente, fue simulado al final del vídeo musical del sencillo Me Against the Music del álbum In the Zone de Britney Spears. La nueva versión de Hollywood formó parte de la lista de canciones del EP de Madonna titulado Remixed & Revisited, el cual tuvo el objetivo principal de revitalizar al álbum American Life, también se incluyeron versiones remix de otras canciones del controvertido álbum, además se anexó Your Honesty, una canción no lanzada del disco Bedtime Stories. El EP fue todo un fracaso comercial, no causó ni el menor impacto, apenas si superó el medio millón de copias vendidas en el mundo.
Madonna durante la promoción del documental I'm Going to Tell You a Secret.
Madonna durante la promoción del documental I'm Going to Tell You a Secret.

En el 2004, emprendió el tour mundial llamado [[The Re-Invention Tour]], el cual presentó cincuenta y seis fechas en su calendario en los Estados Unidos y Europa se convirtió en la gira que más dinero recaudó del 2004, se estima fue un total de $125 millones de dólares. Además en ese mismo año, Madonna estuvo involucrada en una batalla legal con su actual discográfica Warner Bros. y la compañía que estuvo con ella durante años Maverick. El conflicto legal finalizó con la victoria de Warner Music Group, quien compró las acciones de Madonna como compañía discográfica.[7] En enero de 2005, Madonna cantó una versión cover de la canción Imagine de John Lennon trasmitido para la televisión estadounidense, durante el concierto por la ayuda a los damnificados de Indonesia y Tailandia por el Tsunami en diciembre de 2004, el cual tuvo la finalidad de recaudar dinero para los víctimas en Asia del fenómeno marítimo. En el 2005, Madonna lanzó su segundo documental para la televisión, titulado I'm Going to Tell You a Secret, el cual fue filmado durante su gira mundial Re-Invention en el 2004, y estuvo dirigido por Jonas Akerlund.

En plena celebración de su 47 cumpleaños, el 16 de agosto de 2005 Madonna decidió montar un caballo, el cual arrojo a la reina del pop volando por los aires causándole serios problemas, una muñeca rota, una clavicula dislocada, heridas en el cráneo y multiples moretones. pero esto no fue suficiente para la reina del pop quien regresa a escena como si nada le hubiera pasado y mejor que nunca.

Confessions on a Dance Floor

El décimo álbum de estudio de Madonna, Confessions on a Dance Floor (2005), está constituido por una serie de canciones mezcladas formando un único set, como si de una sesión de DJ se tratase, con estilos y efectos musicales incorporados tanto del sonido de los 70's y 80's como de su propio repertorio. Producido por Stuart Price (también conocido como Jacques Lu Cont o Paper Faces),el álbum se convirtió en un rotundo éxito comercial, alcanzando el número uno en 41 países de todos los continentes, despojando a Los Beatles del récord que anteriormente poseían. El álbum ha recibido las críticas más positivas desde Ray of Light en 1998, y además se le considera el gran retorno después del relativo fracaso de American Life, recuperando su estatus de diva disco con sonidos que homenajean y recuerdan a artistas tan dispares como New Order, ABBA, Pet Shop Boys, Donna Summer, Giorgio Moroder, la New Wave estadounidense y el estilo electrónico de Goldfrapp o Royksopp. Hasta la fecha ha producido cuatro exitosos sencillos: Hung Up, que contiene un fragmento sampleado de la canción Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) de ABBA, Hung Up, Sorry, Get Together, y Jump. Hung Up se convirtió en el primer sencillo en ocupar una posición dentro de los diez primeros sencillos del Billboard Hot 100 desde el "tropiezo" con American Life en el 2003, con este sencillo nuevamente rompió récord, esta vez se lo quitó al que por muchos es conocido como el "Rey del Rock and Roll" Elvis Presley, actualmente Madonna es la cantante con más sencillos dentro del top 10 de la lista Hot 100. Alrededor del mundo, superó a Music para convertirse en el sencillo más exitoso de su carrera. El sucesor de Hung Up, Sorry se ha convertido en su décimo segundo sencillo número uno en el Reino Unido. El tercer corte promocional de Confessions on a Dance Floor y el más reciente es Get Together, lanzado en el mes de junio de 2006, debutó en el número uno del Billboard Dance (con éste último ha sido la artista con más sencillos número uno en ésta lista en la historia musical de los Estados Unidos).
Madonna durante un concierto de la Gira Confessions (2006) en Los Angeles.
Madonna durante un concierto de la Gira Confessions (2006) en Los Angeles.

En mayo de 2006, Madonna emprendió su gira "Confessions" por el mundo . Causó una controversia inmediata después de que en el número que corresponde a interpretar la canción "Live to Tell", ella canta colgada de una enorme cruz espejada. La gira está prevista para los meses que abarcan desde mayo hasta septiembre, se ha confirmado que hará escalas en Norteamérica, Europa y Asia. Se especulaba que sería la gira que más dinero recaudaría en todos los tiempos por una artista femenina, se estimaba serían más de $200 millones de dólares debido a los altos precios de las entradas y de igual manera las altas ventas de boletos.[8] , pero sin embargo las estimaciones quedaron rebasadas y una vez mas Madonna rompió las criticas y superó las expectativas, ya que el tour generó ganancias por mas de $260.1 Millones de Dollares, superando su anterior record personal y batiendo un nuevo record mundial.

El 20 de junio de 2006, Madonna lanzó su documental I'm Going to Tell You a Secret, en DVD, el cuál fue "fusionado" con su primer álbum en vivo, el DVD debutó en la posición 33 del Billboard 200 vendiendo un total de 25,000 copias en su primera semana.[9]

Madonna lanzo su "Confessions Live Tour" en DVD el 30 de enero de 2007. Este nuevo proyecto es editado en dos formatos: DVD y CD+DVD. [Para mas información vease The Confessions Tour (álbum).]

En 2006 Madonna fue el nuevo rostro de la casa de moda H&M. Una parte de la línea fue especialmente diseñada para vestir a Madonna y a sus bailarines durante la Gira Confessions.[10] Las fotografías para la campaña fueron tomadas por el reconocido fotógrafo de renombre Rankin, en Hollywood. Además se especuló que una canción inédita de Madonna sería vendida en exclusiva en las tiendas de H&M, las cuáles tienen de su lado a todas las cadenas de líneas de ropa de todo el mundo. Madonna firmó un contrato durante todo el año 2006 en la firma H&M para presentar toda su colección de ropa. En 2007 y en colaboración con la Directora artística de H&M, presenta la colección "M by Madonna", bastante más importante y mejor que la línea que anunció en 2006.

Madonna "Like a Prayer"(1989)

Madonna "Like a Virgin"

Madonna "La Isla Bonita"

Madonna "Express Yourself"

Madonna "Cherish"

Madona "Papa Don't Preach"

Madonna "True Blue"

Madonna "Holiday"

F.R. David

2007-11-08T20:18:00.000-08:00

Elli Robert Fitoussi nacido el 1 de enero de 1947 en Menzel Bourguiba, Túnez.

Cantante francés de origen tunecino, cuya efímera fama le ganó un lugar en la historia musical pop. Con su solitario hit Words (Palabras) consiguió colocarse en los primeros lugares de las listas de popularidad de todo el mundo.

Trayectoria

Residente regularmente en Saint Germain des Pres, Paris. La carrera de este cantautor francés se inicia en los años 70 durante los cuales se desempeñó como guitarrista del músico Vangelis asistiéndolo principalmente durante sus giras de conciertos lo que le dio la experiencia dentro de los escenarios musicales y que también le permitieron desarrollarse dentro del medio del espectáculo. De hecho grabo con Vangelis un álbum nombrado Earth justo antes del álbum Les Variations. Posteriormente se convertiría en el cantante principal del grupo musical Variation que vino a ser uno de esos raros grupos que exportaron música rock alrededor del mundo. El grupo se disolvería tiempo después, sin embargo Robert permanecería en Estados Unidos por un lapso de 5 años aproximadamente, trabajando al lado de estrellas como The Dooby Brothers, Richie Evans, Toto y muchos más. Regreso a Francia posteriormente al enterarse de que su tema Words se había convertido en un hit avasallador en Europa. Su paso a la historia de la música se dio precisamente al lograr vender más de 8 millones de copias de su sencillo Words en todo el mundo, la permanencia de su tema en las listas de popularidad se extendió desde finales de 1982 hasta entrado el verano de 1983, el tema considerado por muchos entre High Energy o Balada Pop se caracterizaba por un voz de matices suaves y agudos lo que en algún instante propicio que se le llamara -en las radiodifusoras- Sr. o Sra. David hasta no conocerle en persona. A pesar de su tezon dentro del mundo musical, el éxito no volvería a repetirse nuevamente. Quedo así pues, catalogado como "artista de un solo hit". De menor trascendencia fueron sus siguientes trabajos musicales, bajo la modalidad de High Energy, los temas Music, Take me back, no lograrían figurar con la magnitud de Words. hacia 1986 presento su Sahara Night's, para 1987 grabó su álbum Reflections del cual el tema Don't go fue popular en base a su lanzamiento por videoclip. En 1993 lanzo su tema I'll try to love again que le permitió seguir vigente.

Hacia 1999 realizo un remake de su único hit mundial Words con variaciones mix y eurodance.

A pesar de considerarse a él mismo como un cantautor de hechura auténtica la publicación de sus trabajos musicales ha sido esporádica lo que ha propiciado que su trayectoria inicialmente exitosa haya venido a menos por lo escasa. Recientemente trabaja en temas que implicarían un manejo sinfónico de sus temas.

Discografía

Álbumes

* Words (1982)
* Long Distance Flight (1984)
* Reflections (1987)

Sencillos

* Words (1982)
* I Need You (1983)
* Pick Up The Phone (1983)
* Music (1983)
* Play A Little Game (1983)
* Gotta Get A Move On (1983)
* Sand Dunes (1983)
* Dream Away (1983)
* Sahara Night (1986)
* Don't go (1987)
* I'll Try To Love Again (1992)

Recopilaciones

* Greatest Hits (1991)

F.R DAVID "Words"

F.R. DAVID "Sahara Nights"

F. R. DAVID "Music" (no es video original pero vale la pena escuchar la canción)

The Police

2007-11-08T11:02:00.000-08:00

The Police es una agrupación inglesa de soft rock y New Wave. Se formó en 1977 y se separó en 1985. En el momento de su separación, era el grupo más popular y con más ventas del mundo.

The Police se reunió para la entrega de los premios Grammy en febrero del 2007 e interpretó Roxanne. Este año se embarcan en una gira mundial que los llevará a tocar en más de 20 países, 21 años después de su último concierto .

Componentes

* Sting (Gordon Matthew Sumner) (Wallsend, Inglaterra, 1951), bajo y principal vocalista
* Andy Summers (Blackpool, Inglaterra, 1942), guitarra
* Stewart Copeland (Alyxandria, Estados Unidos, 1952), batería
* Henri Padovani ex-miembro (1977), guitarra

Canciones más conocidas

Algunos de los mayores éxitos comerciales de la banda fueron las siguientes canciones:

* Roxanne
* Can't Stand Losing You
* Every Breath You Take
* Message in a Bottle
* Walking on the Moon
* So Lonely
* Every little thing she does is magic
* De Do Do Do, De Da Da Da

Estilo

Su estilo pasó del pop-punk de sus inicios (Outlandos d´amour) al reggae blanco que practicaron en Reggatta de Blanc, explotando su éxito en todo el mundo con su LP (Zenyatta Mondatta) al cual le seguiría Ghost in the Machine. Terminaron su carrera con un disco reconocido por la crítica como una de sus mejores producciones: Synchronicity, en la cual se encuentra uno de sus tema más conocidos, Every Breath You Take.

Liderados por Gordon Matthew Summer, más conocido como Sting (nombre que significa "aguijón" en inglés, y que deriva de un jersey de rugby a rayas amarillas y negras, en plan avispa, ya que el bajista siempre llevaba puesto en su juventud), Police fue uno de los conjuntos británicos con mayor éxito comercial en los años 70 y 80 gracias a su impetuoso pop-rock nuevaolero enriquecido por algunas dosis de reggae y un talento instrumental y compositivo bastante notable.

Historia

Primeros Años

Stewart Copeland.

El trío, además del cantante y bajista Sting (nacido el 2 de octubre de 1951 en Tyne and Wear), estaba compuesto por el batería Stewart Copeland (nacido el 16 de julio de 1952 en la localidad estadounidense de Alexandría) y el guitarrista Henry Padovani, quien pronto sería sustituido por el experimentado Andy Summers (nacido el 31 de diciembre de 1942 en Lancashire), un músico que ya contaba con un largo recorrido en la música rock, pues había estado en bandas como The Animals o Zoot Money. También había tocado con Kevin Ayers o Neil Sedaka.

En 1977, tras foguearse en distintas formaciones inglesas de jazz y rock progresivo, el terceto dio inicio a su andadura musical en la escena punk con el apoyo de su representante Miles Copeland, el hermano de Stewart. Su debut se produjo con el single “Fall out”, canción compuesta por Stewart que fue editada en el sello independiente IRS. El tema recogió una notable resonancia, hecho que llegó a oídos de los altos directivos de A&M, con la que comenzaron a grabar en 1978.

Allí publicaron el sencillo “Roxanne”, tema escrito por Sting, el alma de la banda, que en su primera edición no consiguió llamar la atención. La canción se incluyó en su primer disco grande, “Outlandos D’Amour” (1978), sin duda uno de sus mejores trabajos y el más enérgico e inmediato, en donde sonaban clásicos como el citado “Roxanne”, “So lonely” o “Can’t stand losing you”. Además otras piezas menos conocidas como “Next to you” o “Born in the 50’s” formaban parte de un LP extraordinario.

Llegada a la fama

Este brillante inicio de su discografía se confirmaría con discos que copaban las listas de ventas de toda Europa como “Regatta de Blanc” (1979), LP con temas excelentes como “Message in a bottle” o “Walking on the moon”, y “Zenyatta Mondatta” (1980), el álbum que coronó a la banda también en los Estados Unidos (número 5 en en el Billboard) gracias a canciones como “Don’t stand so close to me” o “De do do do, de da da da”. Estos dos últimos discos fueron co-producidos con la banda por Nigel Gray, quien había ocupado puesto de ingeniero de sonido de su debut.

Traspasados los años 80, The Police fue abandonado su condición new wave-reggae para centrarse en su vertiente más pop. Así sucede en “Ghost in the machine” (1981), un disco producido por Hugh Padgham que incluye los singles “Spirits in the material world”, “Invisible sun” y “Every little thing she does is magic”. El éxito permanecía invariable en el viejo continente, alcanzando el número 2 en los Estados Unidos.

Disolución

Finalmente, las tensiones y egos entre los distintos componentes provocaron la disolución final del trío.

Sting inició una carrera en solitario llena de triunfos comerciales en donde había lugar para el pop con ínfulas jazz, soul o AOR.

Copeland tendió, entre otros proyectos, hacia la composición de bandas sonoras. Cuando todavía militaba en The Police editó varios Ep´s bajo el seudónimo Klark Kent, y después de la separación de Police formó parte de conjuntos como Animal Logic o el más reciente Oysterhead, junto al bajista y cantante de Primus, Les Claypool el guitarrista Trey Anasthasio de phish. Colaboró también tocando la batería en algunas piezas del álbum So de Peter Gabriel.

Por su parte, Summers colaboró con grupos de rock progresivo y jazz.

Reunión

A comienzos del 2007 luego de una serie de rumores que sugerían una posible reunión del grupo como conmemoración de los 30 años de su primer single, la banda se reúne para tocar en los Grammys, abriendo la ceremonia al grito de "Somos The Police, y estamos de vuelta" para continuar tocando Roxanne.

En los meses siguientes The Police anunció una gira mundial, rememorando los viejos éxitos de la banda. La gira comenzó en Vancouver a finales de mayo, y deberá terminar el 28 de Junio de 2008 en Manchester, Inglaterra.

Aún no es claro si la banda planea seguir su carrera musical grabando nuevos discos, o si la gira es una despedida definitiva. Ninguna de las dos posibilidades ha sido desmentida por los miembros.

Discografía

* Outlandos d'Amour (1978)
* Reggatta de Blanc (1979)
* Zenyatta Mondatta (1980)
* Ghost in the Machine (1981)
* Synchronicity (1983)
* Every Breath You Take: The Singles (1986)
* Greatest Hits (1992)
* Message in a Box: The Complete Recordings (1993)
* Every Breath You Take: The Classics (1995)
* Live! (1995)
* The Very Best of Sting & The Police (1997, 2008)

The Police -"Roxanne"

The Police "Every Breath You Take"

The Police "SincHronicity II"

Toto

2007-11-08T10:52:00.000-08:00

Toto es una banda estadounidense de Blues, Rock, Pop, Jazz y Funk. Reconocidos mundialmente por la habilidad para combinar diferentes estilos musicales; como los ya mencionados. Toto tuvo un notable éxito comercial en la década de los 80s. Sus canciones más conocidas que ahora son unos clásico son: Rosanna, Africa y Hold the line. La banda ha realizado a la fecha 17 discos en los cuales han vendido más de 30 millones de copias y en su carrera como músicos han ganado 7 grammys. Toto es uno de los grupos más importantes de la A.O.R. junto a Foreigner y Journey. Su último disco fue lanzado en el 2006, titulado Falling in Between.
Sus comienzos

Toto se formó en Los Ángeles en el año 1977, integrado por David Paich(pianista), Steve Lukather (guitarra), Bobby Kimball(vocalista), David Hungate (bajo) y por los hermanos Porcaro: Jeff Porcaro(baterista) y Steve Porcaro(tecladista).

Los miembros de la banda se conocieron en el instituto y ayudaron en sesiones de grabación en los '70 para otras bandas como Steely Dan. David Paich y Jeff Porcaro apostaron por intentar salir adelante con una banda propia. La banda comenzó con: el bajista David Hungate, que en 1982 fue reemplazado por Mike Porcaro (hermano de Jeff y Steve), el guitarrista Steve Lukather, el vocalista Bobby Kimball y los nombrados anteriormente: Jeff Porcaro en la batería, David Paich como el compositor y tecladista, y Steve Porcaro como segundo tecladista.

Al principio se llamaban Still life, aunque no tardaron demasiado en cambiarse de nombre a Toto, nombre sobre el que suelen bromear cuando les preguntan por su significado.

Se sabe que existen diferentes versiones acerca del nombre Toto. Desde que Jeff Porcaro sugirió el nombre por el perro de la película El Mago de Oz, a la versión que Toto es una tribu localizada en las faldas del Himalaya de la que sólo quedan pocos sobrevivientes e incluso están por desaparecer; o que es el segundo nombre del cantante "Robert Toteaux Kimball", etc... aunque la versión definitiva parece sentenciar que escogieron Toto en un claro guiño a la variada música que hacen, pues , en latin el significado es "todo"

Miembros actuales

Bobby Kimball. (Vocalista). Ha trabajado con: Jackson Brown, Barbara Streisand y Aretha Franklin. Es el vocalista oficial de la banda pero ha comienzos del año 1984 abandonó la banda, siendo reemplazado por Fergie Frederiksen. En Julio de 1998 vuelve Bobby Kimball como el vocalista oficial de Toto, grabando con la banda Toto XX (disco el cual Toto celebra sus 20 años de carrera). 1977-1984/1998-presente.

Steve Lukather. (Guitarrista). Líder de Toto, es el único integrante que ha participado en todos los discos de Toto; reconocido como el guitarrista mas versatil del mundo y uno de los mejores guitarristas en la actualidad. Pese a ser guitarrista tiene una gran voz y en los discos Kingdom of Desire y Tambu tuvo que ser el vocalista oficial de la banda. 1977-presente.

David Paich. Tecladista y cantante. Hijo de Marty Paich, conocido músico y compositor.

Michael Porcaro. Bajista. Mike Porcaro es hermano de Jeff Porcaro y Steve, entró a Toto en el año 1985.

Simon Phillips. Baterista. Ha trabajado con artistas como The Who, Peter Gabriel y Mick Jagger entre otros. Ingresó en la banda en 1992 tras el fallecimiento de Jeff Porcaro.

Greg Phillinganes. Tecladista. Tras sustituir a David Paich ocasionalmente se incorporó a la banda en 2005. Ha trabajado con Phil Collins y Eric Clapton entre otros.

Miembros anteriores

Jeff Porcaro. Baterista y fundador de Toto, considerado uno de los mejores bateristas del rock. Gozó de enorme prestigio en la industria musical, trabajó con Toto, Steely Dan, David Gilmour, Ray Charles, Eric Clapton, Dire Straits,Dr. John,Earth, Wind & Fire,Robben Ford,Paul Simon y Bette Middler, entre otros. Jeff era miembro de una familia de músicos junto a sus dos hermanos: Steve y Michael. Es considerado uno de los mas importantes innovadores en batería y calificado como uno de los mejores bateristas del mundo. Falleció a causa de una agresiva reacción alergica a pesticidas, el 5 de Agosto de 1992.

Joseph Williams. Cantante. Hijo del conocido compositor John Williams, grabó con Toto los discos "Fahrenheit" y " The Seventh One". También ha grabado varias de las canciones centrales de algunas películas de Disney. Dejó la banda por el mal estado de sus cuerdas vocales a fines de los ochenta, colaboró en el 2006 en su albúm Falling In Between.

Steve Porcaro. Tecladista. Hermano de Jeff, fue miembro de Toto desde 1977 hasta 1986. A pesar de haber decidido salir del grupo, aún ha continuado trabajando en diversas grabaciones para ellos.

David Hungate. Bajista original. Perteneció al grupo desde sus inicios hasta 1982, según declaraciones, se retiró debido a problemas personales. Hungate también toca la guitarra y ha colaborado con diversos artistas del género country como Ethel and the Shameless Hussies.

Música

1978 - Toto debuta con el álbum del mismo nombre, Toto, del cual se extrajo el primer sencillo "Hold The Line" (todo un clásico) compuesta por David Paich, al igual que la mayoría de las canciones de este álbum. Este primer sencillo se colocó rápidamente en el número 5 en Norteamérica al poco tiempo de salir a la venta. Este disco debut, grabado en el estudio 55 en California, vendió un millón de copias.

En marzo de ese mismo año sale el sencillo "I'll Supply The Love". En Inglaterra, Francia y Europa en general empezaba a escucharse Toto y el álbum empezó a venderse. Por ello el grupo no tardó en visitar Europa. Posteriormente salió un tercer sencillo "Georgy Porgy", que tuvo la colaboración de una cantante de prestigio de la música soul. Por todo estó Toto fue nominado ese mismo año para los premios Grammy como "mejor banda nueva".

1979 - En este año Toto grabó el álbum Hydra, producido por Tom Nocks. Después de su exitoso debut sólo quedaba por ver si sería una banda de un solo disco o seguirían adelante en el mundo real de la música. Su siguiente sencillo fue "99", una canción inspirada en George Lucas con su película de ese mismo año. Este disco vendería más de un millón de copias. El reconocimiento de su compañía discográfica se demostró otorgándoles un disco de Oro.

1980 - Toto era un grupo recién nacido y le correspondía dar espíritu y personalidad a su música. Empezaban los años 80s y sus músicos se perfeccionaban preparando nuevas ideas, al mismo tiempo que colaboraban con grandes bandas de los 70s.

1981 – Toto graba el nuevo álbum, Turn Back, no tan exitoso como los anteriores. Este disco fue producido por ellos mismos, sin embargo no superó lo logrado por el primero.

1982 - Utilizando la fórmula que los dio a conocer, lanzan su álbum más conocido, catalogado por expertos como una joya mundial.

Toto IV

Es un álbum que en cada track tiene algo nuevo. El primer sencillo fue "Rosanna" con el cual vendieron dos millones de copias. Posteriormente saldría el segundo sencillo titulado "Make Believe".

1983 - Este año fue clave para la carrera del grupo; se grabó el tercer sencillo, "Africa", una de las mejores canciones de la historia y todo un clásico. Africa entró entre los tres primeros lugares de las listas de éxitos en Norteamérica e Inglaterra. Nuevamente vendían 2 millones de copias. En la 25° entrega de los Grammys en febrero de ese año Toto ganó 6 Grammys. Posteriormente sacaron otro sencillo "I Won't Hold You Back", una balada tan romántica como exitosa que les otorgo disco de platino por las ventas del álbum. Posteriormente David Hungated dejó la banda y en su lugar entró otro hermano Porcaro,Mike.

Bobby Kimball, al igual que David, se marchó e hizo su propia banda, la cual sonaba muy parecida a Led Zeppelin, pero fracasó. En su lugar entró Fergie Frederiksen "Fergie".

1984 – Recuperada otra vez la estabilidad fueron contratados para escribir el tema de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984. De igual forma, más tarde les fue encomendada en su totalidad la banda sonora de la película del director David Lynch Dune (ciencia ficción); a fines de este año sacaron un nuevo álbum cuyas críticas fueron hostiles y las listas de popularidad les dieron la espalda, por debajo del número 150.

Isolation

Su primer sencillo fue "Stranger In Town" y lo siguió "Holyanna".

1985 – En una contribución histórica entre muchas agrupaciones y solistas de la música pop, se lanza un proyecto llamado U.S.A. For Africa. Toto participó a nivel instrumental, haciéndose acompañar por la orquesta sinfónica de Viena.

1986 – Toto tomó un receso de unos meses. Fergie dejó el grupo y se contrató a Joseph Williams mientras tanto Steve daba una gira por Japón con Jeff Beck y Santana, donde conoce a Simon Phillips. A finales de ese año Toto graba el álbum que lo rescataría del olvido.

Fahrenheit

La balada "I'll Be Over You" rescató a Toto de su ostracismo y, aunque en las listas de éxitos no se colocó en los lugares de otras canciones anteriores, sí llegó a una muy buena posición.

1987 - En este año se lanzaron otros sencillos como "Till The End". Destaca el video-clip de esta canción con una coreografía realizada por Paula Abdul (bailando ella misma). Al final de ese año se lanzó la canción "Without Your Love". En esta temporada Steve Porcaro decide retirarse de la banda, pero aún así, ha apoyado al grupo en sus giras y apoyó bastante a la siguiente producción que Toto alistaba.

1988 - En ese año salió un disco en el cual Toto muestra totalmente su evolución, un disco maduro y con letras de más experiencia.

The seventh one

Toto acababa de cumplir una década y sacan el disco "The seventh one". El primer sencillo lleva un nombre de mujer, algo habitual en esta banda que titula frecuentemente sus canciones con nombres de mujeres, en este caso es "Pamela". El segundo sencillo se titula "Stop Loving You". Estas canciones aun suenan hoy en día en la radio.

1989 – Este año terminaría de promocionarse el disco con un último sencillo, "Straight For The Heart", asimismo, dieron la gira promocional del disco The Seventh One. A finales de ese año Steve Lukather lanza su primer álbum como solista, llamado simplemente "Lukather". Se trata de un disco con sonidos más sólidos y la guitarra más suelta que con la banda.

1990 - En ese año Toto saca un álbum que recopila lo mejor de su carrera. Ésta además incluía cuatro temas inéditos, se contrató otro vocalista, Byron Duplessis, primer miembro de raza negra.

Past to the present: 1977 - 1990

Este álbum salió en video y audio con cuatro temas inéditos. El primer sencillo fue “Out Of Love”. El disco fue aceptado bastante bien en Europa y les dio disco de platino. Iniciaron una gran gira por todo el mundo. Tocaban ocho o nueve noches en cada país europeo. Esta gira era la más grande realizada en mucho tiempo, Toto comenzaba la década con el pie derecho y tocaban nuevamente el cielo.

1991 - Después de la exitosa gira el vocalista Byron se marchó en búsqueda de su éxito como solista. Toto comenzaba este año la grabación de lo que sería su nuevo álbum de la década de los 90's.

Kingdom of desire

Días antes de la salida de la salida del álbum, su baterista, Jeff Porcaro, fallece debido a una agresiva reacción alérgica a los pesticidas el 5 de agosto de 1992. De este álbum se extrajo el primer sencillo "Don't Chain My Heart". A este sencillo le siguió, aun con más éxito, la balada "Only You". Fans de todo el mundo no sabían qué iba a pasar con la banda, la partida de Jeff dejaba mala parado al grupo.

1993 - Contrataron a otro baterista, Simon Phillips, con el cual salieron de gira. Aunque Simon era sólo eventual, cada actuación de esa gran gira contenía tres horas de música que mostraban la solidez de la nueva formación. En todas las actuaciones dedicaban una canción a Jeff y eso les daba más fuerza, así que decidieron sacar un álbum de esa gran gira.

Absolutely live

Este disco es doble y contiene trece tracks. El último track es un cover a Paul McCartney y en la contraportada del disco se ve una pintura de Jeff. Este disco contiene versiones acústicas de la canción "99" y "Georgy Porgy". Es un disco grabado en Holanda con Simon a la batería y también es un disco de edición limitada.

1994 - Se lanza el segundo disco de solista de Steve Lukather, "Candy Man".

1995 – Habían pasado 3 años desde el último álbum de estudio y dos de su última gira. Muchos creían que Toto se había desintegrado, sin embargo, se atrevieron con Simon Phillips como nuevo baterista a emprender un nuevo rodaje.

Tambu

En noviembre de 1995 se lanzaba mundialmente el primer sencillo de este disco "I Will Remember". Se trata de una balada dedicada a Jeff que rápidamente se coloca en las listas de popularidad. A este sencillo le siguió "The Other End Of Time". Las ventas crecían en Europa y Asia.

1996 – Se lanza otro sencillo "The Turning Point" y mientras sonaba el sencillo iniciaban una nueva gira "Tambu Tour 96". Aumentaban las fechas para conciertos, la fórmula que les trajo el éxito en los 80's estaba de vuelta.

A finales de ese año varios miembros lanzan discos como solistas. Steve Lukather lanzaba su tercer álbum solista llamado "Luke", empezaba su gira solista en diciembre y continuaría dando conferencias y conciertos. Este excelente guitarrista es conciderado entre los 10 mejores de todos los tiempos.

1997 - Simon Phillips lanza su disco nuevo de solista, "Symbiosis", y realiza una gran gira a finales de este año y principios del siguiente. Mike Porcaro se une con sus hermanos y lanzan un proyecto llamado Porcaro Brothers. El sencillo se llama "Young At Heart", con Joseph Williams en las voces de la canción oficial de la Champions League.

David Garfield, amigo de la banda lanza un disco con la ayuda de muchísima gente. El disco se llama "Tribute To Jeff". Es un homenaje a Jeff Porcaro en el que participaron ochenta músicos y también familiares y amigos.

1998 – Este año comienzan los insistentes rumores (que todos los fans deseaban que fueran ciertos) sobre una posible reunión de Bobby Kimball a la banda. En julio se confirmaba, Bobby era el vocalista otra vez.

Toto XX (1977 - 1997)

El título del álbum Toto XX es un homenaje a sus 20 años de carrera. Con el álbum a la venta los fans se preguntaban si habría gira, gira de despedida o todo terminaría en el álbum. El álbum contiene piezas inéditas, diez canciones que nunca se editaron por falta de tiempo o falta de espacio en los anteriores discos más tres canciones en vivo. El primer sencillo que se promocionó fue "Goin' Home", que suena al Toto de mezclas de 80s con 90s. En esta canción participan los dos vocalistas más destacados y reconocidos en la banda: Bobby Kimball y Joseph Williams. Había sido el primer sencillo de "Past To Present" y nunca se había editado hasta este disco de rarezas.

1999 – A principios de este año sólo promocionaron otro sencillo "Tale Of Man", pues deseaban iniciar una gran gira mundial. La gira la titularon "Meeting". Esto llega a ser memorable en la banda y en sus fanáticos, pues salieron en conciertos junto a Steve Porcaro, Joseph Williams y Bobby Kimball: los ex integrantes de la banda.

Toto iniciaba esta gira el 23 de febrero y continuaría durante todo el año con más de 80 citas en Europa y más de 25 por Asia. Visitarían ciudades como: Tallín, Oslo, Copenhague, París, Le Mans, Róterdam, Milán, Tokio, Munich, Praga, Berlín, Viena, algunas de Estados Unidos, etc. Descansaron sólo un mes . Volvieron a reanudar la gira a mediados de junio y terminó en noviembre. Se comenzó a rumorear la reintegración de Bobby Kimball como vocalista, la cual se confirma con su siguiente álbum.

Mindfields

Era el nuevo álbum de Toto en muchos años con Bobby Kimball y se hizo esperar. El disco se retrasaba en las tiendas y empezaba a escucharse el sencillo "Cruel" pero sólo en Europa y Latinoamérica. El sencillo se colocó en el número 4 en Alemania y en el número 6 en Japón.

2000 - En este se emitía otro sencillo "Caught In The Balance" y el disco por fin se podía encontrar en Latinoamérica. El disco contiene trece tracks y un tema extra, "Spanish Steps". El disco nos lleva a un recorrido por la trayectoria de la banda y nos muestra la gran voz de Bobby. Contiene canciones finas y de gran calidad musical. Cabe resaltar que los tracks (o canciones) del álbum Mindfields fueron editados en diferente orden en Estados Unidos y en Japón. Comienzan la nueva gira titulada "Mindfields World Tour" y siguen en ella hasta el nuevo año.

Simon Phillips lanza su disco "Out Of The Blue", un disco en vivo.

Steve Lukather hace una gira por Asia y graba un disco en vivo con Larry Carlton que ya está a la venta importado de Japón.

Toto fue nominado aquel año para los Grammys con el álbum "Mindfields" en la categoría de ingeniería de álbum, la cual no ganaron.

2001 – Se lanza un disco nuevo, en vivo y puesto a la venta en todo el mundo.

Livefields

Es un álbum doble en vivo grabado en Francia en 1999, durante la gira Mindfields. Este mismo año Simon Phillips lanza su disco "Vantage Point" y este mismo año se promociona el disco de Steve Lukather Con Larry Carlton llamado "No Substitutions".

2002 – Este año Steve Lukather es nominado junto con Larry Carlton para los Grammys y lo ganan por el mencionado disco "No Substitutions", en la categoría del mejor álbum instrumental de pop.

2003 - En este año realizan su 25 aniversario en Amsterdam con un gran concierto con 13 canciones entre las cuales se destacan "Girl Goodbye", "Africa" y "Hold The Line" entre otras.

Through The Looking Glass

Si bien, Toto ya había terminado su gira promocional, decidió terminar su contrato con Sony Records, la disquera que los había acompañado desde sus inicios, debido a diferencias entre la banda y la compañía. Luego, el grupo saca a la venta un álbum con el sello de la compañía Capitol Records titulado "Through The Looking Glass", un CD lleno de cóvers de canciones que inspiraron a cada uno de sus integrantes a seguir la música.

2006 - Toto sorprende con otro disco, considerado lo mejor de la banda californiana desde el lanzamiento de Toto IV en 1983.

2007 - Toto realiza una gira por todo américa, para recordar los tiempos de la banda, donde se tocan clási cos de ella

Falling in Between

Este álbum recoge todos los estilos musicales que la banda ha experimentado en casi 30 años de historia. Destaca el sencillo "Dying on my feet", cuya música recuerda los primeros tiempos de la banda. Como en otros tracks del CD aparecen invitados, en este caso, la colaboración de Chicago con su sección de metales. Un aspecto interesante de la banda en esta producción es la presencia de más de un vocalista en cada sencillo, lo que convierte a "Falling in Between" en un disco sumamente variado. El primer sencillo es "Bottom of your soul", una canción que habla de la tragedia humanitaria en Sudán y que cuenta con la participación del ex líder vocalista de la banda Joseph Williams. Trae además la balada "Simple life", sello distintivo de Steve Lukather. "King of the world" habla de la debacle la empresa estadounidense Enron. La canción es un regalo para los amantes del álbum "Isolation". Toto sorprende también con una dura crítica al gobierno de Estados Unidos por la guerra en Irak y lo hace con una de las interpretaciones más destacadas de su líder vocalista Bobby Kimball. Se trata de "No end in sight". Otra joya musical de este CD es "Spiritual Man", escrita por el alma de la banda, el tecladista Dave Paich y es un mensaje que habla sobre tres de las religiones más practicadas en el mundo: cristianismo, islamismo y budismo.

En más de una ocasión el guitarrista Steve Lukather ha expresado que si la banda debía cerrar de una manera treinta años de carrera, este disco ha cumplido con todas las expectativas de sus integrantes.Juan Manuel Villfañe, fanatico numero uno de Toto.

Discografía

Discos de estudio

* 1978 Toto
* 1979 Hydra
* 1981 Turn Back
* 1982 Toto IV
* 1984 Isolation
* 1986 Fahrenheit
* 1988 The Seventh One
* 1990 Past To Present
* 1992 Kingdom of Desire
* 1993 Absolutely Live en vivo
* 1995 Tambu
* 1998 Toto XX (disco que celebra sus 20 años de carrera)
* 1999 Mindfields
* 2002 Through the Looking Glass (disco de covers de sus artistas favoritos)
* 2006 Falling In Between

Toto -Africa

Toto -Rosanna

Toto -"I'll Be Over You"